Великие евреи. 100 прославленных имен — страница 3 из 5

Рубинштейн Антон Григорьевич1829–1894композитор, пианист, дирижёр, музыкальный педагог

Антон Рубинштейн родился 28 ноября 1829 года в приднестровском селе Выхватинец Подольской губернии. Он был третьим сыном в состоятельной еврейской семье. Отец Рубинштейна – Григорий Романович Рубинштейн – происходил из Бердичева, к моменту рождения детей был купцом второй гильдии. Мать – Калерия Христофоровна Рубинштейн – музыкант, происходила из прусской Силезии.

25 июля 1831 года 35 членов семьи Рубинштейн, начиная с деда – купца Рувена Рубинштейна из Житомира, приняли православие в Свято-Николаевской церкви в Бердичеве. Толчком к крещению, по поздним воспоминаниям матери композитора, стал Указ императора Николая I 1827 года о призыве детей на 25-летнюю воинскую службу кантонистами в пропорции 7 на каждые 1000 еврейских детей. На семью перестали распространяться законы черты оседлости, и уже через год Рубинштейны поселились в Москве, где отец открыл небольшую карандашно-булавочную фабрику. Около 1834 года отец приобрёл дом на Ордынке.

В радушном доме Рубинштейнов постоянно собирались студенты, чиновники, учителя, звучала музыка. Звуковую атмосферу Москвы тех лет определяли песни и романсы Алябьева, Варламова, бытовые танцы. Первые уроки игры на фортепиано Антон Рубинштейн получил от матери, а в возрасте семи лет стал учеником французского пианиста А.И. Виллуана.

Уже в 1839 году Рубинштейн впервые выступил на публике, а вскоре в сопровождении Виллуана отправился в большой концертный тур по Европе. Он играл в Париже, где познакомился с Фредериком Шопеном и Ференцем Листом, в Лондоне был тепло принят королевой Викторией. На обратном пути Виллуан и Рубинштейн посетили с концертами Норвегию, Швецию, Германию и Австрию.

Проведя некоторое время в России, в 1844 году Антон Рубинштейн вместе с матерью и младшим братом Николаем отправляется в Берлин, где начинает заниматься теорией музыки под руководством Зигфрида Дена, у которого за несколько лет до того брал уроки Михаил Глинка. В Берлине же сформировались творческие контакты Антона Рубинштейна с Феликсом Мендельсоном и Джакомо Мейербером.

В 1846 году умер отец, брат Николай с матерью возвратились в Россию, а Антон переехал в Вену. По возвращении в Россию зимой 1849 года, благодаря покровительству Великой княгини Елены Павловны, вдовы великого князя Михаила Павловича, Антон Рубинштейн смог обосноваться в Санкт-Петербурге и заняться творчеством. Он также нередко выступает как пианист при дворе, имея большой успех у членов императорской семьи и лично у императора Николая I.

В 1850 году Антон Рубинштейн дебютирует в качестве дирижёра, в 1852 году появляется его первая крупная опера «Дмитрий Донской», затем он пишет три одноактных оперы на сюжеты народностей России.

После очередной заграничной поездки летом 1858 года Рубинштейн возвращается в Россию, где в 1859 году добивается учреждения Русского Музыкального общества. Это было возможно только при поддержке Елены Павловны. Она финансировала этот проект, внеся крупные пожертвования, в том числе вырученные от продажи лично принадлежавших ей бриллиантов. Антон Рубинштейн участвует в концертах, выступает как дирижёр. Первый симфонический концерт под его управлением прошёл 23 сентября 1859 года.

Начальные классы консерватории открылись во дворце Елены Павловны в 1858 году. На следующий год при Обществе были открыты музыкальные классы, в 1862 году превращённые в первую российскую консерваторию. Рубинштейн стал первым её директором, дирижёром оркестра и хора, профессором по классам фортепиано и инструментовки. Среди его учеников был П.И. Чайковский.

Неиссякаемая энергия позволяла Антону Рубинштейну успешно совмещать эту работу с активной исполнительской, композиторской и музыкально-просветительской деятельностью.

Деятельность Рубинштейна не всегда находила понимание: многие русские музыканты, среди которых были члены «Могучей кучки» во главе с В.В. Стасовым, опасались излишнего «академизма» консерватории и не считали её роль важной в формировании русской музыкальной школы. Против Антона Рубинштейна были настроены придворные круги, конфликт с которыми вынудил его в 1867 году покинуть пост директора консерватории. Антон Рубинштейн продолжает концертировать, пользуясь огромным успехом.

1871 год отмечен появлением крупнейшего сочинения Антона Рубинштейна – оперы «Демон», которая впервые была поставлена только четыре года спустя.

В сезоне 1871–1872 годов Рубинштейн руководит концертами Общества друзей музыки в Вене. На следующий год состоялись триумфальные гастроли Антона Рубинштейна в США вместе со скрипачом Генриком Венявским.

Вернувшись в 1874 году в Россию, Антон Рубинштейн поселился на своей вилле в Петергофе. К этому периоду творчества композитора принадлежат Четвёртая и Пятая симфонии, оперы «Маккавеи» и «Купец Калашников», последняя через несколько дней после премьеры была запрещена цензурой. В сезоне 1882–1883 годов он вновь встал за пульт симфонических концертов Русского музыкального общества, а в 1887 году снова возглавил Консерваторию. В 1885–1886 годах он дал серию «Исторических концертов» в Петербурге, Москве, Вене, Берлине, Лондоне, Париже, Лейпциге, Дрездене и Брюсселе, исполнив практически весь существовавший сольный репертуар для фортепиано.

По воспоминаниям, «денежная щедрость Рубинштейна замечательна; по приблизительному расчету, им было пожертвовано около 300 000 рублей на разные добрые дела, не считая безвозмездного участия в концертах в пользу всяких учащихся, которым Антон Григорьевич всегда покровительствовал, и не принимая во внимание тех раздач, которых никто не видел и не считал».

Антон Рубинштейн умер 8 ноября 1894 года в Петергофе.

Могила А. Рубинштейна находится в Александро-Невской лавре.

Рубинштейн Николай Григорьевич1835–1881пианист-виртуоз и дирижёр

Родился 14 июня 1835 года в Москве. Семья Рубинштейнов перебралась в Москву из приднестровского села Выхватинец за три года до рождения Николая. К моменту рождения его была довольно состоятельной.

Музыкой Николай занимался с четырех лет под руководством матери, а с семи лет концертировал вместе с братом Антоном. Учился в Берлине у Куллака игре на фортепиано и у Дена теории музыки. Затем занимался у Виллуана. Большие надежды возлагались на его композиторский талант, поскольку в шестилетнем возрасте он написал свое первое произведение. Но эти надежды не оправдались. Рубинштейн написал очень мало, всего несколько фортепианных пьес. Сольная концертная деятельность его началась с одиннадцати лет и продолжалась почти до конца жизни.

В 1855 году Рубинштейн окончил Московский университет по юридическому факультету и поступил на службу в канцелярию генерал-губернатора, но в 1857 году бросает службу, разводится и полностью отдает себя музыке. В 1866 году он стал во главе московского отделения Русского музыкального общества.

В отличие от своего брата «западника» Антона, Николай Рубинштейн в молодости входил в так называемую «молодую редакцию» журнала «Москвитянин» и воспитывался под влиянием А.Н. Островского и Аполлона Григорьева; его фигура неотделима от жизни Москвы целой эпохи: человек колоссальной энергии и обаяния, он был настоящим кумиром.

В 1866 году Николай Рубинштейн на базе организованных им же в 1860 году совместно с В.А. Кологривовым Музыкальных классов Московского отделения Императорского русского музыкального общества (ИРМО) создал Московскую консерваторию (соучредителем был князь Николай Петрович Трубецкой). С самого начала он был директором Консерватории, профессором фортепианного класса и дирижёром ученического оркестра. Финансирование Консерватории осуществлялось за счет доходов ИРМО от концертной деятельности, а также городских и правительственных субсидий, пожертвований частных лиц и платы за обучение. Курс обучения в Консерватории до 1879 года занимал шесть лет, затем был увеличен до девяти лет. Он охватывал как музыкальные классы (инструментальные, вокальный, оркестровый, хоровой, оперный, теоретические), так и общеобразовательные дисциплины. До 1917 года обучение было платным.

Рубинштейн был выдающимся педагогом по игре на фортепиано, прекрасным капельмейстером и мощным, перворазрядным пианистом-художником. Чаще всего Николай Рубинштейн выступал в Москве, реже в остальной России и за границей, но везде с неизменным успехом. Игра его во многих отношениях напоминала игру его брата Антона, но уступала в широте концепции, в стихийности. Исполнение Николая отличалось чрезвычайной отделкой деталей. Основу его программ составляли Бах, Бетховен, Лист, Шуман, Шопен, а также русские композиторы-современники; он был первым исполнителем многих сочинений (фортепианных и оркестровых) своего близкого друга – П.И. Чайковского (Рубинштейну посвящены Второй концерт для фортепиано с оркестром, Русское скерцо Чайковского).

Рубинштейн был душой музыкальной Москвы: он – и директор консерватории, и профессор, и дирижер симфонических концертов. Он поднял дело музыкального образования в Москве до высокого художественного уровня.

Своими прекрасными душевными качествами он снискал себе в Москве большую популярность. В концертах Рубинштейн выступал преимущественно с благотворительною целью. Содействие молодым, начинающим талантам было его страстью. А в композиторской карьере П.И. Чайковского Рубинштейн играл немаловажную роль. Чайковский посвятил Рубинштейну своё фортепианное трио «Памяти великого артиста».

Во время Русско-турецкой войны Николай объездил города России с концертами. Сбор с концертов, данных им в 33 городах России, был пожертвован в пользу Красного Креста.

За границей Рубинштейн концертировал редко: в 1872 году он играл в Вене, в 1872 году организовал русские концерты на всемирной выставке в Париже, являясь первым серьёзным пропагандистом русской музыки во Франции. В этих концертах Рубинштейн выступал дирижером и пианистом.

Скончался в 1881 году в Париже.

Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.

Энгель Юлий Дмитриевич1868–1927музыкальный критик, композитор

Юлий Дмитриевич (Иоэль) Энгель родился 28 апреля 1868 года в Бердянске. Там окончил русскую гимназию, в 1886–1890 годах учился на юридическом факультете Харьковского университета и получил диплом юриста.

Иоэль унаследовал от отца, гитариста-любителя, интерес к музыке, в том числе еврейской, прошел курс обучения в Харьковском музыкальном училище по классу теории (окончил его в 1892 году). П. Чайковский, который в 1893 году посетил Харьков, дал Энгелю рекомендацию в Московскую консерваторию, куда тот поступил в том же году, поселившись в Москве. В 1897 году он окончил Московскую консерваторию по классу полифонии и музыкальной формы у С. Танеева и по классу специальной инструментовки и свободного сочинения у М. Ипполитова-Иванова.

В 1897 году Энгель стал помощником редактора музыкального отдела газеты «Русские ведомости», а в 1899–1918 годах был редактором этого отдела. Энгель публиковал там критические статьи «Пушкин в музыке», «Гоголь в музыке», «Чехов в музыке», отмечал обстоятельными статьями памятные даты музыкального календаря.

