накомство с морскими работами Эжена Будена и пребывание в Бретани утвердили его решение стать маринистом. «Крушение» — одна из самых известных работ Сент-Мартина, в которой романтический интерес смешался с ясно читаемым реализмом и импрессионистической манерой исполнения.
Судно уже ушло под воду, морская пучина буквально поглотила его, на поверхности воды едва различимо чернеет мачта корабля. Остается только догадываться, какая история борьбы за жизнь предшествовала гибели. Тяжелые безжалостные волны, почти слившееся с морем грозовое небо усиливают гнетущую атмосферу. Автор, подобно британцу Уильяму Тернеру, переплетает реальность с романтическими образами, преобразуя их в некое живописное видение, красочную и трагичную фантазию-впечатление. Художник был очарован различными светотеневыми эффектами и рефлексами цвета на поверхности моря — недаром он вкрапляет яркие пятна белого, желтого и ультрамарина, вводит их в оттенки воды, добавляет на горизонте сочетания розовых тонов.
Луи Артан де Сент-Мартин умер от гриппа в возрасте 53 лет. В Бельгии он считается одним из лучших маринистов, новатором как в реалистическом, так и импрессионистическом направлении второй половины XIX века.
В Музее находится порядка тридцати работ прославленного бельгийского художника Анри де Бракелера, племянника и ученика Анри Лейса, выдающегося исторического живописца. Влияние преподавателя, а также большой интерес к истории страны, ее традициям, культуре и быту соединились у автора с любовью к ушедшему времени. В частности, его картина «Географ» напоминает работы голландских мастеров XVII века — Габриэля Метсю и Николаса Маса, что-то в ней наводит на мысли о спокойных, наполненных светом произведениях Вермера.
Зритель видит старика, сидящего на бархатном табурете XVII столетия и полностью погруженного в изучение, созерцание старинного раскрашенного географического атласа. Эта стилизованная жанровая сцена пронизана воспоминаниями о минувшем. От любовно и тщательно написанной картины веет идиллическим спокойствием. Герой де Бракелера — это человек прошедшего столетия, живущий в окружении старинных вещей и предметов.
Эмиль Ваутерс — ключевая фигура позднего романтизма в Бельгии. Он, как и многие художники XIX века, черпал вдохновение в национальном прошлом. Кроме того, брат живописца был известным искусствоведом, в 1864 опубликовавшим биографию Гуго ван дер Гуса. Без сомнения, перипетии трагической жизни мастера заинтересовали Ваутерса. В этой знаменитой картине он соединил романтический интерес к психологии, пограничным состояниям человека и роли безумия в художественном творчестве.
Гуго ван дер Гус — чрезвычайно одаренный живописец XV столетия, ушедший в 1475 в августинский монастырь Рооде неподалеку от Брюсселя и проведший там последние годы, омраченные тяжелым психическим заболеванием. Благодаря запискам монаха Гаспара Оффхейса сохранились сведения об этом периоде жизни мастера, который продолжал работать в стенах монастыря и выполнял заказы высокопоставленных особ.
Ваутерс изобразил момент, когда Ван дер Гуса настиг приступ жестокой депрессии и монахи, чтобы облегчить страдания художника, пытались музыкой отвлечь его от мрачных мыслей. Автор записок предполагал, что безумие было послано «божественным провидением» или происходило по естественным причинам — из-за «злобы и зависти, которых так много в человеческом теле». Эта картина, поднимающая проблему творчества и душевных болезней, очень интересовала зрителей. Винсент Ван Гог писал своему брату Тео, что «снова почти дошел до безумия, как Гуго ван дер Гус на картине Эмиля Ваутерса».
Джеймс Энсор, выдающийся бельгийский живописец-символист, предвестник экспрессионизма, оказавший большое влияние на становление сюрреализма, прославился своими загадочными произведениями с изображениями скелетов и масок.
Иные темы характеризуют его ранние произведения, подобные картине «Дама в голубом», которая несет следы сильного влияния французского импрессионизма. Здесь заметен глубокий интерес художника к тональности освещения, вносящего в изображение определенное настроение. Льющийся из окон свет наполняет пространство вокруг занятой рукоделием женщины воздухом, создает ощущение покоя и умиротворенности. Живописная гамма картины в основном состоит из голубых, голубовато-серых и зеленых тонов. Живой и свободный мазок кисти автора передает вибрацию и движение воздуха. Подобная живописная интерпретация работы превращает повседневный, будничный мотив в поэтическую сцену.
Нидерландский художник-постимпрессионист Винсент Ван Гог на протяжении всей жизни неоднократно обращался к крестьянской теме.
Данный портрет исполнен в первой половине 1880-х, когда в палитре живописца царили пессимистические, холодные цвета. Темная колористическая гамма как нельзя лучше подходит для передачи чувства подавленности, гнетущей атмосферы, психологической напряженности, сковывавших автора и его персонажей. Краски землистого оттенка, господствующие в портрете, дополняются бликами желтоватого цвета, с помощью которых широкими мазками Ван Гог достоверно создает, точнее, вылепляет абсолютно живое и узнаваемое лицо молодого человека в фуражке. Вскоре, в 1886, художник решает оставить темные цвета и обратиться к более жизнерадостной, светлой палитре, характеризующейся появлением чистых голубых, красных и золотисто-желтых оттенков.
Проживший всего тридцать два года, Жорж Сёра остался в истории искусства как создатель «пуантилизма» — особого живописного метода передачи оттенков цвета с помощью отдельных цветовых точек. Громко заявив о своем искусстве монументальным полотном «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» (Чикагский художественный институт), он впоследствии не раз обращался к изображению острова на Сене. Как бы желая вернуться к своим истокам, испытывая потребность вновь исследовать места, некогда его вдохновлявшие, он начал рисовать пейзаж знакомого уголка при ярком солнце.
В этот раз он выбрал для изображения почти пустынный остров в будний день, чтобы никто не отвлекал его от написания картины. Композиционно произведение пронизывают четкие линии, сначала зеленая трава в правом углу разрезается голубыми водами Сены, а затем и саму реку ограничивает полоска противоположного берега. Острые линии белых треугольных парусов лодки только поддерживают геометрическую четкость произведения. При написании этого пейзажа художник накладывает краску таким образом, что буквально вылепляет ею предметы, они становятся осязаемы и трехмерны. Основные цвета, используемые автором, смешиваются в глазу зрителя, а не на холсте, создавая оптический эффект применения большого количества красок.
Бельгийский символист Фернан Кнопф в данном монументальном полотне показал попытку человеческого разума воссоздать нематериальные воспоминания, фрагменты различных периодов времени, которые возникают в сознании. Философ XX века Анри Бергсон предполагал, что воздействие памяти может быть настолько велико, что становится препятствием для подлинного реального наблюдения. Воспоминания, являющиеся темой этой работы, отражают внутренний мир художника, знаменуют окончательный разрыв с единством времени, места и действия.
Для «Воспоминаний», как и для многих других работ Кнопфа, моделью выступила его нежно любимая сестра Маргарита. Чтобы увековечить ее черты и определиться с композицией картины, художник сделал большое количество подготовительных фотоснимков, демонстрируя врожденный вкус к постановке статичных кадров.
Впоследствии фотографии пригодились ему в работе с многочисленными эскизами и рисунками, которые он создавал для каждой фигуры и ракурса, прежде чем начать работать над большим произведением. В «Воспоминаниях» лицо Маргариты повторяется в ликах семи загадочных женщин, неторопливо прогуливающихся по лужайке в неком туманном пространстве. Во время фотосъемок сестре художника приходилось много раз переодеваться, чтобы каждый следующий найденный образ гармонично вписался в общий замысел картины. В итоге Кнопф первоначально соединил кадры с помощью коллажа и только потом на их основе приступил к созданию полноценной работы.
В конце XIX века многие писатели и художники часто обращались к теме молчания, символистов она привлекала в связи с медитацией и гипнозом, атмосферой сна, прежде всего это стихотворение Жоржа Роденбаха «Молчание» (1888) и пастель Одилона Редона «Христос молчания» (около 1895, музей Пти-Пале, Авиньон).
Произведение Кнопфа продолжает данную тему. Молчание и погружение в себя — особое состояние видения и ощущения природы времени, оно не рассматривается как пассивное, а, наоборот, активно, так как приводит к прозрению, осознанию и вдохновению. Олицетворением тишины у Кнопфа выступает монументальная женская фигура в длинном платье с жесткими складками, указательный палец ее левой руки в коричневой перчатке поднесен к губам. Модель смотрит на зрителя широко открытыми глазами, она жестом призывает прислушаться к тишине, обрести покой. Женщина на картине также напоминает сестру художника Маргариту. Ее облик соответствовал излюбленному прерафаэлитами женскому образу: прямой профиль, длинный нос, квадратный подбородок и рыжеватые волосы. Подобные женщины доминируют в искусстве символистов того времени, выступая как архетип идеальной красоты.