Великие евреи. 100 прославленных имен — страница 5 из 5

Эйзенштейн Сергей Михайлович1898–1948советский режиссёр театра и кино

Сергей Эйзенштейн родился в Риге (Российская империя) 22 января 1898 года в состоятельной семье городского архитектора Михаила Осиповича Эйзенштейна. Его отец, Михаил Осипович Эйзенштейн, был рижским городским архитектором и дослужился до чина титулярного советника. Михаил Эйзенштейн умер в Берлине, но был похоронен на русском кладбище. Мать, Юлия Ивановна Конецкая, дочь богатого предпринимателя и Ираиды Матвеевны, дочери богатого купца. Сергей был крещён в Кафедральном соборе. Его крёстной матерью стала бабушка, купчиха первой гильдии, Ираида Конецкая. Ираида Конецкая умерла от инсульта на паперти храма, молясь на надвратную икону.

Семья жила зажиточно, имела прислугу и принимала у себя крупнейших чиновников города. Родители любили Сергея, но, будучи заняты собой, не отдавали ему должного внимания. В 1907 году, во время Первой русской революции, семья уехала в Париж. В том же году они вернулись, и Сергей поступил в рижское реальное училище. Помимо основного образования он получал уроки игры на рояле и верховой езды. Учил три языка: английский, немецкий и французский; постигал искусство фотографии, увлекался рисованием комиксов и карикатур. На Пасху и Рождество Сергей ездил к бабушке в Санкт-Петербург.

В 1912 году родители Сергея развелись. Мальчик остался жить с отцом, а мать, забрав приданое, уехала жить в Петербург, она жила за счёт игр на бирже. Теперь видеть её сын мог только на Пасху и Рождество. Как говорил сам Эйзенштейн, он относился к ней с «опасливой сыновьей привязанностью». Ребёнком Сергей старался ориентироваться на отца: например, не начал курить, потому что отец не курил. Тот в свою очередь готовил сына к будущему архитектора.

В 1915 году Эйзенштейн окончил реальное училище и поступил в петроградский Институт гражданских инженеров.

После Октябрьской революции Эйзенштейн обеднел и оказался отрезан от родного города, богатых родителей и родственников. В Институте гражданских инженеров организовали штаб милиции, куда записался и Эйзенштейн. Весной 1918 года он был призван на военную службу и зачислен в школу прапорщиков инженерных войск. После расформирования школы прапорщиков Эйзенштейн 18 марта 1918 года вступает в Красную армию. Почти два года разъезжал с агитационным эшелоном, в это время он вёл подробнейшие дневники, где описывал свои путешествия, размышления об искусстве и театре в частности. Вместе с тем он работал художником-декоратором в театральных коллективах Красной армии. После войны он хотел стать переводчиком с японского.

В 1920 году Эйзенштейн устроился на работу в качестве художника-декоратора в труппу Первого рабочего театра Пролеткульта. Тогда, как и многие, он стал сторонником идей разрушения старого искусства. В частности он старался «революционизировать» театр.

В 1921–1922 годах обучался в Государственных высших режиссёрских мастерских (ГВЫРМ) под руководством Всеволода Мейерхольда.

Эйзенштейн увлекся кино, он размышлял над путями его развития, задумывался над проблемой цвета в кино. Его фильмы и теоретические работы, прежде всего в области монтажа, утвердили новые формы кинематографической выразительности.

В 1924 году Эйзенштейн снял полнометражный фильм «Стачка», который получил в 1925 году на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже золотую медаль.

Комиссия Президиума ЦИК СССР поручает Эйзенштейну постановку эпопеи «1905 год». В связи со сжатыми сроками Эйзенштейн сокращает замысел до эпизода восстания моряков на броненосце «Князь Потёмкин Таврический». В 1952 году в списке десяти лучших фильмов всех времён и народов, составленном 58 кинорежиссёрами Европы и Америки по предложению Бельгийской Синематеки, «Броненосец «Потёмкин» занял первое место.

В 1927 году Эйзенштейн снял немой художественный фильм «Октябрь», полное художественных экспериментов произведение, в котором впервые в художественном кино показан образ Ленина в исполнении рабочего Никандрова. Это завершающая часть кинотрилогии («Стачка», «Броненосец «Потёмкин», «Октябрь»). Фильм демонстрировался в США под названием «Десять дней, которые потрясли мир». Из-за перемены политического климата в СССР на последних стадиях редактирования фильма режиссёр Эйзенштейн был вынужден вырезать кадры со многими деятелями революции. В 1933 году фильм был окончательно снят с экранов.

В октябре 1928 года Эйзенштейн вместе со своей съёмочной группой отправился в путешествие за рубеж с целью изучения западного опыта.

С помощью писателя Эптона Синклера Эйзенштейн приступил к съёмкам фильма «Да здравствует Мексика!». Однако после того как было отснято 75 тысяч метров, Сталин направил ему телеграмму с предложением вернуться в СССР.

После возвращения в 1932 году Эйзенштейн занялся научной и педагогической деятельностью, стал заведующим кафедрой режиссуры Государственного института кинематографии, в 1935 году получил звание заслуженного деятеля искусств РСФСР. Впоследствии его статьи и лекции этого периода стали основой двух книг – «Смысл фильма» (1942 год) и «Форма фильма» (1949 год), где разрабатываются принципы цвета, звука и монтажа в кино.

Весной 1935 года Эйзенштейн начал работать над сценарием «Бежин луг». Сюжетом фильма была коллективизация сельского хозяйства, сочетавшая радужные и трагические краски и опиравшаяся на историю Павлика Морозова. Единственный экземпляр фильма сгорел при бомбежке «Мосфильма» во время войны.

В 1938 году Эйзенштейн написал сценарий историкопатриотического фильма «Александр Невский». За него получил учёную степень доктора искусствоведения (без защиты диссертации). Эйзенштейн ставит свою первую звуковую картину. На съемках фильма началось творческое содружество С. Эйзенштейна с композитором С. Прокофьевым.

В 1941–1945 годы режиссёр снимал фильм «Иван Грозный». Съёмки начались в Москве, затем, после эвакуации студии «Мосфильм» в 1942 году, были продолжены в Алма-Ате. Главную роль сыграл Николай Черкасов.

Первая серия картины вышла на экраны в начале 1945 года. За первую серию он получил Сталинскую премию первой степени. Вторая серия была отправлена Сталиным на доработку. Она вышла на экраны только в 1958 году.

Съемки третьей серии, которая должна была по мысли режиссёра символизировать триумф русских над Западом, прекращены. Сохранились её фрагменты, а также осталось много подготовительного материала.

«Иван Грозный» представляет собой масштабную эпическую композицию. Манера игры актеров приближена к оперному спектаклю. В режиссуре акцент перенесен с монтажа на эмоциональную насыщенность отдельного кадра.

Эйзенштейн считал монтаж ключевым элементом кинематографической выразительности. Он исходил из того, что противопоставление двух кадров производит эффект, превосходящий по силе воздействия эффект каждого кадра в отдельности. Ставя один кадр рядом с другим, он искал скрытую визуальную гармонию или диссонанс. Такого рода стилистика позволяла отображать на экране самые абстрактные темы: режиссер даже предполагал экранизировать «Капитал» К. Маркса. Многие выразительные средства кино достигли совершенства и более глубоко уже не разрабатывались и не исследовались другими режиссерами.

В годы войны Эйзенштейн участвовал в деятельности Еврейского антифашистского комитета. Принял участие в съёмках пропагандистского короткометражного фильма на английском языке «To the Jews of the World» (К евреям мира) и в радиопрограмме «To Brother Jews of All the World» (К братьям евреям всего мира, июль 1941 года), в которых призывал англоязычных евреев к единству в борьбе с фашизмом.

У Эйзенштейна было больное сердце. Один из инфарктов случился у него во время танца с актрисой Верой Марецкой на праздничном вечере.

Сергей Эйзенштейн умер от сердечного приступа в ночь с 10 на 11 февраля 1948 года.

Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.

Роом Абрам Матвеевич1894–1976советский кинорежиссёр

Родился 28 июня 1894 года в Вильно (Российская империя). В 1914–1917 годах учился в Петроградском психо-неврологическом институте, в 1917–1922 годах – на медицинском факультете Саратовского университета. Параллельно учёбе работал в Саратовском отделе искусств преподавателем, был ректором Саратовских высших государственных мастерских, режиссёром в Показательном и Детском театрах. Возглавлял Театр эксцентрических представлений.

В 1922 году образовался Театр Революции под руководством Всеволода Мейерхольда. Это название закрепилось до 1943 года.

В 1922–1923 годах советская драматургия ещё только нарождалась, театр ставил современные зарубежные пьесы: «Ночь» Мартине, «Разрушители машин» и «Человек-масса» Э. Толлера. Труппе, объединившей актёров разных школ, в первые годы недоставало ансамблевости, но этот эклектизм был преодолен в поставленных Мейерхольдм в 1923 году спектаклях «Доходное место» Островского и «Озеро Люль» Файко. «Доходное место» в советском театре стало одним из первых образцов современного и подлинно новаторского прочтения классической пьесы. С 1923 года Роом режиссёр Театра Революции в Москве.

Абрам Роом начинал в 1920-е годы, в первом, прославленном поколении кинематографистов. Он создавал своё направление в кино. Главное – актёр и даже театральный, психологизм, бытописательство. Его кинематографический почерк сегодня назвали бы гиперреализмом, имея в виду сверхвнимание к среде, атмосфере действия, игре исполнителя с вещью, внутреннему состоянию человека. Найти себя ему помогал докинематографический опыт: учение у великого психолога В. Бехтерева, изучение книг З. Фрейда, профессиональное занятие медициной, работа в театре.

Поставил несколько фильмов: «Бухта смерти» (1925 год), «Предатель» (1926 год). Снялся в фильме «Поцелуй Мэри Пикфорд» в 1927 году.

«Привидение, которое не возвращается» (1930 год) – одно из крупнейших произведений советского кино, в котором сурово обличалась ханжеская сущность мнимой буржуазной демократии. Этот фильм сделал его европейской кинознаменитостью. Его будут называть родоначальником эротического кино. Интерес режиссёра к внутреннему, частному человеку, с его интимной жизнью, эротическими чувствами не всегда вписывался в советскую эстетику. К середине 1930-х годов эротика стала недопустимой. В течение 20 лет он будет снимать только официально дозволенное, идеологически одобренное.

Крупнейшей работой Роома в 1940-е годы явился фильм «Нашествие» по Л. Леонову. Умный, недюжинный художник сумел создать большой роомовский фильм.

В 1964 году Роом обращается к экранизации русской классики. Роому было 70, когда он снял «Гранатовый браслет». За Куприным последовал Бунин (не разрешенные к постановке «Солнечный удар» и «А вышло совсем, совсем другое»), за ним Чехов («Цветы запоздалые») и, наконец, Максим Горький («Преждевременный человек» по пьесе «Яков Богомолов»). Это было поистине прекрасное творческое десятилетие. Роом создал цикл фильмов о любви, «посвященных музыке, величию женщины, красоте человеческого труда».

В 1925–1934 годах – педагог ВГИКа, доцент.

У Роома была Сталинская премия второй степени (1946 год) за фильм «Нашествие», Сталинская премия первой степени (1949 год) за фильм «Суд чести». Он был народным артистом РСФСР (1965 год), награжден орденом Октябрьской Революции, 2 другими орденами, а также медалями.

Абрам Роом умер 26 июля 1976 года в Москве.

Ромм Михаил Ильич1901–1971советский кинорежиссёр

Ромм родился 24 января 1901 года в семье еврейских социал-демократов в Иркутске, куда за участие в революционной деятельности был сослан его отец, врач по профессии. Мать происходила из семьи интеллигентов. Она страстно любила театр и свою любовь к искусству передала детям.

С девяти лет рос в Москве. Окончил гимназию в 1917 году. В годы военного коммунизма Ромм стал проагентом и много разъезжал по стране, затем попал в Красную армию, где был и рядовым, и телефонистом, и даже инспектором. Он учился в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1925 году Михаил получил специальность скульптора и переводчика. В 1928–1930 годах научный сотрудник по вопросам кино в Институте методов внешкольной работы. В 1920-е годы он переводил французских классиков – Флобера, Мопассана, Золя.

С 1931 года Михаил Ромм работал на Совкино (ныне – Мосфильм).

Уже в первом своем фильме «Пышка» в 1934 году Ромм показал себя настоящим режиссером. У фильма была очень скромная смета, снимали всего в двух небольших декорациях, но литературная основа была мастерски переведена на язык кино, был точен подбор актеров.

В 1936 году маршал Ворошилов посмотрел вестерн «Потерянный партуль» Джона Форда и предложил сделать свой вариант советским кинематографистам. Ромм снял фильм «Тринадцать» в 1936 году. Ромм сумел органично соединить политизированную идею (укрепление советской власти на национальных окраинах), реализм в обрисовке характеров и напряжённую приключенческую интригу.

После кинодилогии о Ленине в 1937–1939 годах: «Ленин в Октябре» и «Ленин в 1918 году», созданной по указанию руководства студии в рекордно короткий срок, Ромм получил прочное официальное признание. Его режиссёрская судьба складывалась внешне вполне удачно.

Вершиной творчества Михаила Ромма считается картина «Мечта», снятый в 1941 году, перед самой войной. Этот фильм посмотрел американский президент Рузвельт и сказал, что это один из величайших фильмов.

В 1940–1943 годах Ромм был художественным руководителем Государственного Управления по производству фильмов. В 1942–1947 годах работал режиссёром Театра-студии киноактёра. С 1948 года – руководитель актёрско-режиссёрской мастерской ВГИКа, профессор (с 1962 года). Среди его учеников такие известные режиссёры, как Абуладзе, Чухрай, Шукшин, Митта, Тарковский, Михалков, Соловьёв и другие.

В конце 1940-х – начале 1950-х годов он поставил несколько фильмов.

В 1956 году вышел фильм «Убийство на улице Данте». В нём первые свои кинороли сыграли Михаил Козаков, Валентин Гафт и Иннокентий Смоктуновский. Эта работа, несмотря на большой успех в кинотеатрах, оставила у режиссёра чувство разочарования. Несколько лет он ничего не снимал.

Новый период в творчестве Ромма начался с фильма «Девять дней одного года». Картина сразу выдвинула Ромма на авансцену современного кинопроцесса. Создавая её, Михаил Ильич связал себя накрепко с молодёжью, в частности с теми, кто составил ядро театра «Современник». Непринуждённость киноповествования, свободная композиция, блистательные диалоги и монологи молодых гениев от науки, сосредоточенность вместе с тем людей на своих проблемах – всё привлекало в фильме. Михаил Ромм считал, что «если ты убеждён, что исследовать человека нужно в исключительные моменты его жизни, пусть трагические, катастрофичные, – бери этот материал, не боясь ничего…» В этой картине начинает звучать мысль о глобальных катастрофах XX века.

Последней работой Ромма стал монтажный фильм о Третьем рейхе «Обыкновенный фашизм» (1966 год) – одно из крупнейших художественных явлений XX века. Герои картины: человек – толпа – вождь (фюрер). Продолжая тему глобальных катастроф, Ромм обратился к исследованию художественными методами феномена массового психоза как социально-психологической основы тоталитарных режимов. Этот фильм раскрывает сущность не только нацистского режима, но и тоталитарных режимов вообще, демонстрирует принципы работы тоталитарной пропаганды, модели поведения толпы, провозглашает гуманистические идеи.

«Из огромного количества материала мы отобрали то, что показалось нам самым поразительным, что даёт нам возможность вместе с вами поразмышлять…» – говорил режиссёр о целях фильма.

Поскольку фильм был действительно исследованием, он целиком строился на документальной основе. В фильме использованы трофейные хроникальные материалы из киноархивов министерства пропаганды нацистской Германии и личного фотоархива Гитлера, а также многочисленные любительские снимки, обнаруженные у эсэсовцев.

Ромм, прямой последователь Эйзенштейна, в этом фильме мастерски использует выразительные средства монтажа, музыкального оформления, публицистической речи для характеристики нацистского режима. Именно за счёт хроникальных кадров, закадровой речи и музыки фильм оказывает исключительно сильное эмоциональное воздействие на зрителя.

Картина была одновременно и размышлением крупного художника о его современности. Ромм сам участвовал в картине, осуществляя закадровый комментарий. Голос Ромма, звучащий за кадром, является одной из самых притягательных в художественном отношении сторон картины. Разговорный характер комментария, который проявляется в синтаксисе, лексике, интонациях, стал одним из главных отличительных признаков фильма.

Ромм задумал ещё один хронико-документальный фильм «Мир сегодня». Но завершить его не успел. В 1968 году подписал письмо против реабилитации Сталина.

М.И. Ромм отмечен Сталинской премией первой степени (1941 год) – за фильмы «Ленин в Октябре» и «Ленин в 1918 году», Сталинской премией второй степени (1946 год) – за фильм «Человек № 217», Сталинской премией первой степени (1948 год) – за фильм «Русский вопрос», Сталинской премией первой степени (1949 год) – за документальный фильм «В. И. Ленин», Сталинской премией первой степени (1951 год) – за фильм «Секретная миссия», Государственной премией РСФСР имени братьев Васильевых (1966 год) – за фильм «Девять дней одного года». Он народный артист СССР с 1950 года. Имеет два ордена Ленина (1938 год и 1967 год), орден Октябрьской Революции (1971 год), орден Трудового Красного Знамени (1961 год).

Михаил Ильич умер 1 ноября 1971 года в Москве.

Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.

Михоэлс Соломон Михайлович1890–1948советский еврейский театральный актёр и режиссёр

Соломон Михоэлс (Вовси) родился 16 марта 1890 года в Динабурге (ныне – Даугавпилс, Латвия), в патриархальной еврейской семье. Получил традиционное еврейское начальное образование в хедере. По словам самого актёра, он «лишь в тринадцать лет начал обучаться систематически светским наукам и русскому языку». Затем в 1905 году поступил в реальное училище в Риге и в 1908 году окончил его. В 1911 году поступил в Киевский коммерческий институт, но не окончил его – был исключен за участие в студенческих волнениях. В 1915–1918 годах учился в Петербургском университете на юриста.

В 1920 году вместе со студией переехал в Москву В 1925 году студия была преобразована в Московский государственный еврейский театр (Московский ГОСЕТ). В 1928 году Михоэлс гастролировал с ГОСЕТом в Германии, Франции, Бельгии, Нидерландах и Австрии. После невозвращения А.М. Грановского из-за границы – с 1929 года – стал художественным руководителем и главным режиссёром этого театра.

С 1939 года – член Художественного совета Комитета по делам искусств при Совете Народных Комиссаров СССР.

С началом Великой Отечественной войны вместе с театром ГОСЕТ в 1941 году отправился в эвакуацию в Ташкент, где участвовал в работе не только еврейского театра, но и Узбекского театра драмы им. Хамзы, а также Узбекского государственного театра оперы и балета.

В феврале 1942 года, когда по инициативе советского руководства для «вовлечения в борьбу с фашизмом еврейских народных масс во всем мире» был создан Еврейский антифашистский комитет (ЕАК), Михоэлс стал первым председателем этого комитета. 24 августа 1941 года был созван митинг «представителей еврейского народа», на котором выступили с речами С. Михоэлс, И. Эренбург, Давид Бергельсон, Петр Капица (единственный не еврей, участвовавший в деятельности комитета) и другие. Они призвали «братьев-евреев во всем мире» прийти на помощь Советскому Союзу. Призыв имел отклик в западных странах: в США был создан Еврейский совет по оказанию помощи России в войне во главе с А. Эйнштейном. В Палестине был учрежден также общественный комитет по оказанию помощи СССР в его борьбе против фашизма, впоследствии известный как «Лига Ви».

В 1943 году Михоэлс и Ицик Фефер в качестве официальных представителей советских евреев посетили и предприняли семимесячное турне по США, Мексике, Канаде и Великобритании.

Для советских вооруженных сил ЕАК собрал 16 миллионов долларов в США, 15 миллионов в Англии и Канаде, 1 миллион в Мексике, 750 тысяч в британской Палестине, а также внес другую помощь: машины, медицинское оборудование, санитарные машины, одежда. 16 июля 1943 года «Правда» сообщила: «Соломон Михоэлс и Ицик Фефер получили сообщение из Чикаго, что специальная конференция Джойнт начала кампанию, чтобы финансировать тысячу санитарных машин для потребностей Красной армии». Деятельность ЕАК способствовала открытию Второго фронта.

Контакты с американскими еврейскими организациями привели к изданию «Чёрной книги» Ильи Эренбурга и Василия Гроссмана – первого документального произведения о преступлениях немецких оккупантов в СССР против еврейского населения в ходе холокоста. «Чёрная книга» была издана в Нью-Йорке в 1946 году, но советское ее издание тогда так и не появилось. Набор был рассыпан в 1948 году. Идеологическая установка требовала не выделять ни одну национальность в рамках всего пострадавшего в ходе войны населения СССР.

В конце войны руководством комитета активно обсуждались планы организации Еврейской советской республики в Крыму. В феврале 1944 года совместно с Фефером и Эпштейном Михоэлс написал письмо Сталину с просьбой об организации еврейской автономии в Крыму.

В 1948 году ЕАК был распущен, а большинство его участников вскоре подверглись репрессиям. В июле 1949 года был закрыт и театр ГОСЕТ.

Вершиной режиссерского творчества Михоэлса стал спектакль «Фрейлехс» (1945 год) – народный карнавал, в котором фольклорное начало и торжество победы над нацизмом слились в жизнеутверждающий гимн древнему и сильному в испытаниях народу.

Михоэлс во время поездки в Минск был вследствие несчастного случая сбит грузовиком и умер.

Это случилось в ночь с 12 на 13 января 1948 года.

Похоронен актёр на Донском кладбище.

В начале апреля 1953 года было проведено расследование, в ходе которого было обстоятельно показано, что Михоэлс (а также его спутник, бывший тайным осведомителем МГБ) был умышленно убит группой офицеров МГБ по прямому личному указанию Сталина.

Чухрай Григорий Наумович1921–2001советский кинорежиссёр

Родился 23 мая 1921 года в Мелитополе. Отец, Рубанов Наум Зиновьевич, был военнослужащим. В 1924 году родители Григория разошлись и он остался с матерью. Воспитывал его отчим – Павел Антонович Литвиненко, который работал председателем колхоза.

В 1935 году отчим был направлен на учёбу во Всесоюзную академию соцземледелия в Москву, где руководители сельского хозяйства получали ускоренное специальное образование. За ним уехал и Григорий. Когда в 1938 году отчим закончил академию, он был направлен на работу на Украину, а Григорий остался в Москве, чтобы окончить школу В 1939 году он уехал к родителям на Синельниковскую селекционную станцию и в конце того же года был призван в армию. В августе 1941 года был объявлен набор добровольцев в воздушно-десантные войска. Григорий подал рапорт, и командование удовлетворило просьбу. Так Григорий Чухрай стал десантником и попал на фронт. До конца войны он воевал в составе разных частей воздушно-десантных войск. Был четырежды ранен. Последнее ранение получил в Венгрии на пути к Вене в апреле 1945 года. В декабре 1945 года в звании гвардии старшего лейтенанта уволен в запас по ранению. Фронтовой путь Г.Н. Чухрая отмечен орденами Отечественной войны I и II степени, Красной Звезды, чехословацким орденом «Партизанская звезда», медалями «За оборону Сталинграда», «За взятие Вены», «За победу над Германией», четырьмя медалями ЧССР и другими наградами.

Вернувшись домой осенью 1946 года, Григорий Чухрай поступил во Всесоюзный институт кинематографии на режиссерский факультет в мастерскую Юткевича – Ромма.

Практику проходил в качестве ассистента режиссера на картине М. Ромма «Адмирал Ушаков». В 1953 году окончил режиссёрский факультет ВГИКа и работал ассистентом, а затем вторым режиссёром на Киевской киностудии.

В 1955 году по ходатайству Пырьева и Ромма Чухрай был переведен на «Мосфильм» и приступил к созданию первого самостоятельного фильма по повести Б. Лавренева «Сорок первый», который вышел в 1956 году. Фильм получил специальную премию на Каннском кинофестивале в 1957 году.

С этого времени Чухрай работает на «Мосфильме».

В 1959 году прошла по экранам мира следующая лента Чухрая «Баллада о солдате». Она получила две премии на Каннском кинофестивале; номинирована за сценарий на «Оскар»; получила Ленинскую премию в 1961 году. Фильм поразил современников художественной цельностью и внутренней гармонией, сочетанием эпической широты с глубоким проникновением в психологию отдельного человека. Главный герой фильма в исполнении Владимира Ивашова стал символом русского солдата периода Великой Отечественной войны. Блестящие роли в фильме сыграли Евгений Урбанский и Жанна Прохоренко.

Картина «Чистое небо» вышла в 1961 году. Она посвящена осмыслению сталинского периода в истории страны и могла стать основой для подлинного откровения. В картине был собран блистательный актерский ансамбль, прекрасно сыграли свои роли Евгений Урбанский, Нина Дробышева, Олег Табаков. Но в этой картине талант Чухрая уперся в рамки социалистического реализма и не смог перешагнуть их. Картина не смогла подняться на уровень предыдущих работ режиссёра.

Однако эти фильмы стали подлинными шедеврами отечественного киноискусства.

Чухрай пробует себя в разных жанрах кино. Он обращается к лирико-бытовому кинематографу («Жили-были старик со старухой», 1965 год), а потом к художественно-документальному кино («Память», 1969 год).

Следующая работа мастера – фильм «Трясина». Однако картина о матери (в исполнении Нонны Мордюковой), которая ради спасения сына от фронта обрекает его на нравственную и гражданскую смерть, несмотря на всю плодотворность замысла, не вызвала к себе общественного интереса.

В 1980 году осуществлена совместная советско-итальянская политическая постановка «Жизнь прекрасна».

После этого Чухрай перестал снимать кинофильмы. С 1965 года Чухрай был бессменным секретарем Союза кинематографистов СССР Заслуженный деятель искусств РСФСР (1962 год). Народный артист РСФСР (1969 год). Народный артист СССР (8 июня 1981 года). Удостоен трех орденов Трудового Красного Знамени, венгерских орденов «Труда с золотым венцом», «Мира и дружбы» и многих других.

С 1966 по 1976 год Григорий Чухрай в качестве художественного руководителя возглавлял хозрасчетную Экспериментальную творческую киностудию. Она имела особый статус – автономию в выборе сценариев и режиссера.

Григорий Наумович выразил свое отношение к жизни в словах: «Какое счастье думать об интересах своей страны, а не о своих личных интересах!»

Чухрай написал книги «Моя война» и «Мое кино».

Скончался Чухрай 29 октября 2001 года.

Похоронен на Ваганьковском кладбище.

Мотыль Владимир Яковлевич1927–2010советский и российский режиссёр театра и кино

Родился 26 июня 1927 года в белорусском городке Лепель в еврейской семье. Его отец, Яков Давыдович (Данилович) Мотыль, польский эмигрант, работал слесарем на минском заводе «Коммунар». Владимиру было три года, когда отца арестовали по обвинению в шпионской деятельности и отправили в лагерь на Соловки, где спустя менее чем год он погиб. Мать – выпускница Петроградского педагогического института имени А.И. Герцена Берта Антоновна Левина – работала воспитательницей в колонии для малолетних преступников под руководством А.С. Макаренко. Будучи в ссылке, была завучем детского дома для детей репрессированных в городе Оса Пермской области. Детские годы Владимир Мотыль провёл с матерью в ссылке на Урале. Дед Мотыля отказался вступать в колхоз, дом его вместе с крепким середняцким хозяйством был разграблен, а вся многодетная семья выселена на Крайний Север. После возвращения в Белоруссию погибли в гетто в годы немецкой оккупации.

Детство Мотыля проходило в захолустье, где единственным окном в мир было кино, которое привозили в клуб. Черно-белые немые киноленты завораживали Володю, это были образы Чарли Чаплина, «Детства Горького», «Чапаева» и «Веселых ребят». Уже тогда он решил: «Вырасту – буду делать кино». В школе в городе Оса Вова организует кружок, ставит одноактные пьесы, где сам играет главные роли и расписывает картонные декорации. От скромной зарплаты мама отрывает деньги, чтобы выписывать сыну журнал «Советский экран». Но ни в Институт кинематографии в Москве, ни позже на Высшие режиссерские курсы Мотыль не попал. Он закончил актёрское отделение Свердловского театрального института в 1948 году и исторический факультет Свердловского университета в 1957 году (заочно). Работал режиссёром Свердловского драматического театра, затем актёром и режиссёром в театрах в Сталиногорске (ныне Новомосковск Тульской области) и в Нижнем Тагиле. Поставил более 30 спектаклей на провинциальной сцене и в 27 лет в 1955 году стал главным режиссером свердловского ТЮЗа. Мечта «делать кино» не отпускала, и Мотыль уходит на Свердловскую киностудию ассистентом режиссера. После 1960 года не состоял в штате ни одной киностудии страны. Режиссерского образования у него не было, и самостоятельный фильм ему удалось поставить только на Таджикфильме. Это были «Дети Памира» в 1963 году. Фильм принес ему единодушное признание авторитетных критиков в центральной прессе.

В 1967 году Мотыль снял комедию «Женя, Женечка и «катюша» по сценарию, написанному совместно с Булатом Окуджавой. Это был первый комедийный фильм о войне. Его выпустили на экран, и фильм имел оглушительный успех у зрителя. Вызывающие хохот в зале военные авантюры и эскапады постоянно попадающего впросак незадачливого героя принесли фильму огромную популярность. Картина вызвала гнев идеологов кинокомитета и повлекла за собой запрет на профессию.

Спасительной для Владимира Мотыля оказалась созданная к тому времени уникальная студия Григория Чухрая, которая имела право выбирать сценарии и режиссеров. Экспериментальная киностудия в 1969 году пригласила опального режиссера на постановку сценария «Пустыня»… Это вылилось в фильм «Белое солнце пустыни». Борьба за установление советской власти в Средней Азии была только фоном. Этот советский «вестерн» стал культовым, он оказался бестселлером как в советском, так и в мировом прокате кино. В течение нескольких десятилетий на телеэкранах не прекращаются показы фильма, признанного критиками и зрителями классикой. Иностранные компании периодически возобновляют покупку прав на этот фильм.

К 150-летию восстания декабристов в 1975 году Мотыль поставил фильм «Звезда пленительного счастья», но режиссер подошел к этой теме с неожиданной стороны. Картина рассказывает не о тайном обществе и не восстании на Сенатской площади, а о событиях, происшедших уже после него – об испытаниях, которые выпали на долю жен декабристов, последовавших за ними в Сибирь. Этот фильм также был единодушно признан кинокритикой и публикой.

Успех фильмов Мотыля стал все более раздражать партийное руководство. Он систематически отказывался от «современности», от агитсюжетов, славящих советский образ жизни. Ему это не прощали. Его не включали в делегации, выезжавшие за рубеж, где показывались его фильмы, не подпускали его фильмы к международным конкурсам, обходили званиями, наградами. Даже его коллегам не нравилось, что этот режиссер постоянно живет в особом режиме – отказывается войти в штат какой-либо киностудии, где давно отработана система принуждения штатных режиссеров.

Фильм Владимира Мотыля «Лес» (1980 год), снятый по мотивам пьесы А.Н. Островского, запретили. Показанное в фильме ханжество, лицемерие, бездушие, разгул низменных страстей и самодурство слишком были похожи на пороки правящей партийной элиты конца 1970-х годов.

Мотыля вторично изгоняют из кино. Но он был приглашен в Останкино в творческое объединение «Экран» телецентра «Останкино» на должность художественного консультанта телефильмов молодых режиссеров.

В кино Мотыль вернулся лишь в годы перестройки. Он снял фильм «Несут меня кони». Это своеобразная адаптация чеховской «Дуэли» к современной российской действительности.

Мотыль – лауреат Госпремии Таджикской ССР имени Рудаки (1964 год, за фильм «Дети Памира»); почётный гражданин города Душанбе (1977 год). Награждён Орденом Почёта в 1996 году, за фильм «Белое солнце пустыни». Лауреат Государственной премии РФ в области литературы и искусства 1997 года (1998 год, за фильм «Белое солнце пустыни»).

В 2004 году В. Мотыль приступил к съемкам фильма, действие которого основано на реальных фактах из жизни его родителей, под названием «Багровый цвет снегопада». 17 июня 2012 года состоялась премьера на телевидении.

Владимир Мотыль скончался 21 февраля 2010 года в Москве, ему было 82 года.

Похоронен на Востряковском кладбище в Москве.

Эфрос Анатолий Васильевич1925–1987советский театральный режиссер

Анатолий Эфрос (Натан Исаевич Эфрос) родился 3 июля 1925 в Харькове в семье служащих авиационного завода. В годы Великой Отечественной войны, в эвакуации в Перми, вплоть до 1945 года Анатолий работал слесарем на том же заводе. С детства был увлечён театром.

В 1943 году поступил в студию к Ю.А. Завадскому при Театре имени Моссовета, находившемся в то время в эвакуации; в 1944 году поступил на режиссёрский факультет ГИТИСа, который окончил в 1950 году.

В 1951–1953 годах работал в Рязанском драматическом театре.

В 1954–1963 годах – главный режиссер Центрального детского театра. В считанные годы сумел превратить забытый зрителями ЦДТ в один из самых интересных и популярных театров столицы. При Эфросе он перестал быть исключительно детским. Режиссер умел говорить на языке, доступном для юных зрителей, нигде не опошляя и не упрощая своих мыслей, спектакли его подкупали неподдельным интересом к миру переживаний подростка, он увлекался сам и умел увлечь других. В ЦДТ Эфрос ставил почти всё, что писал в те годы Виктор Розов, и эти пьесы дали ему возможность отойти от фальшивой театральщины и тяги к «представлению». Он был убеждённым сторонником Станиславского, в неоднородном наследии которого наиболее актуальным для него оказалось то, что сам реформатор называл «линией интуиции и чувства». В Центральном детском начинали свою карьеру Олег Ефремов и приглашённые Эфросом молодые актёры Олег Табаков и Лев Дуров, и здесь в середине 1950-х, ещё до прихода Товстоногова в БДТ и создания «Современника», началось возрождение российского театра.

В 1963 году Эфросу предложили возглавить Московский театр им. Ленинского комсомола, переживавший не лучшие времена. За короткий срок режиссёру удалось возродить и этот театр; как и ранее в Центральном детском, он отдавал предпочтение современной драматургии, нередко придавая глубину и тем пьесам, которые её не имели. Эфрос и здесь ставил Розова, в котором нашёл своего драматурга, а также Арбузова и Радзинского, большим успехом пользовались его спектакли «В день свадьбы», «104 страницы про любовь», «Мой бедный Марат», «Снимается кино…». Здесь Эфрос впервые соприкоснулся с классикой, поставив в 1966 году «Чайку» А. Чехова, и этот спектакль оказался не менее актуальными. В спектакле Эфроса главным героем стал Треплев, и все остальные персонажи определялись своим отношением к Треплеву; так, Нина Заречная неожиданно оборачивалась хищницей, одержимой жаждой славы и карьеры, и в финале несла заслуженное, по Эфросу, наказание.

Последним спектаклем Эфроса в «Ленкоме» стал «Мольер» М. Булгакова, поставленный в конце 1966 года; вскоре после его премьеры, в начале 1967-го, Эфрос был отстранён от руководства театром. В 1967 году стал очередным режиссёром Московского драматического театра на Малой Бронной. Вместе со своим режиссёром из театра в театр переходила и группа его актёров-единомышленников, в том числе любимая актриса Эфроса – О.М. Яковлева.

А. Дунаев, руководивший театром, не мешал Эфросу создавать свой театр внутри Театра на Малой Бронной; в глазах московских театралов это был скорее «театр Эфроса». За 17 лет работы он создал ряд спектаклей, ставших классикой советского театра. В их числе «Три сестры» Чехова, «Ромео и Джульетта» и «Отелло» Шекспира, «Месяц в деревне» И. Тургенева, «Женитьба» Н. Гоголя, «Дон Жуан» Мольера, в котором заглавную роль в очередь исполняли Михаил Козаков и Николай Волков, и это были два разных спектакля. В этот период о театре Эфроса и его актёрах заговорили как о художественном направлении.

Помимо театра, Анатолий Эфрос много работал на телевидении, поставил ряд спектаклей, снял несколько телевизионных и нетелевизионных фильмов, в том числе «В четверг и больше никогда», вошедший в число лучших лент советского интеллектуального кино. Известен телевизионный спектакль Эфроса «Всего несколько слов в честь господина де Мольера» с Юрием Любимовым в роли Мольера.

В 1976 году он стал заслуженным деятелем искусств РСФСР.

В 1979 году спектакль «Дорога» по поэме Н. Гоголя «Мёртвые души» не получился. В 1984 году вспыхнул конфликт, в результате которого режиссёры Дунаев и Эфрос оказались вынуждены покинуть театр.

В 1983 году, находясь в зарубежной командировке, Юрий Любимов, руководитель Театра на Таганке, дал интервью, где критически отзывался о культурной политике советских властей. В 1984 году Эфрос был назначен главным режиссёром Театра на Таганке вместо Юрия Любимова, который в свое отсутствие был уволен с должности художественного руководителя и спустя несколько месяцев лишен гражданства СССР.

Любимов обвинил своего преемника в пренебрежении корпоративной этикой и солидарностью. Большая часть труппы бойкотировала нового художественного руководителя; несколько известных актёров даже демонстративно покинули Театр на Таганке, ушёл в «Современник» и многолетний соратник Любимова художник Давид Боровский.

Эфрос поставил в театре несколько спектаклей, возобновил «Вишнёвый сад» А. П. Чехова, поставленный им ещё в 1975 году; но труппа режиссёра не приняла, тем более что и эстетика его значительно отличалась от эстетики Любимова. Последним спектаклем Эфроса стал мольеровский «Мизантроп», вышедший осенью 1986 года.

В 1985 году произошла смена руководства страны, сделавшая возможным возвращение Любимова. Эфрос должен был уйти; он подписал коллективное письмо актёров Таганки в поддержку возвращения Любимова, но уходить ему было некуда.

Психологическое и эмоциональное напряжение режиссёра на фоне разраставшегося конфликта послужило косвенной причиной инфаркта.

Эфрос умер 13 января 1987 года.

Похоронен на Кунцевском кладбище Москвы.

Швейцер Михаил Абрамович1920–2000советский кинорежиссёр

Михаил (Моисей) Абрамович Швейцер родился 16 февраля 1920 года в Перми. Весной 1925 года семья переехала в Москву. Окончил режиссёрский факультет ВГИКа в 1943 году. Он учился в мастерской Эйзенштейна. «Я ученик Эйзенштейна, – любил говорить Швейцер. – Я действительно помню многие его заветы…»

Его появление в кино пришлось на период «борьбы с космополитизмом». Уволенный с киностудии «Мосфильм», он только при помощи М.И. Ромма, у которого был ассистентом режиссера на фильме «Человек № 217», смог устроиться на Свердловской киностудии режиссером документальных фильмов.

В 1954 году удалось снять фильм «Кортик» по Рыбакову.

Интерес Швейцера к человеческим судьбам не только в переломные моменты истории, но и в ситуации непростого нравственного выбора во вполне обыденной жизни проявился в его самостоятельных фильмах о советской деревне – «Чужая родня» в 1956 году и в 1957 году «Тугой узел» по Тендрякову.

Следующий фильм Швейцер поставил в 1960 году на историко-революционную тему. Это был «Мичман Панин» с Вячеславом Тихоновым в главной роли. Картина имела успех, что обеспечило Швейцеру место среди советских кинорежиссёров первого ряда.

Картина «Время, вперед!» вышла в 1966 году, она сделана под большим влиянием уроков Эйзенштейна. «Я вообще считаю эту картину своей лучшей», – считал Швейцер. Незаурядное мастерство позволяло режиссеру в этих пафосных, идеологически правильных произведениях («Время, вперёд» по Катаеву, «Бегство мистера Маккинли» по Леонову в 1975 году) находить, кроме аттракционности и заостренности стилевых решений, по-своему стереоскопическое видение отображаемой эпохи. В 1977 году он получил Государственную премию СССР

В полной мере талант Швейцера раскрылся в серии экранизаций литературной классики. Он снял фильмы по произведениям Л.Н. Толстого («Воскресение», 1960–1962 годы; «Крейцерова соната», с Милькиной, 1987 год, Государственная премия РСФСР, 1989 год), И.А. Ильфа и Е.П. Петрова («Золотой телёнок», 1968 год), А.П. Чехова («Карусель», 1970 год; «Смешные люди», 1978 год), А.С. Пушкина («Маленькие трагедии», 1980 год) и Н.В. Гоголя («Мёртвые души», 1984 год). В них режиссёр, бережно, внимательно относясь чуть ли не к каждому слову классиков, сохраняет и личную интонацию, меняющую настроение подчас в пределах одной сцены: от комической, фарсовой, эксцентрической ноты – до печальной, драматической, даже трагической. Эти фильмы вошли в золотой фонд отечественного киноматографа.

В последнее десятилетие своей жизни, тяжёлое для всей российской кинематографии, режиссёр испытывал трудности с реализацией своих проектов, выпустив только два фильма – социальный фарс «Как живёте караси?» (1992 год, совместно с Милькиной) и своеобразный бенефис «Послушай, Феллини» (1993 год, совместно с Милькиной) с Людмилой Гурченко в единственной роли.

Софья Абрамовна Милькина – жена Михаила Абрамовича. Он говорил о ней: «Софья Абрамовна Милькина… кончила ВГИК, тоже как и я, только гораздо позже. Она окончила режиссерский факультет ВГИКа в 1952 году. Ее диплом подписан Александром Петровичем Довженко… Мы с ней познакомились в конце войны, в 1944 году, а поженились в апреле 1945 года, еще война продолжалась, и стали жить вместе своей большой, длинной и очень трудной и интересной жизнью…Она во многом была моим учителем и, во всяком случае, учителем практическим. Она тот человек, единственный, предъявлявший ко мне высокие требования и не позволявший мне никогда сбиться в своей работе и в своем творчестве, сбиться на мелкий, маленький и, я бы сказал, путь не-возвышенного искусства. Этого она мне никогда не позволяла и в меру своих огромных сил духовных, сил творческих и сил организационных, она помогала состояться всему Швейцеру и всему нашему творчеству, всем нашим картинам».

Михаил Швейцер умер 2 июня 2000 года.

Похоронен на Востряковском кладбище Москвы.

Сац Наталия Ильинична1903–1993основатель и руководитель шести детских театров

Наталия Сац родилась 27 августа 1903 года в Иркутске в семье композитора Ильи Александровича Саца и оперной певицы Щастной Анны Михайловны. Илья Сац, отец Наталии, родился в местечке Чернобыль в еврейской семье. Его отец, Александр Миронович Сац, был присяжным поверенным. Илья вырос в Чернигове, где обучался в классической гимназии. Не доучившись, в 1890 году самостоятельно уехал в Киев, работал носильщиком, посыльным. Учился в Киевском музыкальном училище, в 1897–1899 годах – в Московской консерватории по классу виолончели. С 1906 года заведующий музыкальной частью и дирижёр МХТ. Особенной популярностью пользовалась музыка Ильи Саца к постановке «Синей птицы» М. Метерлинка. Илья Сац создал музыкальную драматургию. На музыку Саца исполнялись стихи А.Пушкина, М.Лермонтова, А.Кольцова, К.Бальмонта, А.Фета, А.Блока, Ф.Тютчева. Илья Сац умер 11 октября 1912 года.

Его дочь Наталия получила музыкальное образование – в 1917 году окончила музыкальный техникум имени A.Н. Скрябина. С 1918 года (с пятнадцатилетнего возраста) – заведующая детским сектором театрально-музыкальной секции Моссовета.

В 1918 году по инициативе Н.И. Сац создается первый театр с репертуаром для детей – Детский театр Моссовета.

С 1920 и до своего ареста в 1937 году – директор и художественный руководитель Московского театра для детей (с 1936 года он называется Центральный детский театр).

В 30-е годы Н.И. Сац приглашают ставить спектакли за рубежом. Она является первой в мире женщиной-оперным режиссёром. Большой успех имели её постановки опер «Фальстаф» (Дж. Верди) в Берлинском «Кроль-театре» (1931 год, дирижёр Отто Клемперер) и «Свадьба Фигаро» B.А. Моцарта в Аргентинском оперном «Театро колонн» (1931 год).

Осенью 1937 года года Н. И. Сац была арестована по статье «Член семьи изменника Родины» (её муж, И. Я. Вейцер, крупный советский деятель, был репрессирован). В лагерях ГУЛАГа провела пять лет, освобождена в конце 1942 года.

Поскольку разрешения поселиться в Москве не имела, Сац отправилась в Алма-Ату, где в то время в эвакуации находились многие ведущие артисты того времени. В столице Казахской ССР энергичная Наталия Сац вновь принимается за своё любимое дело, и её усилиями в 1945 году открывается первый в Казахстане Алма-Атинский театр юного зрителя, который Н. И. Сац возглавляет в течение 13 лет.

Сац окончила в 1953 году театроведческий факультет ГИТИСа.

В 1958 году Наталия Сац возвращается в Москву. Она руководит Всероссийским гастрольным театром, а затем – детским отделением Мосэстрады.

В 1964 году возглавляет организацию первого в мире детского музыкального театра. Датой рождения театра принято считать 21 ноября 1965 года, когда на сцене Театра эстрады состоялось первое представление детского музыкального театра – премьера оперы М. И. Красева «Морозко». В 1979 году театр переехал в собственное новое здание на проспекте Вернадского, спроектированное и построенное специально для него. Здание театра увенчано скульптурой Синей птицы, являющейся символом театра. В 1987 году театру присвоено почётное звание академического. В современном здании театра два зала: большой зал – на 1100 мест, с тремя сценами: одна главная и две боковых (в этом зале находится одна из достопримечательностей театра – занавес на тему оперы Н. А. Римского-Корсакова «Садко»); малый зал – на 300 мест, концертный. Театр носит имя основательницы – Н.И. Сац.

В 1976 году студия «Мелодия» выпускала пластинку с музыкальной сказкой на музыку Владимира Высоцкого по мотивам одноимённой сказки Льюиса Кэрролла. Высоцкий потратил на проект 3 года жизни. Пластинку записывали с большими перерывами потому, что Высоцкий постоянно был занят в театре, кино, давал концерты, ездил на гастроли. На художественном совете, где обсуждался выпускаемый фирмой «Мелодия» радиоспектакль «Алиса в Стране Чудес», Наталья Сац обвинила Всесоюзную студию грамзаписи в том, что она «развращает детей чудовищными песнями Высоцкого». Выход сказки был под угрозой. Высоцкий обрисовал ситуацию Белле Ахмадулиной, успев перехватить её перед отлетом за границу. В новогодней «Литературке» она из Парижа поздравила советских людей с Новым годом и с выходом альбома «Алиса в Стране Чудес». Несколько печатных слов в таком солидном издании, какой была тогда «Литературная газета», изменили жизнь. «Алиса…» вышла и повторялась потом многомиллионными тиражами.

Наталия Сац внесла большой вклад в развитие детского театра и художественного воспитания детей, создала целое направление театрального творчества для детей. Явилась инициатором и совместно с С.С. Прокофьевым создателем музыкальной сказки для симфонического оркестра «Петя и волк». Автор пьес, либретто детских опер и балетов, книг и статей по вопросам музыкального воспитания. Народная артистка СССР (1975 год). Герой Социалистического Труда (1983 год). Лауреат Государственной (1972 год), Ленинской премии (1982 год), премии Ленинского комсомола (1985 год), премии СМ СССР (1979 год). Профессор. Член Союза писателей СССР (1962 год).

Наталия Сац умерла 18 декабря 1993 года.

Похоронена в Москве на Новодевичьем кладбище.

Райкин Аркадий Исаакович1911–1987советский эстрадный и театральный актёр, режиссёр

Аркадий Райкин родился 24 октября 1911 года в Риге в еврейской семье портового бракёра строительного леса Ицика (Исаака) Давидовича Райкина и его жены домохозяйки Елизаветы Борисовны Райкиной (ур. Гуревич).

В детстве посещал хедер. Во время учёбы в школе в Рыбинске занимался в драмкружке и увлекался театром.

В начале 1922 году семья Райкиных переехала в Петроград. Мальчик пошел в 4-й класс школы и одновременно посещал драмкружок, руководителем которого одно время был Юрий Юрский, отец знаменитого Сергея Юрского. Юный Аркадий Райкин бредил театром. Продавая втихую книжки и тетрадки, доставал деньги на билеты в театр, за что часто отец ему «всыпывал» как следует. Родители будущего блестящего актера были категорически против актерской профессии сына. Конфликт был настолько серьезным, что юноше пришлось покинуть отчий дом. В 1929 году работал лаборантом на Охтинском химическом заводе.

Заработав необходимый годовой рабочий стаж, Аркадий Райкин поступил в Ленинградский техникум сценических искусств. По распределению попал в Ленинградский ТРАМ (Театр рабочей молодёжи), который вскоре был переименован в театр имени Ленинского комсомола.

Несмотря на театральное образование, подлинным призванием артиста стала эстрада. Известность пришла в Москве в ноябре 1939 года. Аркадий Райкин стал лауреатом 1-го Всесоюзного конкурса артистов эстрады, выступив с номерами «Чаплин» и «Мишка».

В 1939 году был принят в труппу Ленинградского театра эстрады и миниатюр, сначала молодой артист выступал с эстрадными номерами, а позже стал конферансье. Спустя три года Райкин становится художественным руководителем этого театра.

Во время Великой Отечественной войны Аркадий Райкин давал концерты на фронте.

После войны Райкин продолжает работу в Ленинграде в Театре миниатюр и снимается в нескольких картинах.

В это время вместе с писателем-сатириком В.С. Поляковым, созданы театральные программы «На чашку чая», «Не проходите мимо», «Откровенно говоря». Его выступления на радио и телевидении, аудио записи миниатюр пользуются огромной популярностью у публики. Особенно известны его театральные номера, где актёр, быстро меняя облик, стал мастером сценического перевоплощения, создавая целую череду образов совершенно разного характера.

В 1950 году Райкин расстается с драматургом Поляковым. Но в театре по-прежнему один за другим выходят спектакли «Человек-невидимка», «Белые ночи», «Любовь и три апельсина». В них Райкин становится намного злее как сатирик.

Первые зарубежные гастроли театра состоялись в конце 1950-х годов. Успех за рубежом был такой же триумфальный, как и на родине. Критик лондонской газеты «Таймс» писал: «Это было настоящее зрелище, подлинное открытие, такое выступление, которого мы не видели давно… У Райкина есть что-то от Чарли Чаплина, удивительная способность живо и наглядно выражать эмоции, способность создавать образы, которые не нуждаются в пояснении. Мне никогда не приходилось видеть такой игры!»

В 1965 году Райкин едет с театром на гастроли в Англию, которые проходят с большим успехом.

Во время гастролей в Одессе Райкин заметил талантливых актёров молодежного театра «Парнас-2». Он приглашает работать в свой театр одесситов Михаила Жванецкого, Романа Карцева, Виктора Ильченко и Людмилу Гвоздикову. В 1967 году Райкин взял Жванецкого в штат театра, сначала артистом, потом заведующим литературной частью. Вместе они создали несколько запоминающихся эстрадных номеров. В 1969 году в сотрудничестве с М.М. Жванецким была поставлена программа «Светофор». Но два выдающихся юмориста и сатирика недолго смогли проработать вместе. Михаил Жванецкий писал: «…я знаю только команду Ленинградского Государственного театра миниатюр под руководством… Аркадия Райкина… человек там одиннадцать-тринадцать-четырнадцать артистов, не помню. Но это действительно команда. Во главе стоял абсолютно гениальный великий игрок, и все ему подавали мячи. Потому что он был кровопийца и тиран, как художественный руководитель. Он не терпел, если кто-то играл и кто-то забивал. То есть играть – играй, но не забивай. Ты играй на меня, а я буду забивать, я знаю, как это делать».

Только 1968 году Райкину присвоили звание народного артиста СССР, после 33 лет непрерывной работы театра и самого Аркадия Райкина, после того, как его театр объездил все уголки Советского Союза.

Затем последовал нелегкий период в жизни Аркадия Райкина. Сохранились воспоминания о них. Весной 1970 года отмечалось 100-летие со дня рождения В.И. Ленина. Райкин, отталкиваясь от этой даты, решил сотворить действо особой остроты, особого накала… Артист стремительно выбегал на сцену и с ходу начинал монолог: «Остроумная манера писать состоит, между прочим, в том, что она предполагает ум также и в читателе…» В зале – звенящая тишина… А артист после секундной паузы добавляет: «Владимир Ильич Ленин. «Философские тетради»… В семидесятом, ревностным охранителям «системы» эти цитаты казались прямо-таки «контрреволюцией»… Спектакль зрители принимали восторженно… Каждый вечер стала располагаться на первых стульях комиссия… Вскоре артиста вызвали в ЦК, и там чиновник стучал по столу кулаками и советовал Райкину «поменять профессию»… У Райкина случился инфаркт, после которого он стал совершенно седым. В Москве и Ленинграде ему запретили выступать. Театр отправили на длительные гастроли в Петрозаводск. Лишь в 1971 году Райкин вернулся в Ленинград.

В 1974 году Центральное телевидение наконец обратило внимание на Райкина. С его участием начались съемки сразу двух телефильмов «Люди и манекены» (четырехсерийный фильм) и «Аркадий Райкин».

В 1980 году Райкину была присуждена Ленинская премия. В 1981 году он удостоился звания Героя Социалистического Труда.

Когда отношения Райкина с партийными властями Ленинграда стали ухудшаться, он попросил у Брежнева разрешения перебраться ему вместе с театром в Москву. В 1982 году театр Аркадия Райкина переехал в Москву и был переименован в Государственный театр миниатюр, в апреле 1987 года получил имя «Сатирикон».

Аркадий Райкин обладал блестящим талантом от природы, он был, безусловно, высоким профессионалом, что достигается огромным трудом. Главной составляющей непревзойденного артиста было личное обаяние, завораживающее любого зрителя.

Последние гастроли Аркадия Райкина состоялись в Америке.

Райкин скончался 17 декабря 1987 года.

Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Кио Игорь Эмильевич1944–2006артист цирка, иллюзионист

Игорь Кио родился 13 марта 1944 года в Москве. Отец – Эмиль Теодорович Ренард-Кио (Гиршфельд), мать – Евгения Васильевна Гиршфельд. В 1917 году Эмиль работал в театре миниатюр, затем перешёл в цирк Чинизелли (Польша). Цирк был его жизнью и остался ею до конца. В цирке Эмиль подрабатывал администратором, униформистом, через какое-то время вышел на манеж, показывая фокусы. Свои иллюзионистские номера Эмиль Теодорович демонстрировал шутливо, постоянно общаясь со зрителем, и привлекал к работе клоунов. После 1947 года знаменитый маг создавал целостные представления-ревю. Своими невероятными красочными и интересными номерами он покорил весь мир. Когда Эмиль Теодорович жил в Варшаве, то рядом с его домом была синагога. Молитвы в новогодние праздники сопровождались многократно повторявшимися громкими возгласами: Ткио! Ткио! Ткио! Они и послужили отцу для выбора артистической фамилии, ставшей династической.

Игорь Кио был сориентирован в профессии, что называется, с пелёнок. Впервые на арене он появился вместе с лилипутами в программах отца. А настоящий самостоятельный дебют Игоря Кио состоялся уже в 15 лет в 1959 году на арене Московского цирка, когда ему пришлось подменить заболевшего отца.

Игорь Кио с детства любил футбол. Еще мальчишкой занимался в футбольной школе под руководством знаменитого К.И. Бескова, чем очень гордился, так же как и дружбой с мэтром футбола. Константин Иванович даже не раз говорил его отцу, что из него может получиться хороший футболист, поскольку забивал Игорь больше других.

Следуя творческим заветам отца, Игорь Кио стремился придать своим выступлениям характер целостного спектакля. В быстром темпе зритель не замечает, как попавшая в клетку женщина превращается в грозного льва под куполом цирка, как распиливается девушка, а видит лишь отдельно болтающуюся голову и ноги, утки появляются из пустой ёмкости, женщина проходит сквозь стекло, манекенщицы в доли секунды меняют одежду, а вместо женщины падают хлопья пепла. Игорь Кио первым создал в цирке профессиональный балет, состоящий из 18 человек.

В Советском Союзе спрос на Кио был настолько велик, что в течение 30 лет своей работы ему приходилось давать по 500–600 представлений в год. В СССР цирк посещали более 50 млн. человек ежегодно. На представлениях Игоря Кио никогда не было пустых мест. Многие иллюзионные номера, созданные Эмилем Теодоровичем, ставшие непревзойденными шедеврами мирового искусства, вошли и в репертуар Игоря Кио. Это и знаменитые «Сжигание женщины», и «Превращение женщины во льва», и «Распиливание женщины». Им выпущен целый ряд принципиально новых номеров, среди которых: «Моды», «Аквариум», «Рояль в воздухе», «Ящик Гудини», «Появление медвежонка» и другие.

В 1977 году в Ленинграде состоялась премьера программы «Избранное-77», в которую входили номера из классического репертуара прошлых лет и новые программы Игоря Кио. А уже через несколько лет появился иллюзионный аттракцион «Раз-два-три», который был создан Игорем Кио совместно с О. Левицким.

Работа Игоря Кио никогда не ограничивалась только цирком. Он выступал во Дворцах спорта и театрах во многих городах страны.

В 1985 году Кио была поставлена программа в Театре эстрады (авторы О. Левицкий и Б. Пургалин) под названием «Без иллюзий», в которой принимали участие эстрадные артисты.

Игоря Кио справедливо называют «загадкой ХХ века», «королем волшебников». Он побывал с гастролями в Японии в 1965 году, в США в 1967–1968 годах, совместно с Ю.Никулиным, в Бельгии, Франции в 1969–1970 годах, а также в Турции, Югославии, Германии и многих других странах.

В 1989 году Игорь Кио ушел из Союзгосцирка и создал фирму «Шоу-иллюзион Игоря Кио», которая занимается организацией не только собственных гастролей, но и выступлений других коллективов.

В начале 1990-х годов в Кремлевском дворце съездов была представлена программа «В 6 часов вечера после зимы», в которой участвовало много артистов эстрады. А в 1995 году на сцене Театра эстрады шла программа «Волшебник XX века», поставленная Игорем Кио совместно с А. Аркановым.

Кио – единственный иллюзионист в мире, удостоенный международной премии «Оскар», которая вручается по решению Общества журналистов и критиков Бельгии Королевским цирком Брюсселя. В 1999 году Игорь Кио был избран почётным академиком Национальной академии циркового искусства России. В 2003 году ему было присвоено звание народного артиста РФ.

Игорь Эмильевич скончался 30 августа 2006 года.

Похоронен рядом с могилой отца на Новодевичьем кладбище.

Утесов Леонид Осипович1895–1982советский эстрадный артист

Леонид Осипович Утёсов (Лазарь (Лейзер) Иосифович Вайсбейн) родился 21 марта 1895 года в Одессе в многодетной еврейской семье мелкого коммерсанта Осипа (Иосифа) Калмановича Вайсбейна и Малки Моисеевны.

Леонид учился в Одессе в коммерческом училище, откуда в 1909 году был отчислен за плохую успеваемость и низкую дисциплину. После непродолжительной работы в бродячем цирке (в качестве гимнаста) вернулся в Одессу, где учился играть на скрипке. В 1912 году устроился в Кременчугский театр миниатюр и взял сценический псевдоним Утесов. Как рассказывал Леонид Осипович: «… я решил взять себе такую фамилию, какой никогда ещё ни у кого не было, то есть просто изобрести новую. Естественно, что все мои мысли вертелись около возвышенности… Утёсов? – мелькнуло у меня в голове… Да, да! Утёсов! Именно Утёсов!»

В 1913 году поступил в одесскую труппу Розанова, до революции играл в ряде театров.

В 1917 году Утёсов победил в конкурсе куплетистов в Гомеле и поехал в Москву, где выступал в столичном саду «Эрмитаж». 26 октября 1898 года в театре «Эрмитаж» премьерой спектакля «Царь Федор Иоаннович» был открыт Московский художественный общедоступный театр под руководством Станиславского и Немировича-Данченко. На этой же сцене состоялись премьеры пьес Чехова «Чайка» и «Дядя Ваня». Здесь ставились оперные спектакли труппы Мамонтова, в качестве дирижера Русской частной оперы дебютировал Рахманинов. Проходили бенефисы Шаляпина, пели Собинов, Нежданова, Вяльцева, Вавич.

Здесь гастролировали Сара Бернар, Эрнесто Росси, Густаво Сальвинии. Тут выступала выдающаяся русская балерина Анна Павлова.

В 1919 году Утёсов впервые снялся в кино. В 1921—28 годах играл в таких театрах, как Театр революционной сатиры (Москва), Театр музыкальной комедии, Палас-театр, Свободный театр (Ленинград), «Маринэ» (в Риге). В 1925 году снялся в двух фильмах.

В 1928 году, будучи в турпоездке с семьей в Париже, Утёсов услышал американский джаз-оркестр Теда Льюиса, который поразил его тем, что потом сам Утёсов называл «театрализацией».

По возвращении в Ленинград он создал собственный «Теа-джаз», первое выступление которого состоялось 8 марта 1929 года на сцене ленинградского Малого оперного театра.

Успех был значительным, и с этого момента Утёсов стал руководителем (первый год вместе с трубачом Яковом Скоморовским) джаз-оркестра. Тогда коллектив Утёсова исполнял западные шлягеры и специально написанные инструментальные композиции и песни, которые постепенно заняли основное место в программах оркестра. Это был совершенно новый для эстрады того периода жанр. Утесов совмещал дирижирование с конферансом, танцами, пением, игрой на скрипке, чтением стихов. Разыгрывались разнообразные сценки между музыкантами и дирижером. Все выступление было режиссерски объединено, начиная со знакомства с публикой и кончая прощальной песней «Пока», для трансляции которой использовались киноэкран и репродукторы, установленные на фасаде концертного здания.

Большую роль в становлении Утёсова как музыканта и артиста сыграла его личная и творческая дружба с композитором Дунаевским, написавшим для «Теа-джаза», в частности, джазовые «рапсодии» – обработки русских, украинских и еврейских (на идиш) песен, а также немало песен на стихи современных советских поэтов. В начале 1930-х годов поэт-песенник Лебедев-Кумач по просьбе Утесова написал новые тексты для песен. Вторая программа оркестра «Джаз на повороте» (1930 год) состояла из оркестровых фантазий на темы народных песен и четырех рапсодий, написанных Дунаевским, – «Русской», «Украинской», «Еврейской» и «Советской». По-новому зазвучали популярные мелодии «Во субботу день ненастный», «Виют витры» и другие. В дальнейшем Утесов часто включал в свои программы джазовые интерпретации мелодий народов СССР, объясняя это так: «Если у американского джаза негритянский фольклор, то почему у нас не может быть грузинского, армянского или украинского?»

В 1933 году в репертуаре коллектива появляется пьеса «Музыкальный магазин». В одной из сцен оркестр пародировал механизированный, бездушный джаз, исполняя переложенные Дунаевским в ритме фокстрота арию индийского гостя из «Садко» Римского-Корсакова, «Сердце красавицы» из «Риголетто» Верди и некоторые темы из «Евгения Онегина» Чайковского.

Следующая программы оркестра – «Кармен и другие» – продолжала успешные интерпретации джазом классической музыки. В ней комически обыгрывались эпизоды известной оперы музыкой Бизе.

В 1934 году вышел на экраны кинофильм «Весёлые ребята» с Утёсовым в главной роли и с участием его оркестра (музыку к картине писал Дунаевский, тексты песен – Лебедев-Кумач). Песни обрели большую популярность. Проходивший в Лондоне конгресс мира и дружбы с СССР (1937 год) заканчивался под «Марш веселых ребят».

В 1937 году джаз-оркестр Утесова представил программу в двух отделениях «Песни моей Родины». В первую часть вошли песни о гражданской войне («Тачанка», «Полюшко»), вторую составили лирические и комедийные песни. Программа шла несколько лет, вплоть до начала Великой Отечественной войны.

В 1938 году Утесов в качестве художественного руководителя выпустил спектакль «Два корабля», в котором прозвучали песни «Варяг», «Раскинулось море широко», «Моряки», «Краснофлотский марш», «Баллада о неизвестном моряке».

В 1939 году написал свою первую книгу «Записки актера».

Играл, пел и дирижировал оркестром в киноконцерте «Пароход», который по праву считается прообразом современных видеоклипов.

В 1941 году оркестр Утесова репетировал новую программу «Напевая, шутя и играя» в московском «Эрмитаже».

Началась война. Оркестр в короткий срок создает первую военную программу «Бей врага!», в которой наряду с уже известными песнями звучат новые произведения: «И не раз и не два мы врага учили», «Партизан Мороз-ко», «Привет морскому ветру». За первый год войны оркестр дал свыше 200 концертов на заводах, кораблях, в действующей армии на Калининском фронте, постоянно включая в программу новые песни: «Жди меня», «В землянке», «Темная ночь», «Одессит Мишка», сатирические антифашистские частушки «Гадам нет пощады!» Неоднократно во время таких поездок оркестр попадал в опасные ситуации, под бомбёжки.

В июне 1942 года Леониду Утесову было присвоено звание заслуженного артиста РСФСР

Вторая программа военных лет явилась откликом на начало серьезных успехов Красной армии. В нее были включены песни: «Прощание», «Пароход», «Десять дочерей», «Два друга», «Песенка военных корреспондентов», «О чем ты тоскуешь, товарищ моряк?»

В 1944 году оркестр представил новую джаз-фантазию «Салют», в которой прозвучали отрывки из симфонических произведений, свыше двадцати старых и новых песен, лирические и сатирические интермедии.

9 мая 1945 года при огромном стечении народа Утесов выступил с оркестром на открытой эстраде на площади Свердлова в Москве.

К 800-летию Москвы в 1947 году утесовский коллектив подготовил оркестровую фантазию «Москва», в финале которой впервые исполнялась песня Дунаевского «Дорогие мои москвичи!» Дочь Утесова, Эдит Леонидовна, которая с 1936 года была солисткой его оркестра, в дуэте с мужем режиссёром Альбертом Гендельштейном исполняла эту песню.

В 1952 году появилась программа «Музыка толстых», центральное место в которой занимала сатира на международные темы. 25-летие коллектива (1954 год) было отмечено эстрадным спектаклем «Серебряная свадьба», в котором среди прочих Утесов исполнил одно из последних произведений Дунаевского «Я песне отдал все сполна». Песня вошла в фильм «Веселые звезды».

В марте 1960 года в Московском театре эстрады была представлена программа «Тридцать лет спустя». В ней, наряду с обычным репертуаром, оркестр исполнил сложные классические произведения – марш Прокофьева из оперы «Любовь к трем апельсинам» и пьесу Дебюсси Reverie. Отличие от западного, якобы чисто танцевального джаза, подчеркивалось пародийным номером «Эволюция западного танца».

В 1965 году Леониду Утесову было присвоено звание народного артиста СССР. Он стал первым артистом эстрады, удостоенным этого звания.

В последние годы Леонид Осипович с оркестром не выступал (кроме единичных случаев, когда он исполнял по 1–2 песни). Утесов написал еще одну книгу «Спасибо, сердце!», руководил оркестром, много снимался на телевидении. В декабре 1981 года состоялось последнее выступление Утесова. Леонид Осипович говорил: «Я пою не голосом – я пою сердцем!»

Леонид Утёсов скончался 9 марта 1982 года в Москве.

Похоронен на столичном Новодевичьем кладбище.

Урбанский Евгений Яковлевич1932–1965советский актёр театра и кино

Евгений Урбанский родился 27 февраля 1932 года в Москве. Отец, Яков Самойлович, ответственный комсомольский и партийный работник, занимал в то время пост второго секретаря ЦК Компартии Узбекистана. В 1938 году он был репрессирован, отбывал срок в лагере под Воркутой. Мать, Полину Филипповну, с двумя сыновьями выслали в Алма-Ату. В 1946 году Якова Самойловича отправили на шахту в Инту (Коми АССР), туда же перебралась и вся семья.

В 1950 году Евгений Урбанский поступил в Московский дорожный институт, откуда потом перевелся в горный, где стал активным участником художественной самодеятельности. В 1952 году был принят в Школу-студию МХАТ на курс народного артиста СССР Топоркова. Он довольно долгое время ходил на занятия в горняцком кителе, полученном еще в горном институте, и Олег Табаков, который был его однокурсником, вспоминал: «Он был похож на шахтера, каким его тогда изображали на плакатах, в кино, в театре: здоровый, кудрявый, белозубый».

С 1957 года – актёр Московского драматического театра имени К.С. Станиславского.

Творческая карьера Евгения Урбанского была короткой, но очень яркой.

В 1956 году режиссер Юлий Райзман начал съемки фильма «Коммунист», и Евгений, узнав об этом, тут же явился и предложил себя на главную роль. Сделанные фотопробы понравились не всем, но режиссер, успевший к тому времени просмотреть многих актеров, все же решил рискнуть, взяв никому не известного студента Евгения Урбанского на главную роль коммуниста Василия Губанова.

Съемки оставили в памяти Евгения не самые лучшие воспоминания: «Съемки – это какая-то мука, знал бы, не пошел. Я буквально подыхал на съемочной площадке от ужаса, что ничего не выходит». Вышедший в 1957 году «Коммунист» получил главные призы год спустя на фестивалях в Венеции и Киеве, а еще через год картина была названа в числе трех лучших фильмов года по опросу читателей журнала «Советский экран».

Лента «Коммунист» принесла Евгению Урбанскому всесоюзную славу – прохожие узнавали его на улице и просили автографы, а многие режиссеры наперебой стали предлагать ему роли в своих новых картинах. Урбанский, помня свои муки на съемках «Коммуниста», не торопился принимать предложения и в течение двух лет практиковался в актерстве на театральной сцене, играя в месяц по 22–25 спектаклей.

Только в середине 1958 года Урбанский согласился на роль в фильме Григория Чухрая «Баллада о солдате». Он сыграл безымянного инвалида, которого герой фильма Алёша Скворцов случайно встречает на вокзале. Фильм имел огромный успех.

Вскоре после съёмок фильма в судьбе Урбанского произошло важное событие – он встретил женщину, которая вскоре стала его женой. Это была Дзидра Ритенбергс. В ту пору ей было 30 лет, она была уроженкой латышского города Лиепаи. Слава пришла к ней в 1957 году после того, как она сыграла роль горьковской Мальвы в фильме с одноимённым названием.

Следующей крупной, но так и не ставшей удачной киноролью актера стала роль таежного проводника Сергея в картине Михаила Калатозова «Неотправленное письмо». Эта неудачная роль повлияла на творческую карьеру Урбанского, он не снимался до тех пор, пока его опять не пригласил Чухрай в фильм «Чистое небо» на главную роль. По своей драматургии эта работа была одной из самых сложных в творческой биографии актера. По сюжету картины его герою пришлось пережить различные жизненные коллизии, взлеты и падения: от успеха на службе и внезапной любви до вражеского плена, изгнания из партии, неверия в людей и, как завершение всех жизненных перипетий, медленного обретения веры в себя и в любимого человека. Эта картина очень понравилась как зрителям, так и критикам. Урбанский стал лауреатом Всесоюзного кинофестиваля в номинации «Первый приз за мужскую роль» за 1959 год.

Все это время Урбанский был актером театра имени Станиславского. Театральная судьба его складывалась довольно интересно и успешно – за восемь лет своего пребывания в театре он сыграл на его сцене 14 ролей: Мышлаевского в «Днях Турбинных» Булгакова, Джона Проктора в «Сейлемских ведьмах» Миллера, чекиста Лациса в «Шестом июля» Шатрова, Пичема в «Трехгрошовой опере» Брехта и другие. Однако, несмотря на то что к середине 1960-х годов он был одним из ведущих актеров этого театра, ни одну из сыгранных им театральных ролей он не считал до конца удавшейся…

В 1962 году Урбанский получил звание заслуженного артиста РСФСР.

Фильм режиссера Василия Ордынского «Большая руда» вышел в 1963 году. В нем Урбанский исполнил главную роль, которая радости актеру не принесла, он считал, что она не получилась.

В это же время Урбанский прошел пробы на главную роль в картине Салтыкова и Москаленко «Председатель». Михаил Ульянов считал, что, Урбанский «был актером резким, могучим, с настоящим сильным темпераментом и очень выразительной, прямо скульптурной внешностью. Казалось, и сомнения быть не могло, что Урбанский подходит к образу Егора Трубникова, к его темпераменту, напору, его силе». Но режиссеры решили, что Урбанский может сыграть чересчур героически, очень сильно, отчего исчезнет мужиковатость и некая «заземленность» Егора.

Различные творческие вечера Евгений не любил, но не от пренебрежения к зрителям, которые пришли на встречу с любимым кумиром, а из-за скромности актера, не считавшего себя кем-то выдающимся и откровенно стеснявшегося своей славы.

Режиссер Салтыков (тот самый, который не утвердил Урбанского на роль Егора Трубникова) в своем новом фильме «Директор» предложил ему главную роль. На этот раз актеру предстояло перевоплотиться в директора автомобильного завода. Евгений, страстно желая после малоудачной роли в «Большой руде» и неполученной роли в «Председателе» реабилитироваться в глазах своих поклонников, с энтузиазмом принял предложение.

На съёмочной площадке, в сорока километрах от Бухары, снималась сцена проезда автоколонны по пескам. Согласно сценарию машина Зворыкина (героя Урбанского) должна промчаться прямо через барханы, обогнать колонну и возглавить её. Наиболее сложный кадр в этой сцене – прыжок машины с одного из барханов. В этом не было ничего опасного, но все же предложили, чтобы снимался дублер. Евгений, подойдя к кинокамере и посмотрев в глазок, сказал, что получится отличный крупный план и он его ни за что не уступит. Первый дубль прошёл нормально, но второй режиссёр, который вёл в этот день съёмку, предложил сделать ещё один дубль, хотел, чтобы машина подпрыгивала выше. На втором дубле машина неожиданно перевернулась.

5 ноября 1965 года Урбанский умер по пути в больницу.

Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.

Прудкин Марк Исаакович1898–1994советский и российский актёр театра и кино

Марк Исаакович Прудкин родился 13 сентября 1898 года в городе Клин в семье портного Исаака Львовича Прудкина и Рахили Лазаревны Прудкиной.

Марк окончил Клинское реальное училище. Там он участвовал в любительских спектаклях. С 1918 по 1924 год учился во 2-й Студии МХТ (параллельно в 1918–1919 годах учился на юридическом факультете Московского университета).

В 1924 году сообща с соучениками по 2-й Студии Прудкин входит в труппу МХАТ, которому отдаст всю последующую жизнь.

Еще со времен студии ему особенно удавались роли героико-романтического плана: Карла Моора в «Разбойниках» Шиллера, Дона Луиса в «Даме-невидимке» Кальдерона. На сцене Художественного театра Станиславский доверил ему образ Чацкого в возобновленном «Горе от ума» Грибоедова в 1925 году.

Со временем творческий диапазон Прудкина расширялся, чему способствовали его талант перевоплощения, способность вникать в психологическую сущность создаваемого образа, внимание к внешним атрибутам – костюму, гриму, мимике. Всё это позволяло актёру показывать на сцене самых различных, порой противоположных по характеру персонажей. Он играл совершенно различных по темпераменту персонажей: легкомысленный адъютант Шервинский («Дни Турбиных» М. Булгакова, 1926 год), мрачный капитан Незеласов («Бронепоезд 14–69» Вс. Иванова, 1927 год), самоуверенный и трусливый Кастальский («Страх» Афиногенова, 1932 год), Вронский (1937 год) и Каренин (1957 год) в «Анне Карениной» по Л.Н. Толстому, Дульчин («Последняя жертва» А.Н. Островского, (1946 год), честолюбивый карьерист инженер Мехти-Ага («Глубокая разведка» А. Крона, 1946 год, Сталинская премия), Фёдор Павлович Карамазов («Братья Карамазовы» по Достоевскому, 1961 год), Бейкер («Зима тревоги нашей» по роману Стейнбека, 1964 год).

В 1961 году Марку Прудкину было присвоено звание народного артиста СССР.

В эти годы он получил три Сталинские премии (1946, 1947, 1949 годы).

Вместе с О.Н. Андровской и другими «великими стариками» МХАТа – А.Н. Грибовым, В.Я. Станицыным и М.М. Яншиным – играл в специально поставленном для них знаменитом спектакле «Соло для часов с боем» по пьесе О. Заградника (1973 год). За этот спектакль Прудкин получил Государственную премию РСФСР 1-й степени им. К.С. Станиславского.

В 1983 году сыграл Понтия Пилата в спектакле «Бал при свечах» по роману М. Булгакова «Мастер и Маргарита».

Прудкин настороженно относился к кино: снявшись в 1927 году в немом фильме Я.А. Протазанова «Человек из ресторана» (в роли офицера), а далее в фильме «Седьмой спутник» (кроме того в роли офицера, 1928 год), артист на протяжении больше чем сорока лет с этим видом искусства дела не имел, не решаясь перешагнуть за порог сцены. В 1960 году перед началом работы над экранизацией романа Достоевского «Братья Карамазовы» кинорежиссер И.А. Пырьев дважды смотрел Прудкина в роли Федора Павловича Карамазова в спектакле Немировича-Данченко постановки 1910 года «Братья Карамазовы». Он настойчиво приглашал артиста вынести своего театрального героя на экран. Прудкин уговорам поддался: фильм вышел в 1969 году. От предложения Г.М. Козинцева сняться в роли короля Лира артист категорически отказался, не ощущая близости с искусством кинематографа.

Небольшие, но запоминающиеся роли он сыграл в фильмах «Двенадцать стульев», «Блондинка за углом».

Одной из вершин стал образ князя К. в телеспектакле А. Орлова «Дядюшкин сон» в 1981 году.

В 1987 году была выпущена грампластинка с записями фрагментов лучших работ Марка Прудкина последних лет в театре, на телевидении и радио.

18 августа 1989 года Марку Исааковичу Прудкину присвоено звание Героя Социалистического Труда.

Скончался Марк Прудкин 24 сентября 1994 года.

Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Раневская Фаина Георгиевна1896–1984советская актриса театра и кино

Фаина Георгиевна (Григорьевна) Раневская (Фаина Гиршевна Фельдман) родилась 27 августа 1896 года в Таганроге в состоятельной еврейской семье. Отец, Фельдман Гирши Хаймович, был владельцем фабрики сухих красок, нескольких домов, магазина и парохода «Святой Николай». Мама – Фельдман Милка Рафаиловна Заговайлова. Помимо неё в семье уже было два старших сына и дочь. В юности Фаина очень завидовала красоте своей сестры, и в будущем всех красивых девушек она называла «фифами».

Живя в семье без всяких материальных проблем, где у нее были еще братья и сестра, горячо любимая мать, девочка чувствовала себя несчастливой и одинокой. Причиной ее повышенной ранимости была в легком заикании, которым Фаина страдала от рождения. Боясь насмешек, Фаина избегала сверстников, не имела подруг, не любила учиться. С трудом проучившись в младших классах Мариинской женской гимназии, Фаина упросила родителей забрать ее оттуда. «Училась плохо, арифметика была страшной пыткой. Писать без ошибок так и не научилась. Считать тоже», – вспоминала Раневская.

Увлечение кино пришло Фаине лет в двенадцать, театром в четырнадцать лет. Выйдя из гимназии, посещала занятия в частной театральной студии. Настоящее потрясение испытала она в 1913 году, когда побывала на спектакле «Вишневый сад» А.П.Чехова на сцене Московского Художественного театра, где играли звезды тех лет.

Отец снисходительно относился к увлечению дочери до тех пор, пока она не объявила о своем решении стать профессиональной актрисой. Это вызвало скандал и разрыв с семьей.

В 1915 году Фаина покинула Таганрог и уехала в Москву. Она жила в маленькой комнатке на Большой Никитской. Именно в эти годы она знакомится с Мариной Цветаевой, Осипом Мандельштамом, Маяковским, Качаловым.

Мать Фаины тайком от отца посылала дочери денежные переводы. Однажды, получив перевод, она выходила из дверей банка. Фаина вспоминает: «Порыв ветра вырвал у меня из рук купюры – всю сумму. Я остановилась и, следя за улетающими банкнотами, сказала: «Как грустно, когда они улетают!» – «Да ведь вы Раневская! – воскликнул спутник. – Только она могла так сказать!» Когда мне позже пришлось выбирать псевдоним, я решила взять фамилию чеховской героини. У нас есть с ней что-то общее, далеко не всё, совсем не всё…»

Весной 1917 года вся семья Фельдман эмигрировала, Фаина осталась одна в России. В Ростове она познакомилась с актрисой Павлой Леонтьевной Вульф, в лице которой обрела надежного друга на всю жизнь. В годы гражданской войны Вульф приютила Раневскую, а помогал им выжить знаменитый драматург Макс Волошин.

Окончив частную театральную школу, Фаина играла во многих театрах, начиная с провинциальных (Подмосковье, Крым, Ростов-на-Дону, Баку, Архангельск, Смоленск и другие), а затем в московских.

Все эти годы Раневскую не покидает мысль о Москве. В 1930 году она пишет письмо главному режиссеру московского Камерного театра Александру Таирову с просьбой принять ее. И вот с 1931 года Раневская становится актрисой этого театра. Дебютирует в Москве Раневская ролью в спектакле «Патетическая соната».

Дебютировала в кино в 1934 году в фильме Михаила Ромма «Пышка». Приехавший в Советский Союз Ромен Роллан был в восторге от фильма. Среди актеров он выделял в первую очередь Раневскую. По его просьбе «Пышку» продемонстрировали во Франции. И картина прошла там с огромным успехом.

Раневская в 1935 году уходит в Центральный театр Красной армии. Здесь ей довелось сыграть мать в пьесе «Чужой ребенок», сваху в пьесе Островского «Последняя жертва», Оксану в пьесе Корнейчука «Гибель эскадры» и главную роль в пьесе Горького «Васса Железнова».

В 1939 году Раневскую пригласили в Малый театр. Из театра Красной армии ее отпускать не хотели, и актриса ушла со скандалом. В то же время старейшины Малого оказались категорически против ее прихода в труппу. В итоге Раневская осталась без работы… Но она снимается сразу в трех кинокартинах. В фильме «Человек в футляре» она сыграла роль жены инспектора, в картине «Ошибка инженера Кочина» – роль жены портного Гуревича Иды. Но настоящую известность актрисе принесла комедия Татьяны Лукашевич «Подкидыш». В «Подкидыше» Раневская сыграла самоуверенную, командующую подкаблучником-мужем женщину. Актриса специально для своей роли придумала несколько хлестких фраз. Одна из них: «Муля, не нервируй меня!» – стала по-настоящему крылатой. Эта фраза впоследствии преследовала ее всю жизнь.

В 1940 году Михаил Ромм пригласил Фаину Раневскую сниматься в социально-психологической драме «Мечта». Актриса рассказывала: «За всю долгую жизнь я не испытывала такой радости ни в театре, ни в кино, как в пору нашей второй встречи с Михаилом Ильичем. Такого отношения к актеру – не побоюсь слова «нежного», – такого доброжелательного режиссера-педагога я не знала, не встречала».

В 1943 году Раневская вернулась из эвакуации в Москву и была принята в Театр драмы (ныне – театр имени Маяковского). Она была приглашена на роль Мамаши в фильме «Свадьба». В «Свадьбе» снялись: Эраст Гарин, Зоя Федорова, Алексей Грибов, Осип Абдулов, Михаил Яншин, Сергей Мартинсон, Вера Марецкая, Николай Плотников, Михаил Пуговкин и многие другие. Раневская, создавая образ, пользовалась наблюдениями из реальной жизни. «Похожести гримом тут не добьешься. Я ведь напяливала платье, подтягивала кверху нос, надевала парик и шляпку и выходила на съемочную площадку, почти не гримируясь. Все дело тут в манере говорить, слушать, думать. Ходить и жестикулировать – это уже потом», – считала актриса.

В 1947 году на экраны вышла комедия Григория Александрова «Весна» с Любовью Орловой и Николаем Черкасовым в главных ролях. Фаине Раневской в сценарии отводился лишь один эпизод. Александров предложил актрисе самой сделать себе роль. Раневская придумала множество веселых фраз и диалогов. Вместе с Ростиславом Пляттом они внесли в картину комедийную, характерную, водевильную стихию. Эти роли второго плана у Раневской и Плятта запомнились зрителям больше, чем главные герои.

В 1947 году Раневская также сыграла мачеху в знаменитой сказке «Золушка» режиссера Надежды Кошеверовой. Эта картина одна из немногих, принесших актрисе настоящую радость. Раневская сыграла с присущей ей яркостью, правдоподобностью. Автор сценария Евгений Шварц, болезненно бережно относившийся к каждой фразе, каждому слову в сценарии, Раневской с удовольствием позволял отсебятину. Мачеха – одна из лучших комедийных ролей Раневской. Удивительно, но она – сугубо отрицательный персонаж сказки – вызывает у зрителей настоящий восторг.

В 1949 году Раневская поступает на работу в Театр им. Моссовета. Здесь она играла очень мало.

С большим трудом ее уговорили на роль старухи в спектакле «Рассвет над Москвой». Ее героиня по сценарию представляла этакую матерь-совесть, режущую правду-матку. Великая актриса от скуки и раздражения превратила свою роль в капустник на заданную тему, и каждое ее появление на сцене сопровождалось аплодисментами.

Пребывание Раневской в Театре им. Моссовета сопровождалось частыми конфликтами с главным режиссёром Завадским, которые порождало несходство творческих методов: решение ролей, предлагаемое Раневской, было органично скорее театру брехтовского типа. Раневская театрально переосмысляла и собственную повседневную жизнь, превращая её порой в своеобразный трагикомический «спектакль»; в этой особенности кроется секрет её сугубо личной популярности, независимо от сценической известности.

Как-то Раневской достался эпизод в пьесе «Шторм». Она придумала множество вариантов каждого кусочка, чуть ли не каждой реплики своей роли. Она почти полностью переписала текст. Драматург прочитал, побагровел и стал так хохотать, что все испугались. «Здесь ничего нельзя менять, – сказал он, – все оставить… как у Раневской». На следующий день актриса принесла еще несколько вариантов. «Оставьте ее, – сказал драматург, – пусть играет как хочет и что хочет. Все равно лучше, чем она, эту роль сделать невозможно». Она затмевала всех остальных актеров, включая и исполнителей главных ролей. Завадский не хотел мириться с этим, и вскоре лишил актрису роли. В 1955 году она покинула театр. Она перешла в театр Пушкина, но в 1963 году ушла и отсюда…

Раневская была трижды лауреатом Сталинской премии в 1949, 1951, 1951 годах.

Актриса была дружна с Анной Андреевной Ахматовой, у них была общая страсть – Пушкин.

В 1961 году Раневская становится народной артисткой СССР.

В середине 1960-х Раневская возвращается в театр к Завадскому. В театре Моссовета она работала до конца своих дней.

В течение тринадцати лет на сцене театра шла пьеса «Дальше – тишина» Вина Дельмара. Постановку сопровождал неизменный успех. По мнению актёров, театральных критиков и зрителей, пьеса с банальным сюжетом имела огромный успех только благодаря талантливой игре Плятта и Раневской. В этом спектакле Фаина Раневская вышла на сцену в последний раз. Это произошло 24 октября 1982 года.

За год до своей смерти Раневская отказалась играть на сцене. «Старость, – сказала она, – вещь страшная».

Лондонский ежегодник «Кто есть кто» включил ее в число десяти лучших актрис ХХ века.

Фаина Раневская скончалась 19 июля 1984 года.

Похоронена на Новом Донском кладбище.

Плятт Ростислав Янович1908–1989советский актёр театра и кино

Ростислав Плятт родился в Ростове-на-Дону 13 декабря 1908 года. Отец – известный ростовский адвокат Иван Иосифович Плят, еврей по национальности. Псевдоним Ростислав себе придумал сам, прибавив одну букву к фамилии и немного изменив отчество. Мать – Зинаида Павловна Закаменная – украинка, родом из Полтавы.

В 1916 году, когда Ростиславу было восемь лет, семья переехала в Москву. Там он поступил в школу. Учился Ростислав Плятт с удовольствием. Мальчику повезло – драмкружком в той школе, где он учился, руководил известный артист Лебедев Владимир Федорович. Он сразу распознал в мальчике большой актерский талант, увидел в своём ученике основную сторону его таланта – склонность к комическому. Уроки Лебедева сыграли важную роль в будущем Плятта.

Учился на драматических курсах под руководством Ю.А. Завадского, в 1927 году в его театре-студии дебютировал в спектакле «Простая вещь», где исполнил роль Офицера на вечеринке и Человека в пенсне. Потом он играл в спектаклях «Нора», «Школа неплательщиков» и «Ученик дьявола». В 1936 году театр переехал в Ростов-на-Дону, так как в Москве не нашлось подходящего помещения. Молодой актер вернулся к себе на родину. Там он поступил в Ростовский драматический театр, на сцене которого сыграл Болингброка в спектакле «Стакан воды» и Скалозуба в «Горе от ума».

Первый крупный успех на сцене имела роль Фон Ранкена, сыгранная в 1938 году на Ростовской сцене (спектакль «Дни нашей жизни» Л. Андреева). Эта роль обнаружила склонность актёра к углублённому, психологически тонкому раскрытию характера. До этой роли Плятт был признанным комедийным актёром, создававшим образы с острым внешним рисунком и ярко подчёркнутой характерностью.

В кинематографе актёр начал свою работу с 1939 года. Первая роль холостяка в фильме «Подкидыш». Популярность Плятта была основана не только на ряде сценических и экранных работ, но и на человеческих качествах артиста, ставшего воплощением интеллигентности.

В 1941 году актер перешел в Московский театр драмы, а в 1943 году вернулся к Завадскому, в академический театр имени Моссовета, где и работал всю оставшуюся жизнь.

С каждым годом в искусстве Плятта все значительнее определялась психологическая разработка персонажей. В 1964 году Плятт сыграл интеллектуально острый характер Бернарда Шоу («Милый лжец» Килти) и Цезаря («Цезарь и Клеопатра» Шоу). Вершиной его сценической деятельности стал образ старика Купера в спектакле «Дальше – тишина» Вина Дельмара, поставленном в 1969 году и шедшем в течение тринадцати лет.

Мастер тонких, необычайно выразительных средств, в 1970-е годы он создал на сцене интересную портретную галерею: писатель Лавренёв, Постоянно действующий персонаж, генерал Фицбатресс, Старорежимное Лицо, Фёдор Карамазов и др.

И снова работы в кино: «Деловые люди», «Коллеги», «Монета», «Короткие истории», «Москва», «Легкая жизнь», «Иду на грозу», «Дорога к морю», «Ошибка резидента», «Судьба резидента», «Вся королевская рать», «Двенадцать стульев», «Семнадцать мгновений весны», «Ольга Сергеевна», «Авария», «Однофамилец», «Истцы и ответчики», «Дальше – тишина», «Активная зона», «На Гранатовых островах», «Визит к минотавру». В 1989 году Плятт получил звание Героя Социалистического Труда, в этом же году ему был вручен орден Ленина. В восьмидесятые годы актер перенес тяжелую травму и все реже появлялся на сцене.

Тем не менее талант актера был востребован всегда. За годы работы Плятт озвучил множество мультфильмов, на которых выросло несколько поколений сначала советских, а позже и российских детей.

Творчество Ростислава Плятта отличают интеллектуализм, дар внутреннего перевоплощения, ироничность, глубокое обаяние. Яркая творческая индивидуальность актера, характерная игра и умение тонко чувствовать персонажей подарили Ростиславу Плятту искреннюю любовь публики.

Умер Ростислав Янович 30 июня 1989 года в Москве.

Актера похоронили на Новодевичьем кладбище.

Гердт Зиновий Ефимович1916–1996советский и российский актёр театра и кино

Зиновий Гердт (Залман Афроимович (Эфраимович) Храпинович) родился 21 сентября 1916 года в бедной еврейской семье в Псковской области.

В 15 лет окончил ФЗУ Московского электрозавода имени Куйбышева и работал слесарем-электриком на строительстве московского метро. При заводе был Театр рабочей молодёжи (ТРАМ), в котором актёр играл свои первые роли. Первоначально выступал под своей настоящей фамилией Храпинович. Закончил театральную студию А.Н. Арбузова. С 1937 года – актёр Театра кукол при Московском Доме пионеров.

Когда началась Великая Отечественная война, Зиновий Гердт ушел добровольцем на фронт. Старший лейтенант саперной роты Гердт не вспоминал, что он артист, и даже не участвовал в самодеятельности. В феврале 1943 года под Белгородом он был тяжело ранен в ногу. Четыре года он мог передвигаться только на костылях, перенес 11 сложнейших операций, но одна нога все равно навсегда осталась короче другой на целых восемь сантиметров. Хромота осталась с ним на всю жизнь.

Два года спустя, в 1945 году, Зиновий Гердт вернулся в искусство. Он устроился в труппу Центрального театра кукол под руководством Образцова. За ширмой этого театра он проработал до 1982 года.

В кинематограф Зиновий Гердт вошел как актер дубляжа, закадрового текста, долгое время оставаясь «за ширмой» подобно кукольнику.

В 1967–1968 годах Зиновий Гердт приглашался на эпизодические роли, в частности в знаменитый «Золотой теленок». Но режиссер увидел в актере больший потенциал. В итоге он сыграл роль бесподобного наглеца и прохиндея Михаила Самуэльевича Паниковского, человека без паспорта, но в соломенном канотье и манишке. Его Паниковский не был просто презренным гусекрадом, а был жуликом-поэтом и славным чудаком.

Гердт в каждый образ вносил свой, порой отличный от задуманного, смысл, не прибегал к одной краске в изображении характера. В этом сказывалась не только его тяга к драматургии (им написано несколько пьес), но и высокий интеллект, неординарная одаренность.

Зиновий Гердт сыграл в кино более ста ролей, среди которых: Карл Сигизмундович из школьного фильма «Розыгрыш», кладбищенский сторож из музыкальной комедии «Трое в лодке не считая собаки», человек в клетчатом пальто из комедии «Вас вызывает Таймыр» и сразу три роли в детском музыкальном фильме «Автомобиль, скрипка и собака Клякса», Михал Михалыч в фильме «Место встречи изменить нельзя».

Режиссеры порой специально сочиняли для Гердта хотя бы эпизод. Он был способен облагородить любую роль. Он дважды сыграл бабелевского Арье-Лейба из синагоги извозопромышленников – в фильмах «Искусство жить в Одессе» и «Биндюжник и король».

На телевидении Зиновий Гердт с 1962 по 1966 год, с перерывами на гастроли и съёмки, вёл передачу «Кинопанорама». Из-за сложностей с графиком артист ушёл из телепередачи, его преемником стал Алексей Яковлевич Каплер. В 90-х годах Гердт был ведущим авторской программы «Чай-клуб». 29 декабря 1994 года был в гостях у Влада Листьева в последнем выпуске программы «Час Пик» 1994 года.

С 1983 года – актёр театра имени М.Н. Ермоловой.

Гердт – заслуженный артист РСФСР (1959 год), народный артист РСФСР (1969 год), народный артист СССР (1990 год).

Зиновий Гердт умер 18 ноября 1996 года.

Похоронен на Кунцевском кладбище.

Козаков Михаил Михайлович1934–2011советский, российский и израильский режиссёр актёр театра и кино

Михаил Михайлович Козаков родился 14 октября 1934 года в Ленинграде в еврейской семье писателя Михаила Эммануиловича Козакова и редактора «Издательства писателей в Ленинграде» Зои Александровны Никитиной (урождённой Гацкевич). Ее дважды арестовывали – в 1937 и в 1948 году. В квартире Козаковых на канале Грибоедова бывали Евгений Шварц, Михаил Зощенко, Анатолий Мариенгоф, Борис Эйхенбаум, Анна Ахматова и многие другие литературные знаменитости.

Во время войны его вместе с другими ленинградскими детьми эвакуировали в Молотовскую область (сейчас – Пермский край). С 1941 по 1944 год он жил в деревне Чёрная Краснокамского района. С 1945 года учился в Ленинградском хореографическом училище. Михаил Козаков принял святое крещение в 16 лет в Ленинграде.

По окончании школы в 1952 году Михаил Козаков поступил в школу-студию МХАТ (курс П.В. Массальского). На последнем курсе дебютировал в кино, снявшись в политической драме М.И. Ромма «Убийство на улице Данте» в 1956 году.

Был принят в театр имени Маяковского. Уже в первый год работы на сцене этого театра Михаилу Козакову доверили сыграть Гамлета.

В 1959 году Козаков покинул театр Маяковского и перешел в «Современник», где проработал более десяти лет – до 1970 года. В конце 50-х Михаил Козаков снялся в нескольких картинах. В числе его приметных работ – Педро Зурита в экранизации романа А. Беляева «Человек-амфибия» (1961 год), Сильвио в пушкинском «Выстреле» (1966 год), Джек Берден в трехсерийном кинофильме по роману Роберта Пен Уоррена «Вся королевская рать» (1971 год).

С 1971 года по 1972 год работает во МХАТе, где он ставил пьесу Леонида Зорина «Медная бабушка». Роль А.С. Пушкина репетировал Ролан Быков. Спектакль закрыли, и Козаков ушёл в Театр на Малой Бронной к Дунаеву и Эфросу С 1972 года по 1981 год – актёр Театра на Малой Бронной. По признанию самого актёра, он уходил тогда, когда считал нужным. Уходил, научившись чему-то главному у своих учителей. У него их трое: Николай Охлопков, Олег Ефремов и Анатолий Эфрос. И у каждого он учился режиссуре. Был самый главный учитель – Олег Ефремов, который был одним из его педагогов в Школе-студии МХАТа, художественным руководителем «Современника».

В 70-е годы Козаков сыграл свои самые лучшие и известные роли в кино. Он снялся в приключенческом фильме Наума Ардашникова «Вся королевская рать», водевиле Александра Белинского «Лев Гурыч Синичкин», музыкальном телефильме Леонида Квинихидзе «Соломенная шляпка», замечательной комедии Виктора Титова «Здравствуйте, я ваша тетя!» и других картинах.

В середине 70-х состоялся и дебют Михаила Козакова как кинорежиссера. В 1978 году вышла его трагикомедия «Безымянная звезда». Еще в 1970 году главную роль астронома Марина Мирою должен был сыграть Олег Даль. В 1978 году Козаков остановил свой выбор на Игоре Костолевском и не ошибся. Дуэт Игоря Костолевского и Анастасии Вертинской оказался бесподобным. Сам Михаил Козаков также снялся в своей картине, сыграв небольшую, но заметную роль Грига. На съемках «Безымянной звезды» завязался роман с Анастасией Вертинской. К тому времени Козаков был женат в третий раз, у него было трое детей. Именно с «Безымянной звезды» начался новый Козаков – режиссёр, который определил своё место в истории советского кино, обозначил свой неповторимый стиль.

В Театре на Малой Бронной Козаков поставил пьесу Леонида Зорина «Покровские ворота». Зорин написал пьесу о Москве пятидесятых годов. Поскольку Москва пятидесятых – время молодости и Михаила Козакова, то эта тема и объединила двух талантливых людей. В начале 80-х Михаил Козаков решил перенести пьесу на экран. Он говорил: «Рассказываем мы в фильме о времени надежд хрущевской оттепели, и при всем жанре этого… комедии, водевиля – называйте, как хотите… там есть подводные течения». Разрешение снимать фильм было получено только благодаря Софье Пилявской, которая использовала свои связи.

Фильм «Покровские ворота» получился необыкновенно искрометным, веселым и сложным.

В 80-е годы Михаил Козаков немало снимался в кино, в частности, в роли Дзержинского в фильмах «Двадцатое декабря» и «Товарищ Иннокентий». «Его Дзержинский впервые в истории кино говорил с польским акцентом. А если учесть еще взгляд этого Дзержинского – холодный и жесткий, то становилось ясно, что Михал Михалыч знает о Дзержинском нечто большее, чем написано в сценарии», – вспоминал Сергей Урсуляк.

Как режиссер он снял детскую комедию «Если верить Лопотухину». Затем Михаил Михайлович экранизировал спектакль «Маскарад» по трагедии Лермонтова. Одной же из самых сильных его работ стала картина-трагифарс «Визит дамы» по пьесе Дюрренматта «Визит старой дамы». Главные роли в этой картине сыграли выдающиеся мастера Екатерина Васильева и Валентин Гафт. «Визит дамы» заслуженно вошел в золотой фонд отечественного кинематографа.

В конце 1980-х жена Козакова по приглашению Роберта Де Ниро уехала переводчицей в США и навсегда там осталась. Козаков встретил Анну Исаевну Ямпольскую, которая приехала из Кишинева, работать на телевидении. Вскоре состоялась свадьба. В 1989 году у супругов родился сын Михаил, а в 1996 году Анна – дочь Зоя.

В августе 1991 года М.М. Козакову предложили высокооплачиваемую работу в Израиле, после чего он переехал туда вместе с семьёй. В течение четырёх лет играл на иврите в Тель-Авивском камерном театре; кроме того, создал русскую труппу (антрепризу), с которой подготовил четыре спектакля.

В 1996 году артист вернулся в Россию и организовал собственную труппу под названием «Русская антреприза Михаила Козакова». До 2010 года Михаил Козаков выступал с моноспектаклями (один из таких моноспектаклей – «Пушкин и о нём»), в роли чтеца и со стихотворными произведениями И.А. Бродского и А.А. Ахматовой.

22 апреля 2011 года Михаил Козаков скончался после продолжительной болезни.

Похоронен на Введенском кладбище, где покоится его отец.

Шкловский Виктор Борисович1893–1984советский киновед и киносценарист

Виктор Шкловский родился 24 января 1893 года в Санкт-Петербурге в семье преподавателя математики еврейского происхождения, впоследствии профессора Высших артиллерийских курсов Бориса Владимировича Шкловского и его жены Варвары Карловны, урождённой Бундель, русско-немецкого происхождения.

Старший брат Виктора Шкловского – Владимир Шкловский в 1919–1922 годах входил в Совет православных братств Петрограда, неоднократно арестовывался, был расстрелян в 1937 году. Другой брат, Николай Борисович, был расстрелян в 1918 году как правый эсер. Сестра – Евгения Борисовна умерла в Петрограде в 1919 году.

В художественно-мемуарной книге «Жили-были», вышедшей в 1962 году, Шкловский подробно пишет о своем еврейском происхождении, а также упоминает своих еврейских родственников – «дядю Исаака-путешественника» (Дионео) и «единокровного брата Евгения» – талантливого врача, убитого белыми.

Юность Виктор Шкловский провел в Петербурге. Хотя много читал, был исключён из школы за плохую успеваемость, впоследствии успешно закончил «снисходительную» гимназию. Ещё гимназистом стал печататься в журнале «Весна». Учился в Петербургском университете на историко-филологическом факультете, посещал лекции таких известных учёных, как академики Крачковский и Бодуэн де Куртенэ.

После начала Первой мировой войны осенью 1914 году ушел добровольцем в армию. Сменил несколько военных специальностей и в 1915 году вернулся в Петроград, где служил в школе офицеров-инструкторов.

В 1916 году Шкловский стал одним из зачинателей «Общества изучения теории поэтического языка» (ОПОЯЗ), объединившего теоретиков формальной школы в литературоведении.

Принял активное участие в Февральской революции. Как помощник комиссара Временного правительства был направлен на Юго-Западный фронт, где 3 июля 1917 года лично возглавил атаку одного из полков, был ранен в живот навылет и получил Георгиевский крест 4-й степени из рук генерала Корнилова. Временным правительством был направлен в Персию, где организовывал эвакуацию российских войск и вернулся с ними в Петроград в начале 1918 года.

В Петрограде Шкловский работал в Художественно-исторической комиссии Зимнего дворца и активно участвовал в антибольшевистском заговоре эсеров. Когда заговор был раскрыт, Шкловский был вынужден покинуть Петроград и уехал в Саратов, некоторое время скрывался в психиатрической больнице.

В конце 1918 года Шкловский решил больше не участвовать в политической деятельности и в начале 1919 года вернулся в Петроград, где преподавал в Студии художественного перевода при петроградском издательстве «Всемирная литература» теорию литературы.

В 1922 году начались аресты эсеров, и Шкловский 4 марта 1922 года, спасаясь от ареста, бежал в Финляндию. Шкловский жил в Берлине с апреля 1922 до июня 1923 года.

С конца 1922 Шкловский начал просить о возвращении в СССР. Вернулся в сентябре 1923 года, жил в Москве.

Был близок к футуристам – В. Хлебникову, А. Кручёных, В. Маяковскому. Один из лидеров группы ЛЕФ.

Обращения Шкловского к еврейской теме немногочисленны, но в достаточной мере декларативны. В прозе Шкловского «еврейский элемент» выступает скорее элементом стиля.

Наиболее содержательные высказывания Шкловского о еврейском вопросе даны в его рецензии на фильм «Еврейское счастье», поставленном по рассказам Шалом Алейхема. Это еще немой фильм, снятый в СССР в 1925 году. Шкловский писал со скептическим отношением к сионистской идее создания еврейского государства в Палестине: «Сейчас уже видно, что из сионизма, из еврейского государства в Палестине выйдет только южный курорт для богатых евреев». Он с энтузиазмом высказывается об изменении социокультурного статуса евреев Советского Союза.

В 1927 году вышел снятый по заказу ОЗЕТа советский пропагандистский документальный фильм «Еврей на земле». Сценаристами были Маяковский и Шкловский, режиссером Абрам Роом. Фильм был посвящен теме освоения земель Крыма и северного Причерноморья еврейскими колонистами. ОЗЕТ – Общество землеустройства еврейских трудящихся; полное название – Всесоюзное общество по земельному устройству трудящихся евреев в СССР), организация (формально – общественная), ставившая целью привлечение советских евреев к земледельческому труду.

В картине показано, как еврейские колонисты заселяют причерноморские и крымские земли. Для более успешного освоения заброшенных земель создаются коммуны, наподобие кибуцев, живущие только своей внутренней колониальной жизнью. Еврейские колонисты и колонистки представлены как одна большая семья на фоне трудностей антисемитизма, вспыхнувшего в СССР в конце 20-х годов двадцатого столетия.

В начале 1942 года была создана общественная организация Еврейский антифашистский комитет (ЕАК). В конце войны руководством комитета активно обсуждались планы организации Еврейской советской республики в Крыму.

Осенью 1932 года Шкловский отправился в поездку на строительство Беломоро-Балтийского канала. На вопрос сопровождавшего его чекиста, как он себя здесь чувствует, Шкловский ответил: «Как живая лиса в меховом магазине».

Сын Шкловского погиб на фронте Великой Отечественной войны в 1944 году.

Большое место в творчестве Шкловского занимают работы о русских классиках, в частности о Л.Н. Толстом – от ранней книги «Материал и стиль в романе Льва Толстого «Война и мир» (1928 год) до фундаментальной биографии «Лев Толстой» (1963 год, 2 изд. 1967 год, оба издания в серии «Жизнь замечательных людей»). Значение в советской культуре имеют работы по теории кино, литературы, портреты С.М. Эйзенштейна, Л.В. Кулешова, Дзиги Вертова, А.П. Довженко.

Шкловский – автор киносценариев: 16 для немого кино, в том числе «Капитанская дочка» (1928 год), и 12 для звукового, в том числе «Минин и Пожарский» (1939 год, режиссёр – В.И. Пудовкин), «Овод» (1955 год, в главной роли – Олег Стриженов), «Казаки» (1961 год, «Три толстяка» (1963 год, мультфильм), «Сказка о золотом петушке» (1967 год, мультфильм), «Баллада о Беринге и его друзьях» (1970 год).

Интерес к отечественной, и в частности к московской, истории отразился в повестях Шкловского «Матвей Комаров, житель города Москвы» (1929 год), «Минин и Пожарский» (1939 год).

Награжден орденом Трудового Красного Знамени.

Шкловский выступал рассказчиком в многосерийных передачах: «Жили-были» (1972 год), «Слово о Льве Толстом» (1978 год).

Виктор Шкловский скончался 5 декабря 1984 года.

Похоронен в Москве на Кунцевском кладбище.

Вульф Виталий Яковлевич1930–2011российский искусствовед

Виталий Вульф родился 23 мая 1930 года в Баку. Отец Вульфа – Яков Сергеевич – был известным адвокатом в Баку. Мать Вульфа – Елена Львовна Беленькая – училась в Бакинском университете у Вячеслава Иванова до его отъезда в Италию, была его любимой ученицей и всю жизнь хранила старенькую зачетную книжку с его росчерками. Была преподавателем русского языка.

После окончания средней школы Виталий Яковлевич мечтал поступить в ГИТИС, но отец настоял, чтобы сын сначала получил серьезное образование. Родители отправили своего единственного ребенка в Москву, где он поступил в МГУ им. Ломоносова на юридический факультет.

Когда Виталий Вульф окончил университет, шла борьба с космополитизмом, разбиралось дело врачей, продолжались аресты, и, естественно, юноше еврейской национальности без связей в Москве места практически не было. Виталий Вульф четыре раза пытался поступить в аспирантуру В 1957 году он всё-таки стал аспирантом, работал в адвокатуре. В 1961 году он защитил диссертацию на соискание степени кандидата юридических наук.

Всё это время Виталий Вульф продолжал любить театр и интересоваться им, он почти ежедневно посещал спектакли во МХАТе, в Малом театре, в театре Вахтангова, в театре имени Маяковского.

В 1962 году, приехав к матери в Баку, он застал в городе гастроли театра «Современник». Тогда и началась дружба Вульфа с коллективом этого театра. Именно в эти годы он оказывался свидетелем многих драм за кулисами. Открытый, контактный, легкий на подъем и увлекающийся, он стал близким человеком для многих людей театра. Потом эти встречи и наблюдения перетекли в его книги, статьи, эссе, телевизионные передачи.

С 1967 по 1997 год Виталий Вульф работал в Институте международного рабочего движения АН СССР. Изучал молодёжное сознание в странах Запада. В 1967 году он опубликовал книгу о движении хиппи. В это же время он начал заниматься американским театром. В 1989 году он защитил диссертацию на соискание степени доктора исторических наук на тему «Американский театр 70-х годов и общественно-политическая реальность». Тогда он впервые был командирован в США. В 1992 году он вновь поехал в США и два года преподавал на театральном факультете Нью-Йоркского университета, читая курсы «Чехов и театр», «История русской драматургии», «Сталин и театр». В 1994 году вернулся в Москву, без которой не мыслил своей жизни.

С 1972 года Виталий Вульф занимается переводами англо-американской драматургии. Он переводил пьесы Юджина О’Нила, Эдварда Олби, Сомерсета Моэма, Теннесси Уильямса. Пьесы в переводе Вульфа шли и идут на сценах МХАТа, Театра им. Маяковского, Театра им. Моссовета, «Современника», Малого театра, Московского драматического театра им. Н.В. Гоголя. Всего Вульф перевел около 40 пьес, большая часть из них в соавторстве с его другом Александром Чеботарём.

С 1990 года Виталий Вульф начал вести телевизионные передачи. Первым его телевизионным рассказом был рассказ об актрисе М.И. Бабановой, с которой был дружен и чьи письма к себе опубликовал, показав трагедию актрисы. В 1994 году Виталий Вульф был приглашен Владиславом Листьевым в телекомпанию «ВиД». В сентябре 1994 года на телевидении начала выходить его авторская программа «Серебряный шар», пользующаяся огромной зрительской любовью.

В 2003 году программа перешла на телеканал «Россия» и претерпела большие изменения. Программа стала называться «Мой серебряный шар» и стала производиться студией Mb-group. В программе, построенной в форме импровизационного монолога ведущего, Виталий Вульф одновременно выступает и как критик, и как актер и как искусствовед. В ней он рассказывает об актерах театра и кино, знаменитых писателях, а в последнее время героями его передачи стали и политические деятели: Черчилль, Рузвельт, де Голль, Фурцева и другие.

Он делал передачи о деятелях театра и кинематографа XX века, таких как Грета Гарбо, Лайза Миннелли, Джуди Гарлэнд, Юл Бриннер, Ив Монтан, рассказывал о русских актерах Ольге Чеховой, Алле Тарасовой, Ангелине Степановой, Олеге Ефремове, Марине Ладыниной, Татьяне Дорониной, Юрии Григоровиче; о писателях Александре Фадееве, Максиме Горьком, Марине Цветаевой, сделал программу о Старой Русской Ницце, посвященную русским эмигрантам.

Виталий Вульф автор книг «От Бродвея немного в сторону» (1982 год), «А.И. Степанова – актриса Художественного театра» (1985 год), «Идолы, звезды, люди» (1995 год), «Звезды трудной судьбы» (1997 год), «Театральный дождь» (1998 год), «Серебряный шар» (2003 год).

Виталий Вульф награжден орденом Почета (2003 год), орденами «За заслуги перед Отечеством» IV степени (2006 год) и III степени (2010 год). В 2005 году Распоряжением Президента Российской Федерации за многолетнюю плодотворную деятельность в области культуры Виталию Яковлевичу Вульфу была объявлена благодарность. Лауреат Национальной премии ТЭФИ. В 2006 году Виталий Вульф стал обладателем награды в области моды и стиля «Астра-2006» в номинации «Самый стильный телевизионный ведущий». В 2009 году стал лауреатом Всероссийского конкурса «За образцовое владение русским языком».

Виталий Вульф был выдающимся искусствоведом, театроведом, киноведом, литературоведом, переводчиком, теле-и радиоведущим, критиком.

13 марта 2011 года Виталий Вульф скончался.

Похоронен на Троекуровском кладбище.