Занимался редактированием музыкальных статей в Энциклопедическом словаре Граната. Перевел с немецкого лучший на то время музыкальный словарь Х. Римана и добавил к нему русский отдел, собрав богатейший и малоизвестный материал о музыкальных деятелях и учреждениях (около 800 статей).

Был одним из основателей народной консерватории в Москве (1906–1918 годы) с классами общего музыкального образования (хор, теория и слушание музыки) и специальными классами (пение, игра на музыкальных инструментах, сочинение). В период 1906–1916 годов в Московской народной консерватории получили образование 2000 слушателей, среди них певица Е. Степанова, А. Свешников. Особое внимание в народной консерватории уделялось изучению народной песни. Энгель преподавал в ней и пропагандировал ее в печати.

После закрытия весной 1918 года «Русских ведомостей» Энгель читал лекции на заводах и фабриках, работал в музыкальном отделе Наркомпроса РСФСР, начал работу над первым советским музыкальным словарем.

В 1900 году Энгель прочитал в Московском Императорском этнографическом обществе доклад о еврейской народной песне, иллюстрируя его вокальным исполнением народных песен в собственной обработке, он исполнял песни на идиш и еврейские мелодии и рассказывал об их своеобразии и источниках. Этот вечер вызвал целое движение среди еврейской музыкальной молодежи. В результате основалось Общество еврейской народной музыки в Петербурге. Энгель читал цикл лекций по этой же тематике в различных городах России в сопровождении музыкальных иллюстраций. По материалам его лекций, предварявших симфонические концерты, были изданы «Краткий музыкальный словарь» (1907, 1909 годы) и «Карманный музыкальный словарь» (1913 год).

В рамках деятельности Общества Энгель опубликовал в 1909 году первый сборник еврейских народных песен. В 1914 году он был избран почетным председателем московского отделения Общества. В 1911–1914 годах ездил в экспедицию и записывал еврейские песни и мелодии, по следам которой опубликовал сборник «50 еврейских детских песен для детских домов, школ и семей» (1916 год).

В 1920–1922 годах Энгель жил в поселке Малаховка Московской области, где работал музыкальным воспитателем в колонии еврейских сирот и писал детские песни.

В 1922 году после своего творческого вечера в Москве Энгель уехал в Германию, дал ряд лекций-концертов еврейской музыки в Лейпциге и Берлине. В Берлине он прожил два года, основал филиал Общества еврейской национальной музыки с издательством «Ювал ферлаг», где публиковал свои произведения.

В 1924 году Энгель переехал в Землю Обетованную и поселился в Тель-Авиве, куда перевел и свое издательство. Помимо лекций и концертов он преподавал на иврите в женской педагогической семинарии, готовившей также учительниц музыки, печатал эссе и рецензии в журнале. Продолжал записывать и обрабатывать музыкальный фольклор и издал собрание еврейских народных песен в трех томах «Еврейские народные песни». В 1925 году Энгель стал музыкальным руководителем театра «Охел».

Умер Иоэль Энгель 11 февраля 1927 года в Тель-Авиве.

Майкапар Самуил Моисеевич1867–1938пианист и композитор

Самуил Майкапар родился 18 декабря 1867 года в Херсоне. Вскоре семья Самуила Майкапара переехала из Херсона в Таганрог. Здесь он поступил в Таганрогскую гимназию. Музыкой начал заниматься с шести лет.

В 1885 году переехал в Петербург и поступил в консерваторию, где учился как пианист у Беньямино Чези, Владимира Демянского и И. Вейса, а также в классе композиции Николая Соловьёва. Параллельно занимался на юридическом факультете Санкт-Петербургского университета, который окончил в 1891 году.

В 1894–1898 годах совершенствовался как пианист у Лешетицкого в Вене.

С 1898 по 1901 год выступал в концертах с Леопольдом Ауэром и Иваном Гржимали. Мастерство и дарование Майкапара – пианиста и композитора – были отмечены А. Рубинштейном, Э. Григом, И. Энгелем.

В 1901 году Майкапар основал музыкальную школу в Твери, руководил ею до 1903 года. Значителен вклад Майкапара в создание музыки для детей и юношества; им написано свыше 200 пьес, большинство которых поныне входит в учебный репертуар начинающих пианистов («Бирюльки», «Театр марионеток»). Большей частью эти пьесы программного содержания, они написаны на доступном юным исполнителям и вместе с тем высокохудожественном музыкальном языке.

С 1903 по 1910 год, живя преимущественно в Москве, занимался концертной деятельностью, систематически концертировал в Германии. Окончательно вернулся в Россию по инициативе А. Глазунова, директора Петербургской консерватории. Ему предложили место преподавателя в Петербургской консерватории. Он вел там класс фортепиано с 1910 года. В 1917 году становится прфессором консерватории. Майкапар воспитал около 40 профессиональных пианистов. После революции числился в «консерваторах», главным образом за нежелание одобрить навязанные консерватории реформы, в первую очередь – «отсев» абитуриентов непролетарского происхождения. В 1928 году в 61 год был вынужден уволиться.

По его инициативе в 1927 году впервые был исполнен цикл из 32 сонат Бетховена.

Его книги «Музыкальный слух. Его значение, природа, особенности и метод правильного развития» (1900 год; 2-е издание – 1915 год), «Значение творчества Бетховена для нашей современности» (1927 год), «Годы учения» (1938 год, первоначальное название «Почему и как я стал музыкантом») – редкие в мировой литературе произведения для юных читателей о начале пути концертирующего музыканта.

Самуил Майкапар умер 8 мая 1938 года в Ленинграде.

Глиэр Рейнгольд Морицевич1875_1956советский композитор, музыкально-общественный деятель

Рейнгольд Морицевич Глиэр (Рейнгольд Эрнест Глиэр) родился 11 января 1875 года в Киеве. Род Глиэров происходит из принявших лютеранство евреев. Отец – Мориц Глиэр переселился в Киев из немецкого города Клингенталя. Он был мастером по производству медных духовых инструментов, а в Киеве был владельцем музыкальной мастерской. Мать – Юзефа (Жозефина Викентьевна) Корчак.

В 1894 году Глиэр окончил Киевское музыкальное училище по классу скрипки и поступил в Московскую консерваторию в класс скрипки Н.Н. Соколовского (затем перешёл в класс Я. В. Гржимали). В 1900 году окончил Московскую консерваторию, в 1906–1908 году брал уроки дирижирования у Оскара Фрида в Германии и по возвращении в Россию начал выступать как дирижёр с исполнением главным образом собственных произведений.

В начале 1900-х годов был активным участником собраний Беляевского кружка в Петербурге. Это группа музыкантов-композиторов, исполнителей, собиравшихся в 1880–1890 годах на музыкальных вечерах в доме лесопромышленника, музыканта и мецената Митрофана Петровича Беляева, так называемые «беляевские пятницы». Признанным центром кружка был Римский-Корсаков, постепенно его первенство стали разделять Глазунов и Лядов. Исполнялись на этих вечерах – преимущественно любительским квартетом, в котором сам Митрофан Беляев играл на альте, – наряду с классическими произведениями иностранной музыки и только что написанные сочинения русских композиторов. Большое число мелких отдельных пьес, нарочно для Беляевских пятниц написанных, изданы затем Беляевым в двух сборниках под заглавием «Пятницы». По пятницам разыгрывались и сочинения, присылавшиеся ежегодно на конкурс, учреждённый Беляевым при Санкт-Петербургском обществе камерной музыки. Активная общественная, издательская, концертная деятельность, связанная с этим кружком, сделала его заметным художественным явлением в жизни столицы. Во многом благодаря общению с Глазуновым, Рахманиновым, Римским-Корсаковым Глиэр сформировался как композитор.

С 1901 года Глиэр преподавал музыкально-теоретические предметы в Московской музыкальной школе Гнесиных. Частным образом преподавал Г.-Н.Я. Мясковскому и С.С. Прокофьеву.

С 1910 систематически выступал как дирижёр.

С 1914 года директор Киевской консерватории.

В 1920–1922 годах заведует музыкальной секцией Московского отделения народного образования, сотрудник музыкального отдела Наркомпроса. В 1920–1923 годах член этнографической секции Пролеткульта. Пролеткульт – это массовая культурно-просветительская и литературно-художественная организация пролетарской самодеятельности при Наркомате просвещения. По данным 1920 года, в рядах организации насчитывалось около 80 тысяч человек, были охвачены значительные слои рабочих, издавалось 20 журналов. Целью организации декларировалось развитие пролетарской культуры. По мнению идеологов Пролеткульта, любое произведение искусства отражает интересы и мировоззрение только одного класса и поэтому непригодно для другого. Следовательно, пролетариату требуется создать «свою» собственную культуру с нуля. Лозунг Пролеткульта звучал: «Искусство прошлого – на свалку!» Пролеткульт решал две задачи – разрушить старую дворянскую культуру и создать новую пролетарскую. Вторая задача так и не вышла за рамки неудачного экспериментаторства. Нарком просвещения Луначарский поддерживал Пролеткульт, Троцкий же отрицал существование «пролетарской культуры» как таковой. С критикой Пролеткульта выступил В.И. Ленин.

В 1920–1941 годах Глиэр работает профессором в Московской консерватории по классу композиции, является доктором искусствоведения.

С 1930 года выступает с авторскими концертами в городах СССР, клубах и колхозах. В 1938–1948 годах является председателем Оргкомитета Союза советских композиторов СССР Это единое творческое объединение советских композиторов и музыковедов. Возник на основании Постановления партии от 23 апреля 1932 года «О перестройке литературно-художественных организаций». До 1948 года работой ССК СССР руководил Оргкомитет. Первый съезд Союза композиторов состоялся 19–25 апреля 1948 года в Москве. Председателем Союза композиторов СССР на этом съезде был избран Борис Асафьев.

Глиэр является автором первых советских балетов, в том числе «Красный мак» («Красный цветок»), «Комедианты», «Медный всадник», «Тарас Бульба».

Рейнгольд Глиэр – единственный российский композитор, трижды награждённый и самой престижной музыкальной премией дореволюционной России – премией имени М.И. Глинки, и самой престижной премией послереволюционной, советской России – Сталинской. При этом он был награждён и тремя орденами Ленина.

Умер 23 июня 1956 года.

Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Гнесиныроссийские музыканты, основатели музыкального училища

Евгения Фабиановна, в замужестве Савина (1870–1940), Мария Фабиановна (1871–1918), Елена Фабиановна (1874–1967), Елизавета Фабиановна, в замужестве Вита-чек (1879–1953), Ольга Фабиановна, в замужестве Александрова (1885–1963), Михаил Фабианович (1883–1957).

Сестры и брат родились в Ростове-на-Дону в семье Фабиана Осиповича Гнесина, раввина. Мать Белла Исаевна Флетзингер-Гнесина, певица, ученица польского композитора С. Монюшко.

Крестившиеся дочери ростовского раввина были обласканы судьбой.

Своё музыкальное образование сестры начинали в Ростове-на-Дону. В семье Гнесиных постоянно звучала музыка.

Когда Евгении исполнилось 14 лет, родители отправили ее поступать в Московскую консерваторию. Евгения Фабиановна окончила в 1889 году фортепьянный факультет консерватории, занималась также композицией с А.С. Аренским и С.И. Танеевым. Была тесно связана с кружком любителей литературы и искусства, которым руководил молодой купеческий сын Константин Алексеев – в будущем К.С. Станиславский.

Мария окончила Московскую консерваторию по классу Н.Е. Шишкина в 1895 году.

Рядом с сестрами в консерватории обучались высокоодарённые музыканты, ставшие впоследствии гордостью русского искусства: А.Н. Скрябин и С.В. Рахманинов, многие знаменитые русские пианисты и композиторы.

Елена Фабиановна поступила в Московскую консерваторию по классу фортепиано. Среди ее преподавателей также были знаменитые композиторы А.С. Аренский и С.И. Танеев. В 1893 году Елена закончила обучение в консерватории (с серебряной медалью) и стала заниматься педагогической и концертной деятельностью. Она концертировала как солирующая пианистка, ансамблистка и аккомпаниатор, выступая в этом качестве с Л.В. Собиновым и П.А. Хохловым.

И вот, у старших сестёр возникла идея объединить свои усилия в области педагогики, и было решено создать своё музыкальное учебное заведение, как только Мария завершит консерваторский курс. Сёстры сначала организовали музыкальную школу. Пока школа располагала только одним роялем (на приобретение второго просто не было средств).

В начале февраля 1895 года в Москве открылось «Училище сестёр Е. и М. Гнесиных» (под «Е» подразумевались Евгения и Елена, под «М» – Мария). Все организационные дела по училищу взяла на себя Елена. Сначала педагогический коллектив состоял только из трёх сестёр Гнесиных. Но уже в 1901 году, окончив консерваторию, в этот коллектив влилась четвёртая сестра, Елизавета, и появился класс скрипки.

Одной из первых выпускниц училища была самая младшая сестра Ольга (она обучалась у Елены Фабиановны), которая тоже стала преподавать в училище. Ольга, кроме музыки, серьёзно занималась живописью.

Сёстры не только вели специальные классы игры на фортепиано и скрипке, но и теоретические, хоровые, ансамблевые, причём этим дисциплинам придавалось очень большое значение, чем училище Гнесиных существенно отличалось от других частных учебных заведений Москвы.

Елена преподавала методику игры на фортепиано, вела она и хоровой класс, в котором объединялись все учащиеся.

Евгения преподавала как фортепиано, так и детское сольфеджио, а Елизавета вела классы скрипки, камерного ансамбля, а затем и сольфеджио.

Вскоре училище молодых сестёр получило такую известность, что в него стали поступать взрослые ученики, готовившиеся к дальнейшей учёбе в консерваториях – Московской, Петербургской, Лейпцигской. Сёстры стали привлекать для преподавания музыкантов, в чьей квалификации и добросовестности они были уверены. Такими преподавателями стали выдающиеся композиторы Р.М. Глиэр, А.Т. Гречанинов, известная пианистка Е.А. Бекман-Щербина.

В 1919 году по решению Луначарского, училищу был придан статус Государственной музыкальной школы, которая в 1925 году была преобразована в Государственный музыкальный техникум имени Гнесиных.

В техникуме стал преподавать ещё один Гнесин – композитор Михаил Фабианович, ученик Римского-Корсакова и А.К Лядова. К тому времени он основал в Ростове-на-Дону музыкальную школу (ныне его имени) и Донскую народную консерваторию (1920–1921 годы). В 1923 году он был инициатором создания кафедры композиции в Музыкальном училище своих сестер.

В связи с интересом к фольклору Востока Гнесин посетил Палестину и другие страны. Он считается одним из зачинателей профессиональной еврейской композиторской школы в России. В 1914 и 1922 годах он побывал в Эрец-Исраэль, знакомясь с религиозным и светским музыкальным фольклором еврейских общин, что повлияло на его композиторское творчество.

Еврейская тематика занимает у него всегда особое место. Профессор композиции Московской (1925–1936 годы) и Ленинградской (1935–1944 годы) консерваторий, заведующий кафедрой композиции Музыкально-педагогического института им. Гнесиных (1944–1951 годы).

Всю жизнь Михаил Гнесин «разрывался» между преподавательской, просветительской деятельностью и сочинительством. Любовь к фольклору разных народов, к истории их культур выразились в написании Гнесиным мелодичных лиричных произведений на азербайджанские, адыгейские, казахские, дагестанские, туркменские, украинские интонации.

Но вновь и вновь возвращался композитор к родным еврейским мотивам.

Ему принадлежат опера-поэма «Юность Авраама», сюита из музыки к пьесе Гоголя «Ревизор» – «Еврейский оркестр на балу у городничего», симфоническая фантазия (1919 год), Вариации на еврейскую тему для струнного квартета (1916 год), «Страницы из Песни Песней» (1919 год), «Пляски галилейских рабочих» для оркестра (1923 год), вокальный цикл «Повесть о рыжем Мотеле» (1929 год) на стихи Иосифа Уткина, Элегия-пастораль памяти еврейского поэта О. Шварцмана для фортепианного трио (1940 год), фортепианное трио «Памяти наших погибших детей» (1943 год).

В конце 1940-х годов пришло время борьбы с космополитизмом, на него стали писать доносы, и Гнесин, заслуженный деятель искусств, лауреат Государственной премии, композитор, дважды лауреат премии имени Глинки, педагог с 45-летним стажем, вынужден был уйти из института.

В 1936 году техникум был преобразован в Государственное музыкальное училище имени Гнесиных. Ныне это Российская академия музыки (РАМ) имени Гнесиных – высшее музыкально-педагогическое учебное заведение.

Елена Фабиановна была директором, художественным руководителем, профессором училища, а с 1944 года – Музыкально-педагогического института имени Гнесиных. Она развивала лучшие традиции русской пианистической школы. Её известными учениками были пианист Л. Оборин, композитор А. Хачатурян, дирижёры Е. Светланов, Г. Рождественский, И. Гусман.

Квартира, где проживали сёстры Елена и Ольга Гнесины, находилась в здании академии. После смерти Елены Фабиановны Гнесиной, которая прожила в этой квартире последние восемнадцать лет жизни, в 1969 году был создан мемориальный музей. В музее полностью сохранена обстановка, архив и библиотека Гнесиной. Квартира Елены Фабиановны является выявленным объектом культурного наследия.

С 1929 по 1932 год в техникуме обучался Т.Н. Хренников, который с 1948 по 1991 год бессменно занимал должность первого (генерального) секретаря Союза композиторов СССР. Он писал: «Я преклоняюсь перед семьёй Гнесиных, их общественная и преподавательская деятельность имеет огромнейшее значение для развития русской музыкальной культуры… Их влияние колоссально, они по сути дела определили развитие музыкальной культуры России, музыкального образования в нашей стране».

Все Гнесины похоронены на Новодевичьем кладбище.

Дунаевский Исаак Осипович1900–1955советский композитор

Дунаевский (Исаак Беру Иосиф Бецалев Цалиевич Дунаевский) родился 30 января 1900 года в украинском городке Лохвица в еврейской семье мелкого банковского служащего Цале-Йосефа Симоновича и Розалии Исааковны Дунаевских. Семья была музыкальной. Дед был кантором, мать играла на фортепиано и пела.

С детства проявил незаурядные музыкальные способности, с 8-летнего возраста брал уроки скрипки.

В 1910 году семья переехала в Харьков, и Исаак поступил в Харьковское музыкальное училище, где занимался игрой на скрипке и композицией. В 1918 году с золотой медалью окончил гимназию, а через год – харьковскую консерваторию по классу скрипки. С 1919 года работал скрипачом в оркестре, концертмейстером. С 1920 года композитор и дирижёр в Харьковском русском драматическом театре.

В 1924 году Дунаевский приехал в Москву, два года он работал в эстрадном театре «Эрмитаж» заведующим музыкальной частью, затем, с 1926 по 1929 годы – в Московском театре сатиры. Там были поставлены его первые оперетты «Женихи» и «Ножи».

В 1929 году переехал в Ленинград. До 1934 года был композитором и главным дирижёром Ленинградского Мюзик-Холла. Это российский государственный театр. Театр обрёл широкую популярность благодаря сотрудничеству И.О. Дунаевского и «Теа-джаза» Л. Утёсова. Дунаевский написал для «Теа-джаза», в частности, джазовые «рапсодии» – обработки русских, украинских и еврейских (на идише) песен, а также немало песен на стихи современных советских поэтов. С 1929 года Дунаевский стал музыкальным руководителем и главным дирижёром «Мюзик-холла».

Коллективом было подготовлено несколько эстрадно-песенных программ, в которых выступали певцы-солисты Л.Утёсов и К. Шульженко. В 1937 году «Ленинградский Мюзик-Холл» был закрыт как носитель буржуазного искусства.

Исаак Дунаевский вместе с кинорежиссёром Григорием Александровым стали создателями жанра советской музыкальной кинокомедии, сделав музыку одним из главных компонентов драматургии фильма. Первый их совместный фильм «Весёлые ребята» вышел на экраны в 1934 году и принёс Дунаевскому широкую известность. Затем последовали фильмы «Цирк» (1936 год), «Волга-Волга» (1938 год) и «Светлый путь» (1940 год). В период с 1934 по 1940 год Дунаевский сочинил музыку к шестнадцати кинофильмам. Он также часто сам участвовал в озвучивании, играл на рояле и пел.

В это время Дунаевский был известным культурным и общественным деятелем, с 1937 по 1941 годы он возглавлял Ленинградский союз композиторов.

Во время Великой Отечественной войны Дунаевский был художественным руководителем ансамбля песни и пляски железнодорожников и со своим коллективом исколесил всю страну. Среди многих песен времён войны, самой знаменитой стала песня «Моя Москва», написанная в 1942 году.

С 1945 года жил в Москве.

В 1947 году композитор написал музыку к фильму «Весна». В 1949 году – к фильму кинорежиссёра И. А. Пырьева «Кубанские казаки».

В 1950 году, в год своего пятидесятилетия, был удостоен звания народного артиста РСФСР.

Дунаевский создал новый тип популярной, массовой советской песни. Их стиль основан на городской бытовой музыке, джазе, оперетте. Исаак Дунаевский является автором музыки более чем 100 песен, в том числе «Моя любовь», «Цветёт калина», «Вечер вальса», «Школьный вальс», «Каким ты был, таким ты и остался», «Не забывай», «Молчание», а также тринадцати оперетт и балетов, музыки к нескольким десяткам кинофильмов. В музыке к фильмам и опереттах лёгкая музыка непринуждённо сочеталась с симфоническим жанром. Произведения Дунаевского отличаются сложным мелодическим ходом и непростой гармонией. Марши Дунаевского бравурны, ярки, создают праздничное настроение.

Народный артист РСФСР (1950 год), лауреат двух Сталинских премий (1941 и 1951 годы).

Умер в Москве 25 июля 1955 года от сердечного спазма.

Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Шнитке Альфред Гарриевич1934–1998советский и российский композитор

Альфред Шнитке родился 24 ноября 1934 года в городе Энгельс в Республике немцев Поволжья в смешанной еврейской и немецкой семье, сын еврея и немки. Его отец, Гарри Викторович Шнитке, родился во Франкфурте-на-Майне. Мать, Мария Иосифовна Фогель, происходила из немецких колонистов. Первым языком композитора стал немецкий, однако впоследствии он обращался к матери по-немецки, а к отцу по-русски.

В 1943 году отца будущего композитора призвали на фронт, а Альфред с младшим братом были отправлены в Москву, где жили у деда и бабушки по отцовской линии – инженера Виктора Мироновича и редактора Теи Абрамовны Шнитке. Теа Абрамовна (ур. Кац) работала редактором в Государственном издательстве иностранной литературы, занималась немецкой филологией и переводами на немецкий язык.

Музыкальное образование для Альфреда Шнитке началось в 1946 году в Вене, куда его отец был командирован после Великой Отечественной войны корреспондентом и переводчиком.

По возвращении в Москву в 1948 году семья поселилась в подмосковной Валентиновке. Отец занимался переводами советской литературы на немецкий язык для издательства литературы на иностранных языках «Прогресс».

В 1958 году Шнитке окончил Московскую консерваторию по классу Е. Голубева и продолжал учиться у него в аспирантуре.

С 1961 по 1972 год Шнитке преподавал в Московской консерватории, зарабатывал себе на жизнь в основном сочинением музыки к фильмам, в частности «Вызываем огонь на себя», «Похождения зубного врача», «Шестое июля», «Балерина на корабле», «Ночной звонок», «Вальс», «Белорусский вокзал», «Дядя Ваня».

Альфред Шнитке – один из главных представителей советского авангарда. Автор опер: «Жизнь с идиотом», «Джезуальдо», «История доктора Иоганна Фауста»; балетов «Жёлтый звук», «Пер Гюнт», Концерта для смешанного хора на стихи Г. Нарекаци, «Стихов покаянных» для смешанного хора на древнерусские тексты к 1000-летию крещения Руси, девяти симфоний (Девятая – незаконченная), шести concerti grossi, ряда оркестровых сюит, ораторий и кантатораторий.

Долгое время дирижер Геннадий Рождественский был единственным исполнителем оркестровой музыки Альфреда Шнитке, в частности, в 1974 году в Горьком именно под его управлением состоялась премьера Первой симфонии композитора.

Мировая известность пришла к Шнитке раньше, чем известность в Советском Союзе. В 1979 году А. Жюрайтис (литовский и российский дирижёр, дирижёр Большого театра) опубликовал клеветническую заказную статью в «Известиях» под названием «В защиту «Пиковой дамы». Он резко выступил против постановки в парижском Гранд-Опера оперы П.И. Чайковского «Пиковая дама» в оригинальной интерпретации режиссёра Юрия Любимова при музыкальной обработке Альфреда Шнитке. Он писал: «Все, кому дорого великое наследие русской культуры, не могут не протестовать против безнравственности в обращении с русской классикой и не осудить инициаторов и участников издевательства над шедевром русской оперы».

Исполнение многих сочинений Шнитке было запрещено, однако под давлением лучших советских музыкантов запрет был снят. Шнитке, записавшийся в паспорте евреем, принявший католичество, но завещавший похоронить себя по православному обряду, был увлечен экуменическими идеями, которые выразились в 4-й симфонии (1984 год), построенной на взаимодействии различных интонационных систем, соответствующих православной, католической, лютеранской и еврейской литургиям. В 1986 году ему была присуждена Государственная премия РСФСР (за музыкальные произведения).

В 1988 году получил премию «Ника» за лучшую музыку к фильму (фильм «Комиссар»).

В 1990 году композитор вместе с семьёй переехал в Германию. Начал преподавать в Гамбургской консерватории.

В 1995 году Шнитке была присуждена Государственная премия Российской Федерации.

В последние годы жизни композитор перенёс три инсульта, но тем не менее до конца сохранял творческую активность.

Шнитке скончался в Гамбурге 3 августа 1998 года.

Похоронен в Москве, на Новодевичьем кладбище.

Гусман Израиль Борисович1917–2003российский дирижер

Гусман Израиль Борисович родился 18 августа 1917 года в Нижнем Новгороде в семье известного музыкального критика Бориса Евсеевича Гусмана. Вскоре семья Гусмана переехала в Москву. В 1931 году Израиль Борисович закончил музыкальное училище им. Гнесиных и поступил на военно-дирижёрский факультет Московской консерватории. В годы учёбы он начал работать в оркестре Музыкального театра им. В.И. Немировича-Данченко, затем в оркестре Московской филармонии.

В 1942 году Гусман был назначен руководителем оркестра 4-го Украинского фронта. В 1946 году Израиль Борисович стал лауреатом Всесоюзного смотра молодых дирижёров в Ленинграде.

Израиль Борисович Гусман с 1947 года возглавлял оркестр Харьковской филармонии.

Начиная с 1947 года Гусман сочетал исполнительскую деятельность с педагогической. Первые дирижерские шаги М. Ростроповича и В. Спивакова проходили под его руководством.

С 1957 по 1987 годы Гусман возглавлял оркестр Горьковской (ныне Нижегородской) филармонии, который за 30 лет работы под руководством дирижёра превратился в первоклассный коллектив и приобрел репутацию одного из лучших симфонических оркестров в России. Эти годы насыщены значительными музыкальными событиями в жизни коллектива и города, среди них: девять знаменитых нижегородских фестивалей «Современная музыка», одним из главных инициаторов и организаторов которых был Гусман, успешные выступления оркестра в Москве, Петербурге, Риге, Вильнюсе, участие в пленумах и съездах Союза композиторов, популярные летние сезоны на музыкальной эстраде Волжского откоса. В 1974 году с горьковским симфоническим оркестром под управлением Г. Рождественского состоялась премьера Первой симфонии Альфреда Шнитке.

В 1963–1964 годах работал дирижёром в Большом театре, дирижировал в постановках опер «Пиковая дама» и «Борис Годунов».

Тесная творческая дружба связывала его со многими композиторами и исполнителями: Д. Шостаковичем, А. Хачатуряном, Т. Хренниковым, Г. Свиридовым, Р Щедриным, C. Рихтером и многими другими.

В 1978 году Израиль Борисович Гусман стал народным артистом РСФСР, в 1981 году – профессором Горьковской консерватории. В 1996 году Гусману было присвоено звание «Почётный гражданин Нижегородской области».

Израиль Борисович Гусман умер в Нижнем Новгороде 29 января 2003 года.

Похоронен на Бугровском кладбище Нижнего Новгорода.

Гилельс Эмиль Григорьевич1916–1985выдающийся советский пианист

Эмиль Гилельс родился 19 октября 1916 года в Одессе, в еврейской семье. Отец, Григорий Гилельс, работал на сахарной фабрике, мать – Эсфирь – была домохозяйкой.

Заниматься игрой на фортепиано Эмиль начал в возрасте пяти с половиной лет. Быстро добившись значительных успехов, Гилельс впервые выступает на публике в мае 1929 года, исполняя сочинения Листа, Шопена, Скарлатти и других композиторов. А в 1930 году поступает в Одесский Институт музыки (ныне Одесская консерватория) в класс Берты Рейнгбальд. Среди учеников Рейнгбальд в разное время были также Оскар Фельцман, Исидор Зак, Берта Маранц и другие известные музыканты. За свою педагогическую деятельность была награждена орденом Трудового Красного Знамени. (В 1974 году Эмиль Гилельс дал в Одессе специальный концерт к 30-летию её смерти.) В 1931 году Эмиль побеждает на Всеукраинском конкурсе пианистов, а ещё через год знакомится с Артуром Рубинштейном, который одобрительно отзывается об его исполнении.

Известность пришла к музыканту после его победы в 1933 году на Первом Всесоюзном конкурсе музыкантов-исполнителей, за которым последовали многочисленные концерты по СССР. Окончив Одесскую консерваторию в 1935 году, Гилельс поступил в аспирантуру Московской консерватории в класс Генриха Нейгауза.

Во второй половине 1930-х годов пианист добивается крупных международных успехов: он занимает второе место на международном конкурсе в Вене (1936 год), уступив лишь Якову Флиеру, а уже через два года берёт у него реванш, выигрывая Конкурс имени Изаи в Брюсселе, где Флиер остался на третьем месте.

Вернувшись в Москву, Гилельс начинает преподавать в консерватории в качестве ассистента у Нейгауза. С 1952 года – профессор этой консерватории.

В годы войны Гилельс участвовал в военно-шефской работе, осенью 1943 года дал концерты в блокадном Ленинграде, после окончания войны вернулся к активной концертной и преподавательской деятельности.

В 1945 году Гилельс впервые выступил с концертами за рубежом. Он стал одним из первых советских музыкантов, которым было разрешено это сделать. Он гастролировал в Италии, Швейцарии, Франции и странах Скандинавии. В 1946 году стал лауреатом Сталинской премии.

В 1950 году сформировал фортепианное трио вместе с Леонидом Коганом (скрипка) и Мстиславом Ростроповичем (виолончель).

В 1954 году первым из советских музыкантов выступил в зале «Плейель» в Париже. Звание народного артиста СССР получил в том же 1954 году.

В 1955 году пианист стал первым советским музыкантом, приехавшим с концертами в США, где он исполнил Первый фортепианный концерт Чайковского и Третий концерт Рахманинова с Филадельфийским оркестром. Вскоре Гилельс дал сольный концерт в Карнеги-холле, прошедший с огромным успехом.

Лауреатом Ленинской премии стал в 1962 году, Героем Социалистического Труда в 1976 году, получил три ордена Ленина (1961, 1966, 1976 годы).

В 1960—1970-х годах Гилельс был одним из наиболее востребованных в мире советских музыкантов, проводя на концертах и зарубежных гастролях около девяти месяцев в год. В 1973 году был удостоен Премии Роберта Шумана.

Гилельс – один из крупнейших музыкантов XX века. Необычайно широкий репертуар пианиста охватывал фортепианные произведения от эпохи барокко (Иоганн Себастьян Бах, Доменико Скарлатти) до музыки XX века. Особое значение в его творчестве имели произведения Бетховена. Гилельс неоднократно исполнял и записывал все фортепианные концерты композитора, но не успел завершить работу по записи всех его фортепианных сонат. Его игру отличали безупречная техника, яркость и сила исполнения и в то же время глубокая лиричность и деликатность интерпретации, тонкое чувство стиля.

Умер Гилельс 14 октября 1985 года в Кремлевской больнице от приступа диабета.

Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.

Петров Николай Арнольдович1943–2011советский и российский пианист

Николай Петров родился 14 апреля 1943 года в Москве, в семье музыкантов. Его отец – виолончелист Арнольд Яковлевич Феркельман – выступал в фортепианном сопровождении Дмитрия Шостаковича и был дружен с композитором; дед – оперный бас Василий Родионович Петров, пел в Большом театре; дядя – композитор Моисей Яковлевич Феркельман. Мать – Ирина Васильевна Петрова.

Учился в Центральной музыкальной школе у Татьяны Кестнер, в 1961 году поступил в МГК имени П. И. Чайковского в класс профессора Якова Зака. Уже на следующий год он завоевал второе место на Международном конкурсе пианистов имени Вана Клиберна, а ещё через два года – на Конкурсе имени королевы Елизаветы в Брюсселе.

Окончив в 1968 году аспирантуру Московской консерватории, Петров начинает блистательную концертную карьеру.

Пианист выступает с ведущими симфоническими коллективами мира, много концертирует как сольный музыкант. В его репертуар входит большинство произведений классического и романтического наследия, он также стал первым исполнителем новых сочинений Арама Хачатуряна, Тихона Хренникова, Родиона Щедрина, Андрея Эшпая.

Свободно владел французским, немецким, английским, итальянским и польским языками.

С 1978 года по 1982 год Петров был «невыездным», из-за того, что, по его словам, «не пошёл на одну гнусную антисемитскую провокацию Госконцерта». Стать снова выездным ему помогло вмешательство тогдашнего министра культуры СССР П.Н. Демичева.

Петров продолжает выступать, а также ведёт преподавательскую (профессор Московской консерватории) и общественную деятельность, возглавляя основанный в 1998 году Международный благотворительный Фонд своего имени, работая в жюри международных конкурсов, Совете по культуре и искусству при Президенте Российской Федерации.

С 2000 года Николай Арнольдович участвовал в концертах Московской филармонии в дуэте с Александром Гиндиным, а с 2007 года его выступления были выделены в специальный цикл концертов, объединённых одним абонементом.

Петров славился не только как блестящий мастер-виртуоз, но и как ищущий, инициативный музыкант, владеющий богатейшим репертуаром; значительное место в репертуаре пианиста занимали современная музыка и малоизвестные произведения композиторов-классиков. Выдающийся пианист, он входил в элиту отечественных музыкантов-исполнителей. Его залы были постоянно переполнены. Бах, Моцарт, Рахманинов, Бетховен, Чайковский, Бернстайн, Гершвин и другие гении, прошлые и современные, нашли в нем глубокого и виртуозного интерпретатора.

15 мая 2011 года на гастролях в Минске музыкант перенёс инсульт. После реанимации музыканта перевезли в Москву, где он продолжил лечение.

Скончался 3 августа 2011 года на 69-м году жизни.

Похоронен на Троекуровском кладбище.

Цейтлин Лев Моисеевич1881–1952советский скрипач

Родился 15 марта 1881 года в Тбилиси. В 1901 году окончил Петербургскую консерваторию по классу скрипки у Л.С. Ауэра, российского скрипача венгерского происхождения. Ауэр является основателем так называемой русской скрипичной школы. Воспитал свыше 300 учеников. В 1918 году эмигрировал в США.

Лев Цейтлин после окончания консерватории концертировал в России и за рубежом.

В 1908–1917 годах Цейтлин – солист-концертмейстер симфонического оркестра С.А. Кусевицкого в Москве. Этот частный оркестр выступал с произведениями Рахманинова, Скрябина, Стравинского, Прокофьева, с успехом концертировал в Европе.

В 1917 году организовал Квартет имени С. Кусевицкого, затем Квартет имени В.И. Ленина.

В 1918–1920 годах – профессор Музыкально-драматического института (Москва), в 1920–1952 годах – профессор Московской консерватории, заведующий кафедрой скрипки.

По его инициативе в Москве в 1922 году был организован Первый симфонический ансамбль без дирижёра (Персимфанс). Оркестр был создан под влиянием большевистской идеи «коллективного труда». Отличительной чертой этого оркестра было отсутствие в нём дирижёра. Первое выступление коллектива состоялось 13 февраля 1922 года.

Персимфанс стал первым высококлассным коллективом, которому удалось воплотить в жизнь симфоническое исполнение, основываясь лишь на творческой инициативе каждого из музыкантов. На репетициях Персимфанса использовались методы, применяемые на репетициях камерных ансамблей, решения по вопросам интерпретации принимались коллективно. Среди членов Персимфанса были крупнейшие музыканты того времени – солисты оркестра Большого театра, профессора и студенты Московской консерватории. Исполнение оркестра отличалось большой виртуозностью, яркостью и экспрессивностью звучания.

По примеру Персимфанса оркестры без дирижёров появились даже в Лейпциге и Нью-Йорке. Об этом оркестре восторженно отзывался Сергей Прокофьев, исполнивший с ним в 1927 году свой Третий фортепианный концерт. В том же году оркестру было присвоено почётное звание «Заслуженный коллектив СССР».

Еженедельные концерты Персимфанса в Большом зале Московской консерватории пользовались огромным успехом, кроме того, оркестр часто выступал на фабриках, заводах и других заведениях. Репертуар коллектива подбирался очень тщательно и был весьма обширен.

Персимфанс сыграл важнейшую роль в культурной жизни Москвы 1920-х годов, повлиял на развитие исполнительской школы и на формирование симфонических коллективов более позднего времени (Большого симфонического оркестра Всесоюзного радио в 1930 году и Госоркестра СССР в 1936 году).

В конце 1920-х годов в коллективе наметились разногласия, и в 1932 году он был распущен.

Как педагог, Цейтлин является одним из основоположников советской скрипичной школы.

Награжден 2 орденами.

Умер 9 января 1952 года в Москве.

Ойстрах Давид Фёдорович1908–1974советский скрипач, альтист, дирижер

Давид Фёдорович (Фишелевич) Ойстрах родился 30 сентября 1908 года в Одессе в семье купца второй гильдии Фишеля Давидовича Ойстраха и его жены Бейлы.

С пяти лет обучался игре на скрипке и альте у Петра Столярского, сначала частным образом, а с 1923 года – в Одесском музыкально-драматическом институте (консерватории), который окончил в 1926 году.

В консерватории Давид Ойстрах изучал специальную гармонию и полифонию под руководством композитора Н.Н. Вилинского. Ещё будучи студентом, Ойстрах выступал с Одесским симфоническим оркестром как солист и как дирижёр.

В 1927 году исполнил в Киеве Концерт для скрипки с оркестром Александра Глазунова под управлением автора. В 1928 году состоялся дебют Ойстраха в Ленинграде, год спустя он впервые выступил в Москве и вскоре перебрался туда на постоянное место жительства.

С 1932 по 1934 годы и с 1941 года Ойстрах – солист, с 1961 года – дирижёр Московской филармонии.

В 1935 году завоевал первую премию на Всесоюзном конкурсе молодых исполнителей, в том же году получил вторую премию на Международном конкурсе скрипачей имени Г.Венявского в Варшаве, в 1937 году – первую премию на Конкурсе имени Э. Изаи в Брюсселе.

В годы войны музыкант активно участвовал в военно-шефской работе, выступал как солист на мобилизационных пунктах, в госпиталях, в блокадном Ленинграде, перед моряками Северного флота. С 1943 года играл в ансамбле с пианистом Львом Обориным и виолончелистом Святославом Кнушевицким. Этот ансамбль просуществовал до кончины Кнушевицкого в 1963 году.

После войны Ойстрах начал активную концертную деятельность. В 1945 году большой интерес публики вызвало его исполнение в Москве двойного концерта Баха совместно с Иегуди Менухиным (первым зарубежным исполнителем, приехавшим в СССР после войны).

В 1946–1947 годах Ойстрах организовал цикл «Развитие скрипичного концерта», в котором исполнил концерты Сибелиуса, Элгара, Уолтона и написанный специально для него концерт Арама Хачатуряна. Ойстраху же посвящён Первый концерт для скрипки с оркестром Дмитрия Дмитриевича Шостаковича, исполненный на его первых гастролях в Нью-Йорке в 1955 году.

Ойстрах, достаточно много гастролировавший за рубежом, обладал высочайшей международной репутацией (в Европе его часто называли «Царь Давид»), был лауреатом множества почетных премий и званий (в том числе состоял членом Королевской академии музыки в Лондоне, Американской академии наук и искусств в Бостоне, Национальной академии «Санта Чечилия» в Риме, доктором Кембриджского университета); у себя на родине получил все возможные «регалии» (народный артист СССР с 1953 года, лауреат Ленинской премии и Государственной премии СССР).

С 1934 года Ойстрах преподавал в Московской консерватории (с 1939 – профессор), где среди его учеников были его сын Игорь, победитель Первого конкурса имени Чайковского Валерий Климов, Виктор Пикайзен, Семён Снитковский, Олег Каган, Михаил Готсдинер, Леонарда Бруштейн, Леонид Фейгин, Лиана Исакадзе, Гидон Кремер, Олег Крыса и другие выдающиеся скрипачи. Ойстрах был бессменным председателем жюри в номинации «скрипка» на первых пяти (с 1958 по 1974 годы) конкурсах имени П.И. Чайковского.

Ойстрах – один из наиболее выдающихся представителей отечественной скрипичной школы. Его исполнение отличало виртуозное владение инструментом, техническое мастерство, яркое и тёплое звучание инструмента.

Неоднократно Ойстрах выступал в качестве дирижёра. В его репертуар входили классические и романтические сочинения (исполнение Ойстрахом скрипичных сонат Бетховена совместно со Львом Обориным до сих пор считается одной из лучших интерпретаций этого цикла), он также с большим энтузиазмом играл и произведения современных авторов. Ойстраху посвящен Первый концерт для скрипки с оркестром Шостаковича.

Сын Давида Федоровича Игорь учился у своего отца сначала в Центральной музыкальной школе (ок. в 1949 году), затем в Московской консерватории, которую окончил в 1955 году. Ещё будучи студентом, одержал победы на конкурсах в Будапеште (1949 год) и Познани (Конкурс Венявского в 1952 году). Творческий почерк Игоря Ойстраха характеризуется интеллектуальным, расчётливым подходом к исполнению, реалистичностью интерпретаций. Выступал в дуэте со своим отцом, а также с оркестром под его управлением. C 1996 по 2010 год Игорь Ойстрах преподавал в Королевской консерватории в Брюсселе.

Давид Ойстрах умер от сердечного приступа 24 октября 1974 в Амстердаме через несколько часов после очередного концерта.

Похоронен на Новодевичьем кладбище в Москве.

Коган Леонид Борисович1924–1982советский скрипач

Леонид Борисович Коган родился 14 ноября 1924 года в Екатеринославе, (ныне – Днепропетровск, Украина), в семье фотографа Бориса Семёновича и Софьи Львовны Коган.

Учился с 1933 года в Москве, с 1936 года – в Центральной музыкальной школе в классе А.И. Ямпольского, у него же окончил в 1948 году Московскую консерваторию имени П.И. Чайковского, в 1953 году – аспирантуру.

Ему не было еще тринадцати лет, когда о нем заговорила Москва. В шестнадцать лет 16 марта 1941 года он блестяще сыграл скрипичный Концерт Брамса.

В 1943 году Коган поступил в Московскую консерваторию, по окончании ее был оставлен в аспирантуре. И тут же поразил музыкантов виртуознейшим исполнением труднейших 24 каприсов Паганини, который на долгие годы стал любимым автором Когана. Даже тяготы военных лет не смогли помешать упорной до одержимости работе скрипача.

С 1944 является солистом Московской филармонии.

В 1947 году стал победителем конкурса скрипачей во время Первого фестиваля молодежи и студентов в Праге, в 1951 году – победителем первого Международного конкурса скрипачей имени королевы Елизаветы в Брюсселе.

С 1952 года и до конца дней преподавал в Московской консерватории.

В 1953 году концертами в Канаде начинаются триумфальные выступления скрипача за рубежом, довольно скоро принявшие поистине глобальный размах. Скрипача слушают во Франции и Швеции, Польше и Болгарии, Англии и ГДР, США и Аргентине, Японии и Новой Зеландии, и всюду его встречает восторженный прием.

В сезоне 1956–1957 года в Москве Коган сыграл цикл концертов, охватывающий едва ли не всю историю скрипичной музыки. Коган достигает самых высоких вершин признания. Его игра восхищает профессионалов и любителей музыки своей страны, а также зарубежных слушателей.

Композитор Арам Хачатурян говорит о Когане: «Дарование Леонида Когана раскрывалось и раскрывается бурно и интересно. Он всегда находится в таком, я бы сказал, интенсивном движении, артистическом, творческом развитии, которое свойственно лишь молодой энергии. Это не застывший художник, который достиг высот и остановился. Он всегда ставит перед собой невероятно трудные артистические цели и добивается осуществления своих замыслов. Хочется отметить его необычайно живой, деятельный ум. Это исключительно тонкий, проницательный человек. Он может удивительно легко и точно разобраться во многих вопросах, в том числе не только музыки, но даже и техники. Я думаю, если бы он не был скрипачом, то мог бы стать выдающимся инженером-изобретателем».

В 1960-е—1970-е годы Коган получает все возможные звания и награды. Ему присваивается звание профессора и народного артиста РСФСР и СССР, присуждается Ленинская премия. В 1969 году музыкант назначается заведующим кафедрой скрипки Московской консерватории. О скрипаче снимается несколько фильмов.

Композитор Родион Щедрин писал: «Леонид Коган был редкостно добрым человеком, сердечным, отзывчивым, я бы даже сказал, сердобольным. Он принимал деятельное участие не только в судьбах своих учеников, но и многих музыкантов, жизнь которых не всегда складывается просто. И неизменно делал это скромно, мягко, не афишируя своего благородства, как часто случается. Здесь не было позы, просто такова была сущность его натуры. В любом деле, если шла борьба за правду, восстановление справедливости, истины, на Когана можно было смело положиться. Тут он не жалел ни сил, ни нервов, ни времени».

Последние два года жизни Леонида Борисовича Когана были особенно насыщенными выступлениями. Он жаловался, что не успевает отдыхать.

В 1982 году состоялась премьера последней работы Когана «Времена года» А. Вивальди.

В 1978 году и 1982 году Коган был председателем жюри Конкурса имени Чайковского.

Коган был одним из самых ярких представителей советской скрипичной школы, представляя в ней «романтически-виртуозное» крыло. Он всегда давал много концертов и часто, ещё с консерваторских лет, гастролировал за рубежом. В репертуаре его были представлены, примерно в равных пропорциях, все основные позиции скрипичного репертуара, в том числе и современная музыка. Когану посвящены Концерт-рапсодия А.И. Хачатуряна, скрипичные концерты Т.Н. Хренникова, К.А. Караева, М.С. Вайнберга, А. Жоливе; для него начал создавать свой третий (неосуществлённый) концерт Д.Д. Шостакович.

Коган был непревзойдённым исполнителем сочинений Н. Паганини (в 1982 озвучил скрипку великого гения в фильме «Никколо Паганини»), а также виртуозных миниатюр Г. Венявского, П. Сарасате, Ф. Крейслера и разного рода эффектных скрипичных транскрипций.

11 – 15 декабря 1982 года прошли последние концерты скрипача в Вене, где он исполнил Концерт Бетховена. Леонид Борисович Коган умер от сердечного приступа во время поездки на поезде из Москвы на концерт в Ярославль, где он должен был выступать со своим сыном.

Это произошло 17 декабря 1982 года.

Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.

Эльман Михаил Саулович1891–1967российский и американский скрипач

Миша Эльман родился в музыкальной еврейской семье. Его дед – Йосэлэ Эльман – был известным скрипачом-клезмером (истоки клезмера находятся как в древнем еврейском фольклоре, так и в музыке соседних народов, особенно молдавской). Дед подарил четырёхлетнему внуку первую скрипку. Отец – Саул Иосифович Эльман – был меламедом (учителем хедера) и скрипачом-любителем. Эльман с четырёх лет начал обучаться игре на скрипке, сначала под руководством отца, а затем – в Одессе.

В 1901 году игру юного Эльмана услышал Леопольд Ауэр. Ауэр является основателем так называемой русской скрипичной школы. Воспитал свыше 300 учеников. Он и пригласил Мишу обучаться в Петербургскую консерваторию. Три года спустя, успешно сыграв дипломный экзамен, Эльман 14 октября 1904 года дебютировал в Берлине и был признан местной публикой как блестящий вундеркинд. Вскоре, после его блестящих выступлений в Лондоне и Нью-Йорке, критики начали говорить о нём, как об одном из талантливейших музыкантов современности.

В последующие годы Эльман совершил несколько турне по Старому и Новому Свету, выступая с крупнейшими оркестрами мира. Он стал чуть ли не первым артистом с мировым именем, который давал концерты на Дальнем Востоке.

В 1911 скрипач переселился в США, однако гражданство принял лишь двенадцать лет спустя, в 1923 году.

В 1914 году Эльман получил от императора Николая II освобождение от воинской службы, сопровождавшееся словами: «Россия не желала бы наносить ущерба одному из своих великих гениев».

После нескольких лет концертов с крупнейшими оркестрами мира и гастролей Эльман серьёзно заинтересовался камерной музыкой и основал Струнный квартет Эльмана, который вскоре получил большую известность.

Вернувшись к концертной деятельности в 1936 году, музыкант дал в Карнеги-холле цикл из пяти концертов «Развитие скрипичной литературы». Карнеги-холл – концертный зал в Нью-Йорке, где исполняется как академическая, так и популярная музыка.

Эльман также сделал большое количество записей, которые пользовались огромным успехом.

Во время Второй мировой войны, Эльман часто выступал в воинских частях.

Основными чертами исполнительской манеры Эльмана были богатое, экспрессивное звучание, яркость и живость интерпретации. Его техника исполнения несколько отличалась от принятых в те времена стандартов – он зачастую брал более медленные, чем требовалось, темпы, широко использовал рубато, однако это не оказало отрицательного влияния на его популярность. Игра Эльмана отличалась глубоким, насыщенным звуком – многие пытались ему подражать, но не достигали высот оригинала. В течение полувека Эльман был непревзойденным виртуозом игры на скрипке.

Эльман также является автором ряда небольших пьес и переложений для скрипки.

Один из наиболее значительных концертов последних лет жизни Эльмана состоялся в Лондоне, в зале Альберт-холл, который он особенно любил, где в 70-летнем возрасте он исполнил концерты Брамса и Мендельсона (редкий случай даже для молодых музыкантов исполнения двух сложнейших концертов в одной программе). Последний концерт он дал 17 января 1967 в «Карнеги-холле».

Скончался Миша Эльман 5 апреля 1967 года в Нью-Йорке.

Похоронен на кладбище Гастингс-на-Гудзоне в Нью-Йорке.

Мильштейн Натан Миронович1904–1992советский и американский скрипач

Натан Мильштейн родился 13 января 1904 года в Одессе в далёкой от музыки многодетной семье. Его отец, Мирон Мильштейн, работал в торговавшей шерстяными тканями фирме; мать, Мария Блюштейн, была домохозяйкой; в семье было семеро детей.

Обучался игре на скрипке в школе Петра Столярского до 1914 года, затем учился в Петроградской консерватории у Леопольда Ауэра.

В 1920 году Мильштейн впервые выступил с концертом в Одессе, и в том же году исполнил Скрипичный концерт Глазунова под управлением автора. В течение последующих пяти лет скрипач совершенствовал мастерство и выступал в СССР часто в одних концертах с Владимиром Горовицем. В 1925 году Мильштейн и Горовиц выехали на гастроли за границу и приняли решение не возвращаться на родину. В эти годы музыканты часто выступали в трио с виолончелистом Григорием Пятигорским, также незадолго до этого эмигрировавшим из СССР.

Вскоре Мильштейн обосновался в Брюсселе, где его тепло принял Эжен Изаи – бельгийский скрипач, дирижер и композитор. В 1937 и 1938 годах в Брюсселе проводился конкурс академических музыкантов в честь Изаи. Конкурс был организован в память о нём под патронатом королевы Бельгии Елизаветы.

Три года спустя Мильштейн впервые выступил в Нью-Йорке вместе с филармоническим оркестром этого города, его концерты имели большой успех, и вскоре он перебрался в США, где и выступал в течение ближайших лет.

После Второй мировой войны, уже приняв гражданство США в 1942 году, Мильштейн возобновил концерты в Европе.

Мильштейн считается одним из крупнейших представителей классической русской скрипичной школы XX века, и в то же время наименее «русским» среди них. Такое мнение сложилось из-за чисто интеллектуальной манеры игры скрипача. Мильштейн обладал совершенной техникой исполнения, безупречным вкусом и хорошим чувством формы и стиля. Используя тщательно отработанную технику вибрато и частую смену направления движения смычка, он достигал особого, тёплого и искреннего звучания. Исполнял главным образом классический репертуар.

Мильштейн – автор ряда оригинальных сочинений для скрипки, в том числе «Паганинианы», написанной в 1954 году.

Совместно с С. Волковым написал книгу воспоминаний «Из России на Запад», которая опубликована в 1990 году в Нью-Йорке.

Наибольшую известность ему принесли исполнения музыки для скрипки соло Иоганна Себастьяна Баха, за которые он в 1975 году получил премию «Грэмми» за лучшее классическое исполнение. Среди других наград Мильштейна – звание Офицера Ордена Почётного легиона (1968 год).

Мильштейн продолжал концертировать и давать мастер-классы до 1988 года, когда сломал руку.

Умер 21 декабря 1992 года в Лондоне.

Хейфец Яша1901–1987один из величайших скрипачей XX века

Яша (Иосиф Рувимович) Хейфец родился 2 февраля 1901 года в городе Вильнюсе (Российская империя) в семье преподавателя музыки Рувима Елиевича Хейфеца и Хаи Израилевны Шарфштейн.

Яша начал учиться игре на скрипке в трёхлетнем возрасте у своего отца и вскоре прослыл вундеркиндом. С четырех лет начались занятия под руководством одного из лучших скрипачей и педагогов города И. Малкина, ученика Ауэра. В шестилетнем возрасте впервые принял участие в публичном концерте, где исполнил Концерт Феликса Мендельсона-Бартольди.

В 1908 году он играл «Балладу и Полонез» Вьетана, и слушавший его Ауэр высоко оценил игру юного скрипача. В следующем году Яша исполнил в Ковно с оркестром концерт Мендельсона. В том же году он окончил музыкальное училище.

Большую помощь в обучении Хейфеца оказало виленское Еврейское общество. Оно же дало средства для переезда семьи в Петербург и поступления юноши в 1910 году в Петербургскую консерваторию в класс Ауэра.

В 1910 году начал учиться в Санкт-Петербургской консерватории. Директор консерватории Александр Глазунов, наслышанный о таланте Хейфеца, добился от градоначальника разрешения на то, чтобы отец и сын могли находиться в Петербурге круглосуточно, что не было позволено простым евреям.

Начало мировой славы Хейфеца положили семь концертов в Берлине, где он выступал с оркестром Берлинской филармонии под управлением В. Сафонова и А. Никиша. Еще восемь концертов состоялись в других городах Германии – Дрездене, Гамбурге, а также в Праге. Несмотря на то, что Хейфец играл на 3/4 скрипке, он поражал слушателей полным звучанием необычайной красоты и выразительности, блистательной виртуозностью и легкостью исполнения, энергией и безупречным вкусом.

Эти годы вся семья Хейфецов жила на гонорары Яши.

В 1917 году Хейфец давал концерты в Петрограде и Саратове. Последний раз он играл в Петрограде на Концерте-митинге эсеров, где выступал А. Керенский. В России разразилась революция, и Хейфец с семьёй переехал в США. Путь в Америку из-за войны пролегал через Сибирь. 8 июля семья Хейфецов отплыла на пароходе из Владивостока в Японию, а оттуда в Америку.

27 октября 1917 года Хейфец с невероятным успехом дебютировал в Карнеги-холле. Критика отмечала, что искусство Хейфеца «переходит границы возможного». Это был «Паганини XX века». Хейфец стал «идолом американской публики» и за год дал только в Нью-Йорке более тридцати концертов. Его искусство было запечатлено на десяти пластинках. В следующем году появилось еще девять записей. Все они запечатлели игру на скрипке Тонони, на которой Хейфец играл с тринадцати лет.

На одном из концертов к Яше подошел джентльмен и предложил ему играть на принадлежащей этому человеку скрипке Страдивари, и Хейфец с готовностью согласился. Через два года Хейфец выкупил скрипку у того человека, не пожелавшего назвать свое имя, за хорошую цену. Со временем он купил себе еще одного Страдивари, а перед войной дополнил свой скрипичный парк еще и скрипкой Гварнери.

Яша быстро американизировался, говорил без акцента, водил шикарный спортивный автомобиль, играл в теннис и пинг-понг, а вскоре обзавелся и моторной лодкой. В 1925 году он получил американское гражданство.

Во время Второй мировой войны часто выступал перед солдатами на фронте, чтобы поднять их боевой дух.

Мнение критиков об игре Хейфеца: «Поражает в игре Хейфеца его техника, огромнейшее, вызывающее восхищение виртуозное мастерство. Техника эта чрезвычайно разнообразна, математически выверена и ровна. Тон его изумительно сильный, насыщенный, глубокий. Хейфец не знает в своем искусстве непреодолимых трудностей. Легкость, с которой он побеждает все технические препятствия, покоряет. Причем непринужденность и свобода мастерства Хейфеца, правда, несколько холодного и строгого, таковы, что подчас могут ввести даже в заблуждение: непосвященный слушатель может и впрямь поверить, что то, что исполняет Хейфец, легко и просто. Но нужно действительно знать, какие, например, исключительные трудности представляет для скрипача 24-й каприс Паганини, чтобы полностью оценить то совершенно ослепительное, баснословное мастерство, с каким он исполняет это произведение».

Каждое его выступление заканчивалось восторженными аплодисментами. 1920 год – Европа, 1921 год – Австралия, 1923 год – Азия, 1926 год – Палестина… Музыкальные критики награждали его концерты самыми лестными оценками, а его гонорары были неслыханно высокими. В 1940 году он купил дом в Беверли-Хиллз, а также небольшой домик неподалеку в местечке Малибу на берегу океана.

Хейфец всегда держался осторожно, в том числе и в политических вопросах. Это позволило ему сохранить неплохие отношения с советским режимом. Он не считался белоэмигрантом или невозвращенцем и был, наряду со Зворыкиным, одним из немногих, которые посетили СССР в первую советско-американскую оттепель в 1934 году. Проезжая через фашистскую Германию, он отказался там выступать.

Во время Второй мировой войны часто выступал перед солдатами на фронте, чтобы поднять их боевой дух.

Хейфец был разносторонне развитым музыкантом. Он прекрасно играл на рояле, нередко аккомпанировал в классе Ауэра своим товарищам, одно время работал дирижером «Метрополитен Опера» в Нью-Йорке, писал музыку к некоторым кинофильмам.

В 1972 году перестал выступать на концертах и перешёл к преподаванию в университете Южной Калифорнии. Хейфец был очень требовательным педагогом.

Он не был религиозен и отмечал лишь один еврейский праздник в году – Йом Кипур. В этот день он постился, а вечером обедал у самых близких друзей.

Яша Хейфец уже при жизни стал легендой, его называли императором скрипки. К услугам музыканта были лучшие оркестры, дирижеры и пианисты.

В его исполнении запечатлен практически весь классический скрипичный репертуар и множество сочинений ХХ века.

Умер Яша в Лос-Анджелесе 10 декабря 1987 года.

Прах Хейфеца Яши развеян в Тихом океане у Малибу, где он жил, округ Лос-Анджелеса, США.

Галич Александр Аркадьевич1918–1977автор и исполнитель собственных песен

Александр Аркадьевич Галич (Гинзбург) родился 19 октября 1918 года в Екатеринославе (сейчас Днепропетровск) в интеллигентной еврейской семье. Отец – Арон Самойлович Гинзбург, экономист; мать – Фейга (Фанни, Фаина) Борисовна Векслер, работала в консерватории. Дед, Самуил Гинзбург, был известным в городе педиатром.

В 1920 году семья Галича переехала в Севастополь. В 1923 году они переехали в Москву.

Первая публикация – стихотворение «Мир в рупоре» в «Пионерской правде» в 1932 году.

После девятого класса Галич почти одновременно поступил в Литературный институт им. А.М. Горького и в Оперно-драматическую студию К.С. Станиславского, ставшую последним курсом Станиславского, который он не успел выпустить. Литературный институт вскоре бросил, а через три года оставил и Оперно-драматическую студию. В 1939 году он перешёл в Театр-студию А.Н. Арбузова и В.Н. Плучека. В феврале 1940 года студия дебютировала спектаклем «Город на заре» с коллективным авторством. Одним из авторов пьесы стал Галич. Это был его дебют в драматургии.

Когда началась война, Галича призвали в армию. Но медицинская комиссия обнаружила у него врождённый порок сердца и освободила от службы. Галич устроился в геологоразведочную партию и отправился на юг. На юге, в Грозном, он попал в театр, в котором работал до декабря 1941 года. Отсюда Галич уехал в Ташкент, где Арбузов начал формировать театральную группу из своих бывших студийцев.

В ранний период своего творчества Галич написал несколько пьес для театра – «Улица мальчиков» (1946 год), «Вас вызывает Таймыр» (в соавторстве с К.Ф. Исаевым) (1948 год, снят фильм в 1970 году), «Пути, которые мы выбираем» (или «Под счастливой звездой», 1954 год), а также сценарии фильмов «Верные друзья» (1954 год) (совместно с К.Ф. Исаевым), «На семи ветрах» (1962 год), «Бегущая по волнам» (1967 год), «Государственный преступник».

С конца 1950-х годов Галич начинает сочинять песни, исполняя их под собственный аккомпанемент на гитаре. Галич стал одним из самых ярких представителей жанра русской авторской песни. В этом жанре Галич сформировал своё направление.

Первые песни – «Леночка» (1959 год), «Про маляров, истопника и теорию относительности» и «Закон природы» (обе 1962 год) резко диссонировали с официальной советской эстетикой.

Пьеса Галича «Матросская тишина», написанная для создававшегося театра «Современник», была запрещена. Уже отрепетированную пьесу запретили к показу, заявив автору, что он искажённо представляет роль евреев в Великой Отечественной войне. Этот эпизод Галич потом описал в повести «Генеральная репетиция».

Галичу было запрещено давать публичные концерты. Его не печатали и не позволяли выпустить пластинку с его песнями. По сути дела, это был запрет на любую профессиональную деятельность и работу.

Он выступал со своими песнями по квартирам, на так называемых домашних концертах, собиравших ему очень небольшие заработки; его песни распространяли и передавали друг другу в магнитофонных записях, благодаря которым он становился всё более популярен, и которые изымались при обысках.

В марте 1968 года в Академгородке Новосибирска прошёл фестиваль авторской песни, проведённый клубом «Под интегралом». На фестивале состоялся единственный публичный концерт Александра Галича в СССР, в том числе исполнившего песню «Памяти Пастернака».

В 1969 году в издательстве «Посев» вышла книга его песен. Именно это послужило причиной его исключения из Союза писателей СССР, членом которого он был с 1955 года, а в 1972 году – из Союза кинематографистов, в котором состоял с 1958 года, травля в печати, прекращение публикаций в официальной прессе.

Галич в 1973 году крещён в Православной Церкви отцом Александром Менем.

В 1974 году Галич был вынужден эмигрировать. 22 октября 1974 года Главлитом по согласованию с ЦК КПСС все его ранее изданные произведения были запрещены в СССР.

Первым его пристанищем за рубежом стала Норвегия, затем он переехал в Мюнхен, где некоторое время работал на американском радио «Свобода». Потом Галич поселился в Париже, где погиб от удара электрическим током, при подключении антенны к телевизору.

Это произошло 15 декабря 1977 года.

Похоронен на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа.

Высоцкий Владимир Семенович1938–1980советский поэт и автор-исполнитель песен

Владимир Семёнович Высоцкий родился 25 января 1938 года в Москве. Отец – Семён Владимирович (Вольфович) Высоцкий – уроженец Киева, военный связист, ветеран Великой Отечественной войны, полковник, еврей. Мать – Нина Максимовна – переводчик с немецкого языка.

Раннее детство он провёл в московской коммунальной квартире на 1-й Мещанской улице. Во время Великой Отечественной войны в 1941–1943 годах жил с матерью в эвакуации на Урале. В 1943 году возвратился в Москву. В 1945 году Высоцкий пошёл в первый класс. Через некоторое время после развода родителей, в 1947 году, Владимир переехал жить к отцу и его второй жене, армянке по национальности – Евгении Степановне, которую сам Высоцкий называл «мама Женя». В 1947–1949 годах они проживали в Германия, по месту службы отца, где юный Володя научился играть на фортепиано. В октябре 1949 года они вернулись в Москву В это время семья Высоцких жила на Большом Каретном переулке. На доме установлена мемориальная доска.

Высоцкий не сразу определил, что хочет быть актером. После окончания школы он поступает в московский инженерно-строительный институт, но проучившись в нем полгода, бросает его. По легенде решение об уходе было принято в новогоднюю ночь с 1955 на 1956 год. Вместе со школьным другом было решено провести новогоднюю ночь за исполнением чертежей, без которых их не допустили бы к сессии. Где-то во втором часу ночи чертежи были готовы. Но тут Высоцкий встал и, взяв со стола банку с тушью, стал поливать её содержимым свой чертёж. «Всё. Буду готовиться, есть ещё полгода, попробую поступить в театральный».

С 1956 по 1960 год Высоцкий – студент актёрского отделения Школы-студии МХАТ им. В.И. Немировича-Данченко. В 1960–1964 годах Высоцкий работал (с перерывами) в Московском драматическом театре имени А.С. Пушкина. Сыграл роль Лешего в спектакле «Аленький цветочек» по сказке С.Т. Аксакова, а также ещё около 10 ролей, в основном – эпизодических.

В кино дебютировал в 1959 году в эпизодической роли студента Пети в фильме режиссёра Василия Ордынского «Сверстницы».

В 1961 году на съёмках кинофильма «713-й просит посадку» познакомился с Людмилой Абрамовой, ставшей его второй женой. В этом браке родилось двое сыновей: Аркадий, ставший сценаристом, и Никита, который, как и родители, стал артистом театра и кино.

Долгое время талант Высоцкого-киноактёра оставался нераскрытым. Ему доставались, как правило, небольшие тусклые эпизоды, но мощный темперамент, незаурядное дарование всегда находили возможность проявиться и в ролях второго плана. Главных же ролей в его жизни было всего несколько – Брусенцов («Служили два товарища»), Рябой («Хозяин тайги»), фон Корен («Плохой хороший человек»), арап («Сказ про то, как царь Пётр арапа женил»), Жеглов («Место встречи изменить нельзя»), Дон Гуан «Маленькие трагедии»). Все они сыграны с блеском, отмечены высоким мастерством перевоплощения.

В первой половине шестидесятых Владимир Высоцкий приходит в Театр на Таганке, который по выражению самого Высоцкого, стал для него «своим театром». Так начался творческий путь Высоцкого в Театре на Таганке. Гамлет, Галилей, Пугачёв – целая палитра образов, созданных вместе с режиссером Юрием Любимовым.

В июле 1967 года Владимир Высоцкий познакомился с французской актрисой русского происхождения Мариной Влади (Мариной Владимировной Поляковой), ставшей его третьей женой.

Своё первое стихотворение «Моя клятва» Высоцкий написал, будучи учеником 8 класса, 8 марта 1953 года. Оно было посвящено памяти Сталина. В нём поэт высказывал чувство скорби по недавно умершему Вождю. Существует песня «49 дней», датируемая 1960 годом, о подвиге четырёх советских солдат, дрейфовавших и выживших в Тихом океане. Отношение автора к песне было весьма критичным: в автографе ей дан надзаголовок «Пособие для начинающих и законченных халтурщиков», с пояснением в конце, что «таким же образом могут быть написаны» стихи на любые актуальные темы.

Интерес к авторской песне у Высоцкого пробудился после знакомства с творчеством Булата Окуджавы, которого Владимир Семенович считал своим учителем. Позже он напишет «Песню о Правде и Лжи», посвященную Окуджаве. Сам Высоцкий так говорил об авторской песне: «Я хочу сказать и заверить, что авторская песня требует очень большой работы. Эта песня все время живет с тобой, не дает тебе покоя ни днем, ни ночью».

В годы строгой цензуры он затрагивал целый ряд запретных тем, отчего и сам во многом был под запретом, – в советские времена его записи распространялись почти исключительно на магнитоальбомах, запрещались съёмки в ряде фильмов, выехать за границу стало возможным только благодаря активным действиям жены – французской актрисы Марины Влади.

Несмотря на существовавшие запреты и ограничения, популярность Высоцкого была и остается по сей день феноменальной. Это обуславливается человеческим обаянием и масштабностью личности, поэтическим даром, уникальностью исполнительского мастерства, предельной искренностью, свободолюбием. По итогам опроса Всероссийского центра изучения общественного мнения, проводившегося в 2010 году, Высоцкий занял второе место в списке «кумиров XX века» после Юрия Гагарина.

«Работать надо!» – была его любимая поговорка. Если бы он мог, он работал бы круглые сутки. Сон 3–4 часа, остальное – работа. Песни свои он писал в основном ночью. 13 февраля 1978 года приказом Министерства культуры СССР Владимиру Высоцкому была присвоена высшая категория вокалиста-солиста эстрады, после чего Высоцкий уже был официально признан «певцом-профессионалом».

15 июня 1972 года по эстонскому телевидению была показана передача «Парень с Таганки» – первое появление Высоцкого на советском телеэкране.

В ноябре 1971 года в Театре на Таганке состоялась премьера спектакля «Гамлет» (режиссёр – Ю. П. Любимов), главную роль в котором исполнил В.С. Высоцкий. Это было уникальное исполнение.

Вместе с актёрами Театра на Таганке ездил с гастролями за границу: в Болгарию, Венгрию, Югославию (БИТЕФ), Францию, Германию, Польшу. Получив разрешение выехать к жене во Францию с частным визитом, сумел также побывать несколько раз в США (в том числе и с концертами 1979 года), Канаде, Таити.

22 января 1980 года записался на ЦТ в программе «Кинопанорама», фрагменты которой были впервые показаны в январе 1981 года, а целиком передача (хронометраж 1 час 3 минуты) вышла только 23 января 1987 года. В первой части этой передачи В. Высоцкий исполнял попурри из фильма «Вертикаль», песни «Мы вращаем Землю», «Одна научная загадка» из фильма «Ветер «Надежды», «Я не люблю», «Пожары», «Утренняя гимнастика», «Парус», а во второй – «Жираф», «Письмо в редакцию по поводу Бермудского треугольника», «Песню о земле» из фильма «Сыновья уходят в бой» и «Балладу о любви» из фильма «Стрелы Робин Гуда».

25 июля 1980 года Высоцкий скончался во сне в своей московской квартире.

Похоронен на Ваганьковском кладбище.

Кристалинская Майя Владимировна1932–1985советская эстрадная певица

Майя Владимировна родилась 24 февраля 1932 года в интеллигентной московской семье. По матери русская, по отцу еврейка. Во время учёбы в школе занималась в детском хоровом коллективе Народного ансамбля песни и танца Центрального дома детей железнодорожников, которым руководил Семён Осипович Дунаевский, брат Исаака Дунаевского. Выпускным июньским вечером 1950 года на Манежной площади Майя решилась спеть для случайной публики. Пела «Друзей-однополчан», «Синий платочек» и другие песни недавних военных лет.

Окончив среднюю школу, она поступила в Московский авиационный институт. Через пять лет начала работать в бюро Генерального конструктора Яковлева.

В 1957 году Майя Кристалинская стала лауреатом Московского международного фестиваля молодёжи и студентов, на котором выступала с самодеятельным ансамблем «Первые шаги» под руководством Ю. Саульского. В том же году она вышла замуж за молодого медика Аркадия Арканова, ставшего впоследствии известным писателем-сатириком. Брак был недолгим и вскоре распался.

Госконцерт предложил ей гастроли по Закавказью: Баку, Тбилиси, Ереван. Горячая южная публика приняла певицу с восторгом. Она получает в столице предложение стать профессиональной артисткой и вскоре выступает с прославленными джаз-оркестрами Олега Лундстрема и Эдди Рознера.

Города и публика сменяли друг друга, одна за другой выходили пластинки. Песни «Тишина», «Царевна-несмеяна», «Возможно», «В нашем городе дождь», «У тебя такие глаза», «Спасибо, аист», «Скоро август» и десятки других в исполнении Кристалинской обожала вся страна. Певица одной из первых исполнила на эстраде песенку Булата Окуджавы «Ах, Арбат», звучавшую до этого только в магнитофонных записях.

В 1960 году на экраны страны выходит фильм «Жажда». Кристалинская записывает на пластинку песню Маши из этого фильма. Пластинка с песенкой «Два берега» разошлась тиражом в 7 миллионов экземпляров в стране, где проигрыватель был далеко не в каждом доме. Она пела ставшие шлягерами «А снег идет», «Неужели это мне одной», «Текстильный городок», «Я тебя подожду». Она много гастролировала по стране, работала с джаз-оркестрами Эдди Рознера и Олега Лундстрема.

В ошеломляющем успехе песен Кристалинской огромную роль сыграло телевидение. В 1962 году появилась передача, которой впоследствии не было равной, – «Голубой огонёк».

Майя Кристалинская в 60-е годы была неизменной участницей «Огоньков». Специально для нее и Кобзона композитор Аркадий Островский написал «Песни нашего двора».

Майя Кристалинская стала первой исполнительницей легендарной песни «Нежность» композитора Александры Пахмутовой, записав её в 1966 году. Чермен Касаев (музыкальный редактор ВР и ЦТ), присутствовавший тогда в студии звукозаписи, в документальном фильме «Опустела без тебя земля…», посвящённом певице, вспоминал, что у Майи Владимировны, при прослушивании уже записанной фонограммы, капали слёзы из глаз. По эмоциональной насыщенности, глубине и напряженности чувств лучше Кристалинской ее не исполнил никто.

В 1966 году Майя Кристалинская была признана лучшей эстрадной певицей года.

В середине 1960-х годов у Майи открылась опухоль лимфатических желез. Выступления на эстраде сменялись длительным лечением в больницах.

Жизнь Майи Кристалинской с середины 60-х, с окончанием «оттепели», становилась все сложнее и труднее. Да, были гастроли за рубежом, любовь миллионов людей, пластинки, радио и телевидение. Но после песни «В нашем городе дождь» на новогоднем «Голубом огоньке» руководство телевидения обвинило певицу в пропаганде грусти, чего в советской стране не должно было быть.

В 1970 году новым председателем Гостелерадио стал С. Лапин, личный друг Л. Брежнева. Получив безграничную власть, Лапин начал на ТВ политику антисемитизма. Став персоной нон грата на Центральном телевидении, последние десять лет жизни звезда советской эстрады выступала в сельских клубах, в райцентрах Тульской, Рязанской, Орловской областей. Добиться разрешения на концерты в областных центрах, не говоря о Москве, оказалось очень сложно

В 1974 году Майя стала заслуженной артисткой РСФСР Майя Кристалинская была человеком большой эрудиции, безгранично любила театр, разбиралась в живописи, ее интересовали проблемы психологии, она знала литературу так, как ее знают только специалисты. Любила она и кино. Ее любимой актрисой была Марлен Дитрих. В последние годы она взялась за перевод книги Дитрих «Размышления» с немецкого на русский язык. Появился любящий муж архитектор Эдуард Барклай. И вдруг все резко пошло к концу. Летом 1984 года Барклай скоропостижно скончался. У Майи ухудшилась речь, стали отказывать руки и ноги. Весной 1985 года речь у нее пропала совсем, она могла только плакать.

19 июня 1985 года в возрасте 53 лет Майя Кристалинская скончалась.

Похоронена на Донском кладбище в Москве.

Писатели