Прежде всего, в образе лежащей на смертном одре женщины с откинутой в сторону рукой не угадывается никакой святости. Ее простоватое лицо с отчетливо мертвенным оттенком кожи, распущенные волосы и несколько вспухшее тело оставляли зрителей в недоумении. Смерть была показана с чрезмерным по тем временам реализмом, к которому мало кто оказался готов, особенно в религиозной сцене. Ходили слухи, что художник написал Деву Марию с трупа проститутки, недавно утонувшей в Тибре. Современники называли фигуру усопшей Богоматери «вздутым трупом обычной женщины» и неподдельно возмущались тому, что Караваджо написал тело «распухшим и с босыми ногами». Помимо прочего, столь натуралистично изобразив смерть Марии, живописец не дал на полотне ни единого намека на последующее вознесение святой, которое обычно было неотделимо от Успения и составляло основной смысл этой сцены для верующих. Неприкрытая скорбь апостолов и Марии Магдалины, окруживших усопшую, подчеркивает отсутствие всякой надежды на вечную жизнь.
Картину высоко оценил современник Караваджо Питер Пауль Рубенс, считал ее лучшей работой строптивого художника. Благодаря настойчивым рекомендациям фламандца «Смерть Марии» приобрел для своей коллекции герцог Мантуи Винченцо Гонзага.
Предсказуемо, картина оказалась отвергнута приходом, а назначавшееся ей место заняло более традиционное полотно одного из последователей Караваджо — Карло Сарачени. Тем не менее судьба произведения Караваджо сложилась весьма успешно, и сегодня это воспринятое современниками как богохульство полотно занимает свое почетное место в Лувре.
Рембрандт Харменс Ван Рейн(1606–1669)
Сегодня Рембрандт заслуженно считается крупнейшей фигурой золотого века голландской живописи. Его неповторимая способность передавать на холсте всю глубину психологического состояния человека стала новым словом в изобразительном искусстве и открыла перед художниками немыслимые ранее возможности как в рамках портретного жанра, так и живописи в целом.
Художник, не понаслышке знакомый с головокружительным успехом и горечью утрат, смотрел на человеческое лицо как на книгу, способную рассказать многое о том, что довелось пережить личности. В портретах, которые составили большую часть творчества Рембрандта, он подчеркивал своеобразие каждого человека, активно работая с мимикой, и оживлял образ характерной передачей световоздушной среды, создающей пространства, полные глубоких теней и не менее глубокого, многозначительного света.
Значение творчества Рембрандта было оценено сполна лишь спустя два века после его смерти.
В опоре и оглядке на творчество великого голландца создавалось искусство реализма XIX века.
НОЧНОЙ ДОЗОР. 1642 г.
Название «Ночной дозор» картина получила по ошибке. Когда в XIX веке к произведениям Рембрандта проснулся интерес, краски на холсте были покрыты изрядным количеством копоти и пыли, что создавало ощущение, будто изображенная на полотне сцена происходит ночью. Однако в 1947 году реставраторы, чистившие работу от загрязнений, с удивлением обнаружили под темными наслоениями яркие краски. Угол падения теней позволил определить, что стрелковая рота выступила через пару часов после полудня.
Наряду со многими персонажами Рембрандт включил в композицию свой автопортрет: лицо художника виднеется за вытянутой рукой одного из мушкетеров в правой части холста.
Популярность портретного жанра в Голландии XVII века была крайне высока. Помимо индивидуальных портретов, которые заказывали частные лица, получили широкое распространение портреты групповые. Спрос на них создавали различные профессиональные сообщества.
В 1642 году Рембрандт получил от амстердамского Стрелкового общества заказ на создание группового портрета стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рёйтенберга, ныне известного под названием «Ночной дозор». Новатор по духу, художник, находящийся в постоянных поисках, значительно отошел от канона, в рамках которого было принято изображать группу людей на портрете. Статичный парадный образ он заменил оживленной сценой, в которой каждый из стрелков играет свою роль, как персонаж в жанровом или историческом произведении. Кроме того, помимо заказчиков на монументальном холсте появились и, казалось бы, не имеющие отношения к происходящему люди. При этом в центре композиции очутилась маленькая девочка в золотистом платье, фигура которой выделена не только расположением, но и освещением.
Нетипичное решение портрета, предвосхитившее находки художников XIX века — реалистов и импрессионистов, массовая динамичная, даже несколько хаотичная сцена, в которой происходит смещение акцентов с каждого отдельного лица на общее впечатление от внезапного выступления роты по команде капитана, пришлись не по вкусу большей части заказчиков. Особенное неудовольствие выражали те, для кого Рембрандт уготовил место на заднем плане. Заплатившие немалые деньги стрелки ожидали увидеть себя во всей красе и при всем достоинстве, однако у художника были другие представления о решении группового портрета. Возмущение вызывало и чрезмерное количество «лишних» персонажей, которое приближалось к числу заказчиков. Казалось, что художник наполнил свое произведение множеством смыслов и символов, полностью доступных лишь ему одному, и до сих пор искусствоведы не пришли к единому мнению на их счет.
Долгое время «неудачное» полотно Рембрандта, столь сильно разочаровавшее заказчиков, считали причиной последующего спада популярности художника, однако доказательств этому нет, как нет и точных объяснений происходящему на холсте.
Жан-Батист Пигаль(1714–1785)
Жан-Батист Пигаль — мастер, с именем которого ассоциируется скульптура раннего классицизма во Франции. Глубокая увлеченность Античностью привела Пигаля к созданию множества произведений, иллюстрирующих сцены из античной мифологии и воплощающих те или иные аллегорические фигуры. Также Пигаль был выдающимся портретистом и умел выразить в камне непосредственное дыхание жизни, что отчетливо видно по ряду его работ, изображающих младенцев.
За работу «Меркурий, завязывающий сандалии» (1744) Пигаль получил членство в Парижской академии художеств, где поочередно занимал должности профессора, ректора и канцлера.
Сейчас его именем названы площадь и квартал во французской столице.
ОБНАЖЕННЫЙ ВОЛЬТЕР. 1776 Г.
Одно из своих произведений весьма зрелый мастер Жан-Батист Пигаль посвятил видному деятелю эпохи Просвещения — философу, писателю, историку, публицисту, поэту — Вольтеру, которому на момент завершения скульптуры было уже больше восьмидесяти лет.
Очевидно, что в процессе создания портрета скульптором владели два противоречивых желания. С одной стороны, он, восхищаясь современником, выдающимся человеком своего времени, решил показать его тело обнаженным, как того требовали античные представления о красоте. Однако образа «героической наготы», вдохновленного римской статуей «Смерть Сенеки», Пигалю достичь не удалось, потому что, с другой стороны, скульптор не был готов хоть сколько-то поступиться правдой жизни и изобразил тело Вольтера именно так, как обычно выглядит тело худощавого человека преклонных лет. Отказавшись от какой бы то ни было идеализации, скульптор с анатомической точностью воспроизвел фигуру позировавшего ему старого солдата, телосложением напоминавшего философа, а голову скопировал с ранее выполненного с натуры бюста.
Идея создания прижизненной статуи Вольтеру принадлежала другому французскому философу эпохи Просвещения — Дени Дидро.
Вопиющий натурализм статуи, демонстрирующей немощное старческое тело в сочетании с привычным для публики чуть ироничным выражением лица Вольтера, сформировал весьма противоречивый образ. Он разошелся с представлениями современников Пигаля о том, как должен изображаться уважаемый мыслитель. На Парижском салоне скульптура была осмеяна, на нее придумали множество издевательских эпиграмм. Лишь в XX веке была признана эстетическая ценность революционной идеи Пигаля: цитата античного образа в реалистическом ключе.
Франсиско Гойя(1746–1828)
Яркий представитель эпохи романтизма, Франсиско Гойя по сей день остается одним из самых известных художников, родившихся на испанской земле. Его разностороннее творчество неизменно приковывает внимание любителей искусства и профессионалов. Жизнерадостные жанровые сцены, раскрывающие перед зрителем палитру жизни простого народа, парадные портреты, созданные для Карла IV и других представителей высшей испанской знати, политизированные произведения антивоенной направленности, пугающие и мрачные «Черные картины» для «Дома глухого», — все это Гойя.
Интерес к гротеску в форме, экспрессии в колорите и неоднозначности в сюжетной линии сделал Франсиско Гойю поистине выдающимся мастером своего времени.
МАХА ОБНАЖЕННАЯ. 1797–1800 гг.
Марки с изображением «Махи обнаженной», выпущенные в Испании в 1930 году, стали первыми марками в мире с обнаженной натурой.
В США оказалось запрещено их распространение, а письма, на которых они были наклеены, возвращались обратно в Испанию.
В 1945 году семья Альба провела эксгумацию останков герцогини Каэтаны, чтобы доказать, что пропорции ее тела не соответствуют изображенным на полотне Гойи. Однако окончательно опровергнуть расхожую версию о прототипе «махи» не удалось, поскольку кости были сильно повреждены и непригодны для анализа.
«Маха обнаженная» — одна из самых известных работ Франсиско Гойи — была создана по заказу Мануэля Годоя, премьер-министра Испании, собиравшего произведения искусства с обнаженной натурой. «Маха», что значит «горожанка», считается одной из первых картин в западноевропейском искусстве, изображающих полностью обнаженную женщину вне связи с мифологическими сюжетами или аллегориями. До сих пор доподлинно неизвестно, кто именно позировал Гойе для столь откровенного полотна. Ранее предполагали, что натурщицей могла быть герцогиня Каэтана Альба, с которой художник состоял в любовной связи, но теперь большинство исследователей склоняются к мнению, что Гойе позировала одна из молодых любовниц министра — Пепита Тудо